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segunda-feira, 3 de janeiro de 2022

Homens nas sapatilhas de pontas.




Dançar nas pontas dos pés faz parte da mística de uma bailarina, mas os bailarinos dedicados à técnica das pontas querem ser levados mais a sério

“Sempre fui atraído por sapatilhas de ponta, eles são mágicos! Eu me perguntei: por que só as meninas podem usá-las? ”Iván Félix é um bailarino mexicano de 24 anos que dança em pontas há três. “Acho que muitas pessoas desprezam os homens que dançam com sapatilhas de ponta porque acham que é muito fácil, ou fazemos isso porque não podemos dançar como um homem da maneira tradicional”, acrescenta Félix, que dança para Les Ballets Eloelle em New York, uma companhia em que todos os papéis, muitas vezes cômicos, são interpretados por homens.

Desde que a arte nas pontas foi popularizada em 1823 por Amalia Brugnoli, se tornou parte da mística da bailarina, enquanto os homens fazem a dança no solo e executam saltos e movimentos atléticos incríveis. Quando os dançarinos do sexo masculino se apresentavam nas pontas no passado era para efeito cômico, não para mostrar habilidade. Por exemplo, os homens que retratam Bottom no "Sonho de uma noite de verão" precisam colocar uma cabeça de burro gigante e dançar com movimentos semelhantes a cascos em sapatilhas de ponta.

Kadeem Hosein, 25, diz: “Estudei balé por cerca de três anos antes de começar na ponta. Eu sabia que isso ajudaria a fortalecer meus pés, gostei de usar sapatilhas pontas, e então me perguntei "por que não?" ” Ele agora mora em Londres e, embora não seja um bailarino profissional, ainda treina na ponta. “Acho que seria interessante ver performances em que os papéis pudessem ser desempenhados tanto por mulheres como por homens”, acrescenta ele, “não pela força, mas pela própria escolha dos dançarinos”.

Rosine Bena-Porter, professora de balé de Nevada, ensina a arte da dança há 50 anos. Ela conta que sua mãe, com quem ela aprendeu a dançar, sempre foi uma instrutora inovadora e começou a ensinar trabalho nas pontas para homens porque “estava cansada de tentar corrigir os dançarinos do sexo masculino em trabalho com a parceira”. Ela esperava que se os homens pudessem entender os movimentos por trás do trabalho nas pontas, eles seriam melhores parceirs, e percebemos que os homens sabiam aproveitar os ensinamentos, embora, reclamassem da dor”. As sapatilhas de ponta podem ser extremamente desgastantes para os pés. Eu mesma dancei na ponta, e reconheço a agonia que os dançarinos disfarçam no palco para fazer seus movimentos que parecerem não fazer esforço.
Hoje, Bena-Porter exige que todos os seus dançarinos aprendam o trabalho de pontas, independentemente do sexo. No entanto, ela exige que seus alunos do sexo masculino estudem por apenas um ano. Depois disso, eles podem continuar sem pontas ou voltar ao trabalho das pontas.

O valor é uma barreira, porque as sapatilhas de ponta se desgastam rapidamente.
O bailarino Brian Syms, dos Estados Unidos, acrescenta: “O dimensionamento tem sido um problema para mim. Comecei a entender que a maneira como um homem que dança na ponta deve cuidar de seus pés difere ligeiramente de uma mulher. O meu peso parece sempre ser um fator para a dor, as minhas sapatilhas se desgastam muito rápido devido a uma mistura de peso e suor. Infelizmente, não existe um manual para os homens que usam pontas, então eu tive que me juntar o que as meninas sabem e descobrir como isso se aplica ao meu tamanho. ”

Syms continua: “Como um negro gay, isso começou a se tornar importante para mim ser representante no balé. Comecei a ter outro anseio, desta vez pelas histórias do balé, que passei a amar muito, para refletir o mundo em que vivemos atualmente. Um belo mundo colorido e cheio de indivíduos complexos. Eu queria ver isso no palco, e tinha que começar comigo. Eu sabia há algum tempo que me sentia melhor representado como pessoa e artista quando dançava esses papéis femininos na privacidade de estúdios vazios ou em meu quarto ”.

Em Oakland, Califórnia, a companhia de dança Ballet22 foi fundada no ano passado para “expandir os limites do que é possível no balé, quebrando estereótipos normativos de gênero, especificamente por meio do uso sem gênero de sapatilhas de ponta”. Quando perguntei ao Royal Ballet se eles estavam pensando em treinar homens na ponta, um porta-voz respondeu que: “A maior parte do repertório não exige que os bailarinos estejam na ponta”. Eles explicaram que “há alguns papéis que exigem isso” e “quando o balé entra na temporada, os dançarinos são treinados para o trabalho nas pontas para o personagem”. Pode demorar um pouco até que a opção se torne comum, mas certamente estamos nos movendo na direção certa. Falando sobre o futuro, Syms me diz: “Espero que o movimento dos homens na ponta nos obrigue a olhar para a representação ... O mundo é muito mais do que papéis de gênero hoje em dia, os indivíduos são tão coloridos e diversos, é uma pena não ver isso no balé ”.


Fonte: https://www.theguardian.com


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quarta-feira, 24 de novembro de 2021

Beba água !



Como bailarina, você sabe que deve beber muita água, mas sabe por quê?  A água mantém quase todos  os sistemas do corpo em funcionamento. E se eles não estiverem funcionando corretamente, sua dança pode ser prejudicada.

O corpo usa água para ajudá-lo a regular sua temperatura central por meio da transpiração. Quando você está repetindo variações consecutivas no ensaio, a água evita que você aqueça demais. O suor é uma coisa boa.

Quer uma battements tendus melhor? Todas as articulações, incluindo quadris, joelhos e tornozelos, precisam de água para se manterem lubrificadas. Beba água para usar toda a sua amplitude no movimento.

Sem fôlego? O sangue - que é cerca de 80% de água - transporta oxigênio e nutrientes vitais através do sistema circulatório até as células. Além disso, a água umedece o ar que você respira.

Se você estiver desidratado, seu equilíbrio provavelmente será prejudicado. Isso ocorre porque o ouvido interno precisa manter um equilíbrio de fluidos para funcionar corretamente.

Sentindo-se dolorido? A desidratação pode ser a culpada. Beber água suficiente pode reduzir a dor muscular e acelerar o tempo de recuperação.

Sem água suficiente, a dieta saudável de uma bailarina seria em vão. H2O ajuda a dissolver os minerais dos alimentos para que o corpo possa usá-los

Vencer o calor

Se você está dançando em altas temperaturas, como em um festival de verão ao ar livre, um estúdio sem ar-condicionado ou sob as luzes de palco escaldantes, é ainda mais importante conseguir água suficiente, já que aumenta o risco de desidratação e doenças causadas pelo calor. Não espere até sentir sede para beber líquidos - isso é um sinal de que você já pode estar desidratado. Cãibras musculares, tontura, temperatura corporal elevada, náuseas, pele pegajosa e sede extrema são sintomas de doenças causadas pelo calor - uma série de condições que vão desde erupções de calor, causadas por suor excessivo, até ataques de calor com risco de vida. Se você estiver experimentando esses sintomas, a Força-Tarefa de Saúde do Dançarino da Dance / EUA recomenda a aplicação de uma bolsa de gelo na axila e na virilha para resfriar a temperatura corporal do corpo.

Para se manter hidratado, limpar o organismo e evitar complicações de saúde, não basta beber água apenas quando temos sede e compensar tomando grandes quantidades, pois isso pode sobrecarregar o corpo. "A água deve ser ingerida, principalmente no verão, de 2 em 2 horas, no mínimo 2 litros por dia.

 E no dia da apresentação?

Bom, é claro que as refei­ções deve­rão ser ajus­ta­das de acordo com os horá­rios das apre­sen­ta­ções, porém, é impor­tante sem­pre levar em con­si­de­ra­ção as carac­te­rís­ti­cas gas­trin­tes­ti­nais de cada  bai­la­rino, lem­brando que o indi­ví­duo deve estar acos­tu­mado a se ali­men­tar daquela forma durante o período de trei­na­mento, evi­tando tes­tar ali­men­tos e suple­men­tos novos nos dias de apresentação.

O prin­ci­pal obje­tivo de uma refei­ção pré-apresentação é man­ter o bailarina com ener­gia sufi­ci­ente para o momento, mas tam­bém, con­for­tá­vel, ou seja, da mesma forma que o jejum não é indi­cado, tam­bém não é neces­sá­rio ini­ciar a ati­vi­dade física com o estô­mago muito cheio, pesado. Além disso, a ali­men­ta­ção evita hipo­gli­ce­mia, a fome antes ou durante o espe­tá­culo, melhora o desem­pe­nho e for­nece líqui­dos para uma boa hidratação.

Fonte: https://pointemagazine.com/hydration-for-dancers/

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sexta-feira, 15 de outubro de 2021

História de Halloween no Ballet ?


Quando as pessoas pensam em balé, pensam em elegância e graça, lindos tutus e sapatos cor de rosa. No entanto, os enredos de alguns dos balés mais famosos podem rivalizar com qualquer filme de terror de Hollywood. A maioria das companhias de balé tem seu quebra-nozes no inverno e um divertido balé de histórias na primavera, mas também tem temas assustadores.

Segue a lista: 



"Giselle"

Vamos começar com escolha  óbvia do repertório do ballet: Giselle que é  "literalmente" uma história de fantasmas. A bailarina principal que interpreta uma noiva  morre por causa de um coração partido ou um ataque de coração (isso não fica muito claro na história).                     A personagem Giselle retorna no Ato II como um membro da corte de mulheres fantasmas desprezadas da Rainha Myrtha, chamadas Wilis. Na verdade, alguns historiadores acreditam que a frase "os willies" se origina do Wilis do ballet Giselle. A Rainha Myrtha e seu grupo de mulheres de fantasmas perseguem o Príncipe Albrecht (ex de Giselle) e tentam levá-lo a uma morte prematura. É assustador e ainda mais quando você adiciona uma iluminação azul enevoada, as árvores sombrias e o fato de que o Ato II ocorre em um cemitério, literalmente,  e o resultado que  temos é uma história assustadora para se contar na penumbra.           Além disso, podemos mencionar quantos Wilis existem? São muitas mulheres traídas por seus amantes, namorados, noivos e maridos, talvez o verdadeiro susto em Giselle seja o patriarcado.



"Lago dos cisnes"

Apesar do tratamento com o Cisne Negro de Hollywood, o Lago dos Cisnes (o balé) é mais uma tragédia do que um suspense. Claro que nós temos um feiticeiro malvado e uma maldição, mas isso é algo bem comum nos balés da era romântica. Quando o príncipe Seigfried se apaixona pelo truque de Rothbart e trai Odette, é mais triste do que assustador. O Lago dos Cisnes ganha um ponto para a rainha dos gritos, Odile, e outro para a queda completa de um final.

"Coppelia"

Nós sabemos o que você está pensando: "Coppelia, o balé cômico? O que ele está fazendo nessa lista?" Então,  O Dr. Coppelius constrói bonecas que parecem reais e quer convence-las de que elas tem vida, ao estilo do Dr. Frankenstein. Ele está totalmente preparado para sacrificar Franz, o protagonista, para isso. Uma herança para a  Annabelle, temos certeza de que bonecos mal-assombrados merecem sua própria categoria de terror no Netflix.   Swanhilda é basicamente a última garota do mundo do balé, e não, não aceitaremos críticas construtivas nesta análise. Ela fica para trás depois que todos os seus amigos vão enfrentar o Dr. Coppelius e salvar Franz. Colocaríamos Swanhilda na mesma categoria que Sidney Prescott de Scream e Laurie Strode de Halloween.                                                                 



"Bela Adormecida"

Honestamente, Carabosse (a fada malvada residente da Bela Adormecida) é uma vilã bastante icônica. Sua música tema é intensa, sua pantomima sinistra é aterrorizante. E o seu pelotão de ratos, então? Poderoso. Mas, afinal, conhecemos o enredo da Bela Adormecida muito bem para achá-lo assustador. Além disso, todo o Ato III é uma festa.

A "Bela Adormecida" de Matthew Bourne

Esta versão é literalmente uma história diferente. Seria justo chamar Matthew Bourne de Tim Burton dos coreógrafos? Achamos que ele aceitaria essa comparação. Afinal, este é o homem que coreografou um balé Edward Mãos de Tesoura.                                              Bourne pega o conto de fadas clássico e salpica alguns vampiros - isso era 2012, afinal, também conhecido como era de pico do Crepúsculo. Também vemos algumas fadas góticas assustadoras e um boneco de bebê Aurora verdadeiramente perturbador. A adaptação de Bourne inclina-se fortemente para os tropos do gênero vampiro, completo com um triângulo amoroso entre o amor de infância de Aurora, Leo, e Caradoc, filho da fada do mal / vampiro Carabosse. Também testemunhamos uma sequência de pesadelo quando uma Aurora sem rosto dança com os vampiros do mal e ... uma cena de clube? As coisas ficam estranhas no Ato II.



"La Sylphide"

Falando de Tim Burton, La Sylphide emite algumas vibrações clássicas de Tim Burton , A noiva cadáver. O balé apresenta um jovem que se apaixona por um espírito encantado chamado sílfide. Bem quando ele está prestes a se casar com sua noiva (humana), a sílfide coloca sua aliança de casamento em seu próprio dedo e o atrai para a floresta. Este balé também apresenta um coven de bruxas, aparições fantasmagóricas e um homem que tem medo de se comprometer. Parece muito assustador para nós.



"Ritual de Primavera"

 A partitura de Igor Stravinsky é intensa o suficiente por si só, mas quando você adiciona a natureza primordial da coreografia e a intensidade que ela constrói, a coisa toda parece um sacrifício pagão vindo do fundo do poço.                                                                           Vaslav Nijinsky foi o coreógrafo de estreia do balé. Por causa da irregular e constante  mudança do pulso da música de Stravinsky, os dançarinos (que costumam contar os passos de dança com os números) logo que se referiam à partitura musical como "uma lição de aritmética". Uma das dançarinas disse que a coreografia moderna era fisicamente não natural e que " Com cada salto que nós aterrissávamos era forte o suficiente para abalar todos os órgãos internos ". Durante a première, quando "a virgem sacrifical" se sacudia no palco durante a sua dança solo, com as mãos presas por suas bochechas, alguém na sacada gritou: "Chame um médico...um dentista... dois médicos!".,


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sexta-feira, 24 de setembro de 2021

O que o mundo da dança pode aprender com Simone Biles e a equipe dos EUA


 


Na final  de ginástica das Olimpiadas Tokyo 2020,  Simone Biles retirou-se do evento olímpico  para se proteger e também aos seus companheiras de equipe. Sua corajosa decisão de priorizar sua saúde foi recebida com apoio esmagador, incluindo a ex-ginasta olímpica dos EUA Kerri Strug, que competiu com lesões graves nos Jogos Olímpicos de 1996 e posteriormente se aposentou aos 18 anos.

Teve também os elogios do ginasta russo Artur Dalaloyan, que no evento por equipes masculinas falou sobre sua cirurgia feita em abril/21, e as dúvidas sobre se ele estava saudável o suficiente para competir.

A maioria de nós, dançarinos, tratamos cada apresentação como se fosse uma Olimpíada. Igual as Olimpíadas, o mundo da dança está preocupada com os valores contraditórios como o autocuidado e do heroísmo do "esforço de equipe".

Nós dançarinos, sabemos  que temos uma carreira fugaz e performática,  e quando prejudicamos o "time" pelo qual pertencemos, muitas vezes já nos substituiu. Tentamos resistir a essa dispensabilidade forçando a dor e os ferimentos sem prejudicar ninguém, a não ser o nos mesmos. Em última análise, o que apenas pensávamos ser impossível torna-se inevitável por nosso próprio fazer. Nós nos aposentamos mais cedo do que deveríamos, e com corpos e espíritos esfacelados.

Mesmo quando somos encorajados verbalmente  a nos  cuidar, a nossa cultura de dança atual espera que atuemos a todo custo. As vezes não se prioriza saúde,  e a companhia nem sempre paga as despesas médicas de um jovem dançarino,  que prefere focar em  não perder temporada. Por termos sido condicionados a uma mentalidade das oportunidades, não ousamos arriscar de perder nossas oportunidades de desempenho ou decepcionar nossos colegas de elenco por causa um dedo do pé que não sentimos mais ou de um tornozelos que sentimos uma dor  insuportável.

Como na ginástica, a dança pode ser perigosa e exige que estejamos no nosso melhor. A ironia de atuar a todo custo é que, quando nos forçamos a atuar enquanto estamos machucados, indispostos, ou não estamos no nosso melhor. 

Vamos ser claros, sempre somos a favor da nossa equipe. A carreira dançarino tem um gigantesco esforço de equipe.  Devemos tudo à colaboração, a ajuda mútua, a gentileza e a generosidade dos outros.

A parte mais importante de um esforço de equipe é apoiar um colega de equipe quando ele está deprimido. O esforço da equipe não deve ser prejudicial à sua saúde (física, mental ou emocional), independentemente de você estar dispensando ou recebendo ajuda. E você nunca deve sentir vergonha por precisar de apoio.

Os dançarinos são adaptados para essa cultura de cuidado em equipe. Construímos nossas carreiras sendo adaptáveis! Nós absolutamente podemos - e devemos - nos adaptar para apoiar o acesso um do outro e as necessidades de saúde, e fazer isso não prejudica nossa arte, mas a eleva. A equipe de ginástica feminina dos EUA apoiou Biles e se adaptou às suas necessidades de saúde, e ganhou medalhas olímpicas no processo.

É verdade que isso foi possível porque Biles defendeu a si mesma e confiou em sua equipe, mas ela também só foi capaz de fazer isso porque, como ela disse na coletiva de imprensa postada no NPR, ela "tinha as pessoas certas ao seu redor para fazer isso." E esta é mais uma lição para o mundo da dança.

O ônus do "autocuidado" costuma ser facilmente transferido para o dançarino individual. No entanto, como nosso campo continua mudando na esteira de 2020 e 2021, as companhias podem cultivar o cuidado da equipe como uma responsabilidade coletiva, em vez de apenas individual.

Os diretores criam uma cultura de empoderamento,  que incentiva os dançarinos a falar, e faz com que se sintam ouvidos e que ajam em seu nome. Biles teve o poder de defender a si mesma porque a equipe construiu uma cultura de confiança e cuidado. Se replicado no mundo da dança, os dividendos potenciais podem se estender além do autocuidado para outras questões de justiça social enfrentadas por nosso campo. Mas se não permitirmos que nossos dançarinos façam o que Biles fez, então nosso amor e louvor por ela soam vazios.

Fonte: dancemagazine.com


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segunda-feira, 20 de setembro de 2021

Aplicativos de contagem de calorias

 





Buscar controle sobre o incontrolável é um mecanismo de enfrentamento comum que todos usamos quando estamos estressados. Para dançarinos, isso pode se manifestar como uma tendência de analisar em excesso as refeições e monitorar obsessivamente a queima de calorias diárias: quando a ansiedade do peso e da imagem corporal espreita ao lado do infeliz incentivo desses comportamentos em nossa cultura, é fácil dizer: "Ei, deixe-me começar a rastrear minhas calorias para ter certeza de que não estou comendo muito. "

Mas contar com aplicativos para monitorar nosso equilíbrio de energia nos afasta ainda mais da construção de autoconfiança e confiança em nossos corpos - dois componentes principais para um desempenho ideal. Então, como você deve pensar em abastecer seu corpo?

1. Você perderá alimentos nutritivos

Apesar da velha mentalidade de que "uma caloria é uma caloria", nem todas as calorias são criadas da mesma forma. O rastreamento de calorias ou pontos pode influenciar na escolha de opções nutritivas, mas com grande densidade calórica, como nozes, homus e guacamole.

Uma ideia melhor: pare de ficar obcecado por números. Em vez disso, considere o equilíbrio e a variedade. Procure uma mistura de alimentos que forneçam grandes quantidades de proteínas, gorduras e carboidratos. Embora a consciência dos nutrientes possa ajudar a fornecer ao seu corpo as ferramentas de que ele precisa para o desempenho, você não precisa controlar cada grama.

2. Seu corpo é mais inteligente do que um aplicativo

Pode ser reconfortante, inicialmente, ter essa validação externa quando você está tentando controlar seus hábitos alimentares. Um aplicativo, no entanto, não pode medir com precisão sua produção de energia (também conhecida como sua queima diária de calorias), o que pode ser complicado por fatores como demandas metabólicas e necessidades de crescimento.

Uma ideia melhor: você é o seu melhor determinante de quanta energia seu corpo precisa para dançar bem. Em vez de tentar microgerenciá-lo, controle os pensamentos que o levam a buscar essa falsa sensação de conforto. O que você realmente precisa para reduzir sua ansiedade subjacente em relação à comida? Pode significar trabalhar com um terapeuta de saúde mental.

3. Você correrá o risco de esgotamento

De acordo com a pesquisa, aqueles que usam contadores de calorias e rastreadores de condicionamento físico têm um nível geral mais alto de preocupação com sua ingestão de alimentos e corpos. O maior escrutínio de seus hábitos geralmente alimenta sentimentos de fracasso e culpa, especialmente quando padrões irrealistas não são atendidos.

Uma ideia melhor: aprender a respeitar os sinais intuitivos de fome, saciedade e satisfação do seu corpo permite que você escolha alimentos que apoiem o seu bem-estar. Considere trabalhar com um profissional de saúde, como um nutricionista que entende de bailarinas , para construir um plano alimentar sustentável.

Uma ideia alternativa:

Se você está nervoso por deixar de lado as dicas externas de alimentação que um aplicativo fornece, considere trocar sua comida atual e / ou monitor de exercícios pelo Registro de Recuperação. O aplicativo permite que você registre sua comida, mas com um novo foco. Em vez de microgerenciar calorias ou macronutrientes, você deve considerar os aspectos da alimentação consciente: sintonizar-se com os sabores, texturas e aromas dos alimentos. Você também aprenderá a associar seus sentimentos atuais a seus hábitos alimentares.


Fonte: dancemagazine.com



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quarta-feira, 15 de setembro de 2021

Ballet tem outras formas corporais.

 




Em uma indústria com expectativas físicas rígidas, Colleen Werner está abrindo um caminho alternativo - uma experiência de dança adulta que celebra a diversidade corporal. Enquanto estudava para se tornar uma conselheira clínica de saúde mental em Nashville, ela simultaneamente dançava com o Black Sheep Ballet, uma companhia virtual que visa levar o balé a públicos mais diversos. Enquanto isso, no Instagram, ela acumulou mais de 65 mil seguidores por meio de suas postagens positivas sobre o corpo e se tornou uma embaixadora da Gaynor Minden e da Discount Dance Supply.

Por que ela que ser terapeuta:

"Comecei a lutar contra a imagem corporal por volta dos 8 anos, comecei a fazer dieta aos 10 e fui diagnosticado com um transtorno alimentar aos 16. Depois que comecei a recuperação aos 19, me tornei  psicóloga e mais tarde percebi que queria criar um programa de transtorno alimentar para bailarinas. Meus objetivos foram ampliados desde então, mas espero trabalhar principalmente com bailarinas. "

"A dança pode ser uma ótima ferramenta para superar a ansiedade e a depressão, mas também pode ser prejudicial, porque não é um espaço que representa diferentes tipos de corpos."

Como ela ganhou seguidores

"A primeira vez que falei publicamente sobre o balé foi no meu Instagram em 2017. Criei a hashtag #BopoBallerina [Body Positive Ballerina] e ela acabou me elevando de 2.000 para 10.000 seguidores em um mês.

"Comecei a postar mais fotos de dança e as pessoas comentavam que gostariam de ter alguém como eu para seguir quando eram jovens. Os pais me contaram que seus filhos não se encaixavam nas normas do balé, mas minhas fotos fizeram com que parecessem eles pertenciam. "

Como é ser uma embaixadora plus size

"Eu sou a primeira dançarina de tamanho grande a ser uma Gaynor Girl. Desde o início, eles foram muito francos, que tinham as sapatilhas de ponta e acessórios para meu treinamento, porém não tinham roupas de dança do meu tamanho. É ótimo estar em uma posição como essa, porque posso falar com eles sobre ter tamanhos diferentes e fazer roupas de dança mais inclusivas. "

Por que ela acredita que mais informação nas escolas pode fazer a diferença

"Muitos professores e empresas não sabem como a linguagem pode ser prejudicial, ou não percebem o valor de falar sobre a anatomia corretamente, por exemplo, dizer a alguém para 'usar seus músculos abdominais' em vez de 'sugar sua barriga', ou usar o palavra 'rotação' (ativo) versus 'participação' (estagnado - você tem ou não). Nunca seremos capazes de eliminar todos os problemas, mas por meio de terapia e educação, podemos fazer a diferença ."

 A trajetória na dança

"Próximo ao final de 2020, o bailarino do New England Ballet Theatre Brian Syms me contatou, pois estava criando uma companhia virtual para bailarinos que foram expulsos do mundo do balé. O Black Sheep Ballet tem bailarinos com experiências variadas e extremamente talentosos, mas que não encontraram seu lugar. Nossa primeira apresentação foi uma arrecadação de fundos pré-gravada em que dancei uma variação de Mother Goose.

"Eu costumava pensar que, se não me profissionalizasse em uma grande companhia de ballet, não teria valor ou não seria digna de dançar, pois isso não é verdade. A dança é apenas uma parte de quem eu sou."

Fonte: www.dancemagazine.com




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quinta-feira, 26 de agosto de 2021

Breakdance nas Olimpíadas 2024



Breakdance (também conhecido como breaking ou b-boying em alguns lugares) é um estilo de dança de rua, parte da cultura do hip hop criada por afro-americanos e latinos na década de 1970 em Nova Iorque, Estados Unidos, normalmente dançada ao som do hip-hop, funk ou breakbeat.

O breakdancer, breaker, b-boy, ou b-girl é o nome dado a pessoa dedicada ao breakdance e que pratica o mesmo. No inicio, o breakdance era utilizado como manifestação popular e alternativa de jovens para não entrar em gangues de rua, que tomavam Nova Iorque em meados da década de 1970. Atualmente, o breakdance é utilizado como meio de recreação ou competição no mundo.


O Comitê Olímpico Internacional (COI) confirmou  a inclusão do breaking (ou breakdance) na Olimpíada de Paris (França), em 2024. A modalidade será disputada pela primeira vez e é uma das quatro adicionais às 28 tradicionais. As outras adicionais três são surfe, skate e escalada, que já integram o programa de Tóquio (Japão) 2021.

"De alguns anos para cá, o breaking vem evoluindo muito. Desde dançarinos que praticam e se dedicam muito até a galera que organiza eventos e workshops, além das empresas que investem. Isso pode melhorar ainda mais, agora, com a entrada nos Jogos", comentou Pelezinho, um dos principais nomes brasileiros da modalidade, em comunicado à imprensa.

"As pessoas que não têm total conhecimento do que é a dança terão acesso a mais informações sobre o estilo e os movimentos. A visibilidade vai agregar em muitas coisas no futuro. O Brasil tem muita chance de medalhas, mas vai depender de como será formado o comitê e o sistema de disputas", completou o b-boy - como são conhecidos os praticantes de breaking.

Fonte: Wikipedia, https://agenciabrasil.ebc.com.br/

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quarta-feira, 18 de agosto de 2021

Envolvimento do músculo sem enrijecer







Quando você pensa em tensão, pode pensar em uma mandíbula cerrada ou na sensação geral de tensão. Como a resposta do corpo aos estressores físicos e psicológicos, os músculos podem permanecer em um estado parcialmente contraído por longos períodos de tempo, geralmente levando a fadiga e desconforto físico mais rápidos.

No entanto, alguma tensão muscular não é apenas necessária, mas é útil. Seja uma escolha coreográfica ou simplesmente o requisito físico para completar um movimento específico, a tensão - se usada corretamente - pode ser sua aliada. O truque está em encontrar o equilíbrio ideal entre o envolvimento muscular adequado e o uso excessivo.

Identifique sua tensão

Saber quando e como cultivar um bom envolvimento muscular e liberar a tensão inútil começa com o reconhecimento de onde você realmente mantém a tensão em seu corpo. A analista de movimento de Nova York, Deborah Vogel, recomenda o uso de um rolo de espuma para avaliar o que é macio. “Quando você tem tensão crônica, seu corpo começa a desligar o feedback neurológico para que você não sinta tanto”, diz ela. "A massagem com rolo de espuma pode abrir sua consciência somática para ver o que está acontecendo."

Depois de entender onde você tende a ficar tenso, priorize a respiração nesses locais e se mova com eficiência. Aproveite o ímpeto quando apropriado e tire momentos de descanso quando puder. "Mesmo que todo o corpo esteja tenso, sempre há momentos para respirar", diz a professora de balé de Nova York e instrutora de Pilates Sharon Milanese. "Explore constantemente como encontrar comprimento, volume e largura no corpo." 

Mova-se com eficiência

Frequentemente, o excesso de tensão assume a forma de musculação por meio de movimentos que não exigem tanto esforço. “Quando falamos de má tensão, estamos falando de muito envolvimento muscular para a tarefa à nossa frente ou algo que está sendo mantido por muito tempo”, diz Vogel.

Vogel usa o exemplo da correção comum "Puxe os joelhos para cima". Isso pode fazer com que os dançarinos se agarrem nos quadríceps continuamente, o que Vogel equivale a fazer uma rosca bíceps e mantê-lo por uma hora. "Eu os incentivo a pensar em empilhar os ossos", diz ela. Essa forma de pensar sobre o alinhamento - a orelha sobre o meio da articulação do ombro, que fica sobre o meio das articulações do quadril, joelho e tornozelo - requer envolvimento muscular mínimo para se sustentar em pé.

Da mesma forma, Milanese instrui os alunos a moverem-se de sua respiração e seus ossos. “Penso na tensão como uma pressão para baixo ou compressão”, diz ela. "Em vez disso, falo sobre expandir o volume do seu corpo."

Contração de equilíbrio e liberação

Encontrar a quantidade apropriada de engajamento muscular para uma ação específica é uma exploração constante do equilíbrio entre a contração e a liberação de grupos musculares recíprocos. É preciso tentativa e erro. “Quando os músculos estão sendo solicitados a fazer algo, eles devem ligar. Quando não, eles devem desligar”, diz Vogel. Trabalhe para envolver os grupos musculares corretos à medida que aprimora sua técnica.

Quando é uma escolha artística

A tensão muscular pode ser uma ferramenta poderosa para a expressão artística. Isso pode se manifestar por meio de gestos, expressão facial, parceria ou qualquer número de tarefas coreográficas. Mas só porque o movimento tem uma estética de tensão pelo drama ou pela pontuação, não significa que você realmente deva manter um excesso de tensão no corpo. Para o professor de dança e especialista em travas Dennis Danehy, o relaxamento é essencial para dar a impressão de que as articulações estão travando no lugar. “Se você ficar tenso, a energia não se moverá”, diz ele. "Você tem que ser capaz de ficar relaxado." Como outros estilos de rua, como voguing e krumping, o locking utiliza breves momentos de quietude para criar uma estética que dá a ilusão de tensão sem qualquer tensionamento desnecessário. "Você deveria ser capaz de dançar a noite toda", diz Danehy.

Abrace os momentos de tensão e saiba quando deixá-los ir. “Se a coreografia pede tensão, há vai haver tendência para um envolvimento muscular intenso em certos lugares ", diz Milanese, aconselhando os dançarinos a tentarem encontrar uma sensação de musculosidade nos braços e pernas enquanto mantêm uma sensação de respiração ao longo da linha média." Nem tudo tem que estar tenso. Tempo."

Fonte https://www.dancemagazine.com

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segunda-feira, 9 de agosto de 2021

Nado Sincronizado já foi chamado Ballet Aquático

 


A origem do nado sincronizado é um pouco incerta, acredita-se que ele tenha surgido de acrobacias simples na água e que com a evolução delas, teria originado o ballet aquático (um pequeno esboço do que hoje é chamado de nado sincronizado) essa modalidade dotada de extrema plasticidade de movimentos foi ganhando espaço, se aperfeiçoando, até se tornar um desporto oficial. O ballet aquático (como era chamado este desporto na época) era visto apenas nos intervalos de competições de natação.

Em 1891, o desporto começou a ser praticado por alemães durante uma disputa desportiva em Berlim.

A primeira vez que se ouviu o nome oficial como sendo nado sincronizado foi em 1933, durante a Feira Mundial de Chicago. Neste evento, após uma apresentação dos alunos de Katherine Curtis, o nadador medalhista de Norman Ross cunhou o termo "natação sincronizada".

Este desporto apareceu nas Olimpíadas pela primeira vez nos Jogos de 1952, sediados em Helsinque, como evento de demonstração (não ocorreram disputas de medalhas até 1968).O nado sincronizado passou a valer pódios na edição de 1984, celebrada em Los Angeles (fato este que ocorreu dois anos após o Comitê Olímpico Internacional ter inserido a modalidade no programa oficial).

Entretanto, foi nos Jogos Pan-Americanos de 1955 (celebrados na Cidade do México) que este desporto apareceu pela primeira vez em escala global. O nado sincronizado fez sua estreia no programa do Mundial de Desportos Aquáticos da FINA na edição de 1973, em Belgrado.

Extra-oficialmente, este desporto é também conhecido como "natação rítmica", "acrobacias aquáticas" e "natação sincronizada".


Prática no Brasil

Como no Brasil o número de atletas não é muito alto, a Confederação Brasileira de Desportos Aquáticos (CBDA) organizou que as atletas de último ano de uma categoria pode "pular" para a outra, possibilitando a atleta mais jovem de competir na categoria acima (propiciando amadurecimento na prática do desporto e confiança nas disputas em competições).



Fonte: Wikipédia


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quinta-feira, 8 de julho de 2021

O que é "sentir o chão", e o que realmente significa para dançarinos de ballet.

Essa matéria é da Pointe Magazine, e achei bem interessante o tema para ter aqui no blog!





“Você está sentindo o chão?” Se você ganhasse dinheiro cada vez que ouvisse um professor dizer isso, você poderia comprar um novo par de sapatilhas de ponta todos os dias para o resto da vida. 

Mas o que realmente significa “sentir o chão” no contexto do balé? Pointe Magazine perguntou aos especialistas  "como você pode sentir o chão", ou seja no palco, na escola, no estúdio ou em casa.

Como em qualquer relacionamento interpessoal, a sua dança interage com o solo, e dependerá da qualidade do solo para dar uma resposta positiva ou negativa.

Como disse Chrissy Ott, da Harlequin Floors, “Harlequin oferece várias opções de sistemas de piso com molas que diferem na construção, cada um criando uma sensação diferente para os dançarinos”. Pode-se esperar que cada superfície de vinil marley em que você dançará durante na sua carreira vai distinguir no amortecimento, durabilidade e "aderência" (tração). Bailarinos clássicos, especialmente as que usam ponta, tendem a preferir superfícies macias com alguma tração.

Isso quer dizer: que se você quiser sentir o chão, mesmo em um estúdio que lhe é familiar, você terá que prestar mais atenção. “Se o estúdio estúdio estiver mais quente, o chão fica mais pegajoso”, diz Jared Redick, reitor interino de dança da Escola de Artes da Universidade da Carolina do Norte em Winston-Salem, Carolina do Norte. “Quando fica mais frio, fica um pouco mais liso.”  No início do seu aquecimento, preste atenção ao nível de aderência e suporte do solo. Dessa forma, você saberá se deve colocar mais ou menos força em suas posturas e poderá avaliar como pode fazer o movimento parecer mais claro ou suave. 

Concentração sensorial

Como as bunheads (pessoa que se dedica ou dedicou a sua vida  ao balé) sabem que ao sentir o chão,  fica muito mais difícil depois calçar as botas. Shaye Firer do American Repertory Ballet em New Brunswick, New Jersey, acha que sentir o chão através das sapatilhas de ponta é realmente mais fácil quando em movimento. “Quando estou na ponta, posso sentir o chão com bastante facilidade através do box da sapatilha”, diz ela. “Quando estou de pé ou fazendo um tendu com a sapatilha de ponta, é muito mais difícil sentir o chão através das solas dos meus pés.” Se você estiver tentando se articular através das sapatilhas e sentir o chão abaixo de você, tente remover parte ou todo o acolchoamento da sapatilha de ponta. Ou siga a sugestão de Redick: dê a si mesmo exercícios extras de articulação dos pés para fazer antes do início da aula de pontas.

Estilo e Suporte

Por que os professores não param de apalpar o chão? Como Redick diz: “Quando julgo competições como o YAGP, posso ver  a diferença entre os dançarinos, os que têm o entendimento de como usar o chão e os que não têm. A falta de integração cinética e coesão realmente lhe dá um pouco de ansiedade - é como se fosse um gato no piso de gelo. ”

A segunda razão pela qual os bailarinos devem se concentrar no chão é simples: segurança. Firer diz que articular cada centímetro do pé no chão e fora dele ajuda a prevenir uma série de problemas, sejam imediatos (torcer o tornozelo) ou crônicos (problemas nos joelhos, tendinite de Aquiles). Sem mencionar que “você ganha mais força nos pés e tornozelos, o que significa que você está menos sujeito a lesões”.

À medida que você aprofunda a sua conexão com o chão, você se tornar mais criterioso sobre a superfície em que está dançando. Como diz Ott, “É um equívoco comum pensar que um piso para esportes atenderá às necessidades dos dançarinos”. Mas os pisos que não são especificamente projetados para a dança tendem a ser mais difíceis e escorregadios.

Como os calçados de dança não oferecem tanto suporte quanto um calçado atlético, os dançarinos precisam de um piso que amortece ativamente, protegendo as articulações e ligamentos. 


Fonte: https://pointemagazine.com


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