Homens nas sapatilhas de pontas.

Dançar nas pontas dos pés faz parte da mística de uma bailarina, mas os bailarinos dedicados à técnica das pontas querem ser levados mais a sério

“Sempre fui atraído por sapatilhas de ponta, eles são mágicos! Eu me perguntei: por que só as meninas podem usá-las? ”Iván Félix é um bailarino mexicano de 24 anos que dança em pontas há três. “Acho que muitas pessoas desprezam os homens que dançam com sapatilhas de ponta porque acham que é muito fácil, ou fazemos isso porque não podemos dançar como um homem da maneira tradicional”, acrescenta Félix, que dança para Les Ballets Eloelle em New York, uma companhia em que todos os papéis, muitas vezes cômicos, são interpretados por homens.

Desde que a arte nas pontas foi popularizada em 1823 por Amalia Brugnoli, se tornou parte da mística da bailarina, enquanto os homens fazem a dança no solo e executam saltos e movimentos atléticos incríveis. Quando os dançarinos do sexo masculino se apresentavam nas pontas no passado era para efeito cômico, não para mostrar habilidade. Por exemplo, os homens que retratam Bottom no "Sonho de uma noite de verão" precisam colocar uma cabeça de burro gigante e dançar com movimentos semelhantes a cascos em sapatilhas de ponta.

Kadeem Hosein, 25, diz: “Estudei balé por cerca de três anos antes de começar na ponta. Eu sabia que isso ajudaria a fortalecer meus pés, gostei de usar sapatilhas pontas, e então me perguntei "por que não?" ” Ele agora mora em Londres e, embora não seja um bailarino profissional, ainda treina na ponta. “Acho que seria interessante ver performances em que os papéis pudessem ser desempenhados tanto por mulheres como por homens”, acrescenta ele, “não pela força, mas pela própria escolha dos dançarinos”.

Rosine Bena-Porter, professora de balé de Nevada, ensina a arte da dança há 50 anos. Ela conta que sua mãe, com quem ela aprendeu a dançar, sempre foi uma instrutora inovadora e começou a ensinar trabalho nas pontas para homens porque “estava cansada de tentar corrigir os dançarinos do sexo masculino em trabalho com a parceira”. Ela esperava que se os homens pudessem entender os movimentos por trás do trabalho nas pontas, eles seriam melhores parceirs, e percebemos que os homens sabiam aproveitar os ensinamentos, embora, reclamassem da dor”. As sapatilhas de ponta podem ser extremamente desgastantes para os pés. Eu mesma dancei na ponta, e reconheço a agonia que os dançarinos disfarçam no palco para fazer seus movimentos que parecerem não fazer esforço.

Hoje, Bena-Porter exige que todos os seus dançarinos aprendam o trabalho de pontas, independentemente do sexo. No entanto, ela exige que seus alunos do sexo masculino estudem por apenas um ano. Depois disso, eles podem continuar sem pontas ou voltar ao trabalho das pontas.

O valor é uma barreira, porque as sapatilhas de ponta se desgastam rapidamente.

O bailarino Brian Syms, dos Estados Unidos, acrescenta: “O dimensionamento tem sido um problema para mim. Comecei a entender que a maneira como um homem que dança na ponta deve cuidar de seus pés difere ligeiramente de uma mulher. O meu peso parece sempre ser um fator para a dor, as minhas sapatilhas se desgastam muito rápido devido a uma mistura de peso e suor. Infelizmente, não existe um manual para os homens que usam pontas, então eu tive que me juntar o que as meninas sabem e descobrir como isso se aplica ao meu tamanho. ”

Syms continua: “Como um negro gay, isso começou a se tornar importante para mim ser representante no balé. Comecei a ter outro anseio, desta vez pelas histórias do balé, que passei a amar muito, para refletir o mundo em que vivemos atualmente. Um belo mundo colorido e cheio de indivíduos complexos. Eu queria ver isso no palco, e tinha que começar comigo. Eu sabia há algum tempo que me sentia melhor representado como pessoa e artista quando dançava esses papéis femininos na privacidade de estúdios vazios ou em meu quarto ”.

Em Oakland, Califórnia, a companhia de dança Ballet22 foi fundada no ano passado para “expandir os limites do que é possível no balé, quebrando estereótipos normativos de gênero, especificamente por meio do uso sem gênero de sapatilhas de ponta”. Quando perguntei ao Royal Ballet se eles estavam pensando em treinar homens na ponta, um porta-voz respondeu que: “A maior parte do repertório não exige que os bailarinos estejam na ponta”. Eles explicaram que “há alguns papéis que exigem isso” e “quando o balé entra na temporada, os dançarinos são treinados para o trabalho nas pontas para o personagem”. Pode demorar um pouco até que a opção se torne comum, mas certamente estamos nos movendo na direção certa. Falando sobre o futuro, Syms me diz: “Espero que o movimento dos homens na ponta nos obrigue a olhar para a representação ... O mundo é muito mais do que papéis de gênero hoje em dia, os indivíduos são tão coloridos e diversos, é uma pena não ver isso no balé ”.

Fonte: https://www.theguardian.com

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Academia de Ballet Bolshoi

Fundada há mais de 245 anos, a Bolshoi Ballet Academy tem uma rica história de treinamento de muitos dos maiores bailarinos, coreógrafos, educadores e acadêmicos do mundo. Seu currículo, baseado no método Vaganova, é respeitado internacionalmente por seu foco na musicalidade, força, pureza da técnica clássica e sua ênfase no progresso individual. Os ex-alunos da Academia incluem alguns dos dançarinos mais talentosos do século 20, incluindo Maya Plisetskaya, Vladimir Vasiliev, Ekaterina Maximova, às estrelas da geração atual, incluindo Vladimir Malakhov, Natalia Osipova, Alexei Ratmansky, Polina Semionova, Maria Kochetkova e muitos outros. Até hoje, a Academia e seus graduados continuam a receber as maiores honras e aclamações no mundo da dança internacional.

 A história da Academia de Balé Bolshoi remonta a 1773, quando as artes plásticas, incluindo a dança, foram adicionadas ao currículo da Casa dos Enjeitados de Moscou, fundada em 1763 pela Ordem da Imperatriz Catarina II da Rússia.

Filippo Beccari, um instrutor italiano, foi convidado pela primeira vez para ensinar a arte da dança a 26 meninas e 28 meninos. Com  aulas de quatro horas que eram ministradas quatro vezes por semana. Os talentosos órfãos russos rapidamente dominaram as sutilezas da arte estrangeira da dança e seis anos depois Leopold Paradis, outro estrangeiro famoso, formou seu primeiro grupo de graduados, seus alunos se juntaram à Petrovsky Theatre Company (hoje Bolshoi). A dança folclórica ou de personagens sempre foi tida em alta conta pela escola de Moscou; os estudos foram exaustivos e os dançarinos de personagens sempre foram procurados no Bolshoi. Houve também um rápido desenvolvimento no balé clássico. Foi a interpretação russa de La Sylphide que muitas testemunhas oculares deram preferência, vendo-a como a que representa a alma do balé russo.

No final da década de 1880, após a aprovação de um novo Estatuto pelo qual a Escola Imperial de Ballet de Moscou foi rebatizada de Escola de Ballet de Moscou, Jose Mendez começou a treinar seus alunos, incluindo Ekaterina Geltser, a futura primeira bailarina, nas novidades da virtuosa escola italiana. Ele nutriu técnicas de pirueta e dedão forte, bem como equilíbrio e senso de presença de palco, enquanto mantinha cuidadosamente a musicalidade geral da apresentação pela qual a escola de Moscou sempre foi famosa. 

Na década de 1930, as famosas figuras do mundo do balé de Petersburgo juntaram-se ao corpo docente da Escola: Elizaveta Gerdt, Aleksandr Chekrygin, Viktor Semyonov e Mariya Kozhukhova se mudaram para Moscou, onde seus esforços ajudaram a criar prematuramente uma galáxia de grandes bailarinas e excelentes dançarinos mais masculinos. Mais tarde, Marina Semyonova trabalhou na Escola. 

Em 1933, Olga Lepeshinskaya, a virtuose brilhante, se formou na Escola. Durante a Segunda Guerra Mundial, a Escola produziu duas estrelas graduadas: Maya Plisetskaya (1943) e Raisa Struchkova (1944). E no final dos anos 50 e início dos 60, as formandas da Moscow Ballet School, Ekaterina Maximova (1958) e Natalia Bessmertnova (1961), começaram suas carreiras. 

Em 1960 - 2001, Sophia Golovkina dirigiu e gerenciou a Escola de Ballet de Moscou. Desde 2002, a Academia de Ballet Bolshoi tem sido habilmente dirigida pela ex-principal performer do Bolshoi, Marina Leonova (Reitora, Artista Popular da Rússia, Professora). 

Existem artistas de balé mundialmente famosos entre os graduados da Academia de Balé Bolshoi: V. Malakhov, A. Uvarov, N. Tsiskaridze, S. Lunkina, N. Osipova.

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RAD - Royal Academy of Dance

 

A RAD começou em 1920 em Londres como Associação de Professores de Dança Operatic na Grã-Bretanha.

A RAD nasceu de um encontro de importantes profissionais da dança organizado por Philip Richardson, ex-editor do Dancing Times. Com Adeline Genée escolhida entre seus pares como sua primeira presidente, a Associação lançou seu primeiro currículo no mesmo ano e realizou seus primeiros exames em 1921.

Em 1928 a Rainha Mary se tornou a primeira patrona da Associação, e em 1936 ela se tornou a Royal Academy of Dancing (RAD), após receber sua Carta Real do Rei George V. No ano seguinte, a RAD foi premiada com seu brasão pelo College of Arms.

A  RAD é uma banca examinadora especializada em educação e treinamento em dança, com ênfase em balé clássico. A Rainha Elizabeth II é a sua atual patrona,  e Darcey Bussell foi eleito presidente em 2012, sucedendo Antoinette Sibley, que foi presidente por 21 anos.

 A RAD foi criada com o objetivo de melhorar o padrão de ensino do balé no Reino Unido e, na prossecução desse objetivo, um novo método de ensino e técnica de dança foi concebido para a Academia por um grupo de eminentes bailarinos europeus. A RAD é uma das maiores organizações de dança do mundo, com mais de 14.000 membros em 79 países, incluindo cerca de 7.500 que possuem status de professores registrados. Existem atualmente cerca de 1.000 alunos em programas de treinamento de professores em tempo integral ou parcial com a RAD, e a cada ano cerca de 250.000 candidatos entram nos exames da RAD em todo o mundo.  

Os exames RAD são reconhecidos pelos reguladores de qualificações nacionais de todos os países do Reino Unido (Inglaterra, Escócia, País de Gales e Irlanda do Norte), com exames selecionados também carregando as UCAS para admissão na universidade. A RAD é também uma entidade adjudicante validada do Council for Dance Education and Training. A RAD trabalha em parceria com a International Dance Teachers 'Association. 

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Principais marcas de sapatilhas de ponta

Oi Gente

O  post de hoje  e para falar  das sapatilhas de ponta e as marcas mais utilizadas pelos bailarinos profissionais e amadores.

Toe Box: o "copo" que engloba os dedos dos pés até a bola da sola do pé
Elastic - Elástico: da segurança aos pés do dançarino.
Plataform - Plataforma: o fundo da caixa onde ficam os dedos do pé em que o dançarino fica na ponta.
Ribbon - Fitas: material  feito de cetim que mantém a sapatilha mais segura no pé do dançarino.
Shank - Arco do pé: a palmilha rígida que fornece suporte sob o arco.
Garganta: a abertura do sapato.
Vamp - Gaspéa: a seção do sapato que cobre o topo dos dedos dos pés.

De que são feitos os sapatos de ponta?
Em calçados tradicionais, a caixa do dedo do pé é feita de camadas bem embaladas de papel, papelão, serapilheira e / ou tecido mantidos juntos por cola. O material é comprimido em um gabinete (caixa de dedo) que envolve os dedos dos dançarinos para que seu peso repousa na plataforma. A haste é geralmente feita de papelão, couro ou uma combinação. O material externo é um pano macio chamado cetim de espartilho. Os materiais e os métodos de construção não mudaram muito nos últimos 100 anos.

Os sapatos Gaynor Minden são diferentes do resto. Os sapatos Gaynor Minden possuem materiais elastoméricos (material que é capaz de retomar a forma original quando uma força de deformação é removida) para as suas canas e caixas em vez dos materiais tradicionais de papelão e papel, mantidos juntos pela cola.

Quais são as principais marcas de sapatilhas de ponta?
Um ótimo site Pointeshoebrands tem uma lista de cerca de 85 marcas de calçados de ponta em todo o mundo e tem links para sites da empresa. No entanto, o mercado é dominado pelas empresas de calçados listadas abaixo. Eu não tenho informações de compartilhamento de mercado, mas a maioria dos dançarinos que você vê no palco usam uma das marcas abaixo.

Por que os dançarinos usam uma determinada marca? Em algumas companhias de balé, a preponderância de dançarinas usar uma marca em particular. A maioria das dançarinas de balé NYCB e Miami City usam Freed of London enquanto dançarinas no Australian Ballet usam sapatos Bloch. Em outras empresas como a ABT, as preferências do dançarino abrangem a lista de empresas abaixo. Em empresas sem afiliações com empresas de calçados, os dançarinos provavelmente selecionam sapatos com base em recomendações de dançarinos, avaliando dançar endossos em publicidade e na tentativa de erro de acerto, num esforço para encontrar o sapato perfeito.

Bloch
Bloch é uma empresa australiana fundada em 1932 por Jacob Bloch, um sapateiro que imigrou para a Austrália da Europa Oriental em 1931. Jacob amava música e dança; Percebendo uma jovem que lutava para ficar na ponta dopé, ele prometeu a ela que faria o  melhor par de sapatos de ponta. Ele começou a fazer sapatos em 1932 em Paddington, Sydney e sua reputação de sapatos de alta qualidade cresceu, já que muitas empresas de balé visitaram a Austrália durante a década de 1930, particularmente as empresas russas. Hoje, a Bloch está sediada em Sydney, Austrália, com um escritório europeu em Londres.

Capezio
Salvatore Capezio abriu sua loja perto da antiga Metropolitan Opera House, em Nova York, em 1887. Ele tinha apenas 17 anos de idade e seu negócio original era consertar sapatos de teatro para o Metropolitan Opera. No final da década de 1890, ele voltou sua atenção para fazer sapatilhas de ponta. Sua reputação cresceu; Anna Pavlova adquiriu sapatilhas de ponta para si e para toda a sua companhia em 1910, ajudando os negócios da Salvatore. Seu sucesso se espalhou e, na década de 1930, suas sapatilhas foram usadas ​​em muitos musicais da Broadway e no Ziegfeld Follies.

Freed of London
Frederick Freed fundou a empresa em 1929; Antes de iniciar sua empresa, Freed e sua esposa faziam sapatos de balé em Gamba. Depois de iniciar o Freed, eles trabalharam  num porão na seção de Covent Garden em Londres, o mesmo local onde a loja principal da marca se encontra agora. Hoje, Freed of London é uma empresa irmã da empresa japonesa Dancewear Chacott; Ambas as empresas são de propriedade da empresa de vestuário japonês Onward Holdings. Freed of  Lodon vende em mais de 50 mercados internacionais através de parceiros de negócios e distribuidores diretos.

Gaynor Minden
Eliza e John Minden abriram sua primeira loja na seção Chelsea de Manhattan em 1993. Eliza é a Diretora de Design da Gaynor Minden, tendo passado quase uma década pesquisando, desenvolvendo e testando uma centenas de protótipo de sapatilha. Uma ex-dançarina amadora testemunhou a introdução de materiais de alta tecnologia de equipamentos atléticos e acreditava que as sapatilhas de ponta também poderiam ser melhorados com o uso de materiais modernos. Gaynor Minden usa elastômeros para suas patas e caixas em vez de colar e usar papelão em sapatos tradicionais.

Grishko
Nikolay Grishko, um empresário com paixão pelo balé, fundou Grishko em 1988, pouco depois que o presidente Mikhail Gorbachev promoveu o desenvolvimento da empresa privada na URSS. Na época, as sapatilhas russas feitas à mão não estavam disponíveis para os dançarinos fora da Rússia. Nikolay capitalizou a demanda por sapatilhas russas para criar um negócio global na fabricação e a distribuição de sapatilhas de ponta e outros equipamentos de balé. Em 1989, a empresa apresentou as sapatilhas Grishko ao mercado de balé dos EUA.

Sansha
Franck Raoul-Duval, um francês de 25 anos de idade, com paixão pela dança e pela história russa, fundou a Sanscha em 1982. Desenvolveu um novo tipo de sapatilha de balé, o sistema "Point System" com uma haste removível no solado possibilitando a mundança da dureza para flexível. 
Sansha agora fabrica uma variedade de sapatos de dança de balé, jazz, hip-hop ao flamenco e salão de baile para tocar.

Fonte http://balletfocus.com/pointe-shoes-part/

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A relação entre a ginástica rítmica e ballet

                                                                   Sapatilha de GR

A ginástica rítmica tem ganhado cada vez mais espaço como opção de atividade física. Nas Olimpíadas do Rio de Janeiro, as ginastas russas encantaram o mundo inteiro com as suas apresentações.

Embora seja um esporte de muita técnica, a ginástica rítmica também possui um lado artístico, caracterizado pela graciosidade e leveza dos movimentos. A origem desse lado se dá pela inter-relação com outra manifestação artística: o ballet.

A relação do ballet com a ginástica rítmica existe desde a criação do esporte e tem se intensificado cada vez mais. Hoje, os primeiros passos para as ginastas desta modalidade passam pelo ballet.

A dança ajuda a ginasta a desenvolver o seu corpo na postura e nas posições corretas, principalmente nos membros que são a base para os movimentos da ginástica rítmica. Mas até onde vai a influência do ballet?  Aqui tem alguns tópicos para mostrar onde há a relação entre o esporte e a dança. Confira!

Desenvolvimento de técnica e movimentos

O ballet é fundamental para o desenvolvimento técnico, tático e físico da ginasta. Não é à toa que a dança é um dos primeiros passos para quem quer seguir na ginástica. Além de trabalhar a flexibilidade das ginastas, as técnicas do ballet são a base da modalidade rítmica.

Muitos dos movimentos do esporte são semelhantes ou até mesmo idênticos aos da dança. Com a prática do ballet, a ginasta terá maior facilidade para aprender e executar os movimentos que são base para a ginástica rítmica e outros movimentos mais complexos.

O ballet também é essencial para garantir a graciosidade da ginástica rítmica. Embora muitos movimentos exijam maior esforço das atletas pela sua complexidade, a ginasta deve realizá-los de forma leve e sutil, sem demonstrar este esforço.

Expressão corporal

Não é só de técnica que é feita a ginástica rítmica. Como dissemos, o ballet está presente no lado artístico dessa modalidade. A dança possui três elementos inter-relacionados: técnica, música e atuação.

Uma apresentação de ginástica rítmica consiste na execução de movimentos técnicos em harmonia com o ritmo de uma música. Nesse cenário, a beleza do esporte está no expressionismo da ginasta, por meio da dança e dos passos do ballet enquanto executa os movimentos técnicos.

Portanto, a expressão corporal e facial é de extrema importância, pois assim o lado artístico da ginástica rítmica é evidenciado.

Respiração

Outro elemento que demonstra a relação entre o ballet e a ginástica rítmica é a respiração. Embora muitas vezes não seja notada pelos espectadores, a respiração correta é um dos elementos mais importantes para uma rotina de dança ou de ginástica.

A forma ideal de respiração na prática esportiva é a respiração diafragmática, pois possibilita maior oxigenação no cérebro. Tanto no ballet quanto na ginástica, é importante dominar a respiração desta forma, para que ela seja natural e não interfira na concentração.

Em ambos os casos, prender a respiração é algo proibido, pois além de aumentar a tensão, a falta de oxigênio reduz a flexibilidade e a leveza na execução dos movimentos. A respiração é um excelente exercício para o sistema cardiovascular e respiratório. Porém, os benefícios destas duas atividades não param por aí.

Para a realização de todos os movimentos corretamente, a prática da dança e do esporte trabalha todo o corpo, desde os músculos de membros superiores aos membros inferiores, garantindo uma melhor postura, flexibilidade e equilíbrio corporal. Além da sensação de rejuvenescimento, os benefícios do ballet e da ginástica rítmica podem ser sentidos para o resto da vida, prevenindo doenças como a cardiopatia e proporcionando um melhor condicionamento físico.

Fonte: http://www.paixaopeladanca.com.br

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7 Diferenças entre Ballet e Dança Chinesa Clássica

No Ocidente nós  conhecemos o balé e as  performances como o Nutcracker ou Swan Lake. Mas há outra forma de dança clássica com uma longa história que só recentemente irrompeu na cena mundial. Chama-se dança clássica chinesa.

A dança clássica chinesa é uma forma de dança incrivelmente exigente, refinada e expressiva. Ao lado do balé, é também um dos sistemas de dança mais abrangentes conhecidos da humanidade.

Até alguns anos atrás, poucas pessoas fora da China já ouviram falar da dança chinesa clássica. Um dos principais motivos é que, quando as empresas chinesas se apresentaram no exterior, muitas vezes misturavam dança chinesa com balé, dança contemporânea, moderno e jazz, então o público deixa o teatro sem saber exatamente o que acabaram de ver.

Em 2006,  Shen Yun Performing Arts foi estabelecido em Nova York,  e a sua missão como fundadora foi reviver a cultura tradicional, e isso incluiu a apresentação da dança chinesa clássica em sua forma mais pura. Uma década depois, a dança chinesa clássica  se tornou um nome conhecido e teve uma tremenda influência sobre outras formas de arte.

Qual a diferença, então, entre o balé e a dança chinesa clássica? Ambos podem ser incrivelmente bonitos. Ambos são muito atléticos e exigem anos de trabalho árduo disciplinado. E, no entanto, a sensação de que você observa essas duas formas de dança é marcadamente distinta. Para realmente experimentar isso, você deve assistir a uma performance de dança chinesa clássica.

Seguem as 7  diferenças básicas:

Primeira Diferença: História
O balé tem uma história de várias centenas de anos. A sua história remonta ao renascimento italiano no século XV. A forma de arte foi sistematizada pelo rei Louis XIV cerca de cem anos depois.

A dança clássica chinesa está enraizada em cinco milênios da civilização chinesa. Suas origens remontam a danças em antigos palácios imperiais e tradições populares que foram transmitidas pelas gerações. Alguns elementos foram preservados até hoje em artes marciais, mas mais sobre isso em um momento.

Segunda Diferença: Treinamento
Tanto o balé como a dança chinesa clássica têm sistemas de treinamento muito sistemáticos, mas suas abordagens são diferentes. Os muitos métodos de treinamento do Ballet geralmente começam com o trabalho dos pés e fortalecimento das pernas e os músculos do core. O treinamento avançado para incluir o trabalho nas mãos, ponta e técnicas de alto nível do balé.

O treinamento de dança clássica chinesa inclui três componentes principais: habilidade técnica, forma e rolamento. As técnicas de alto nível da dança chinesa clássica também são incrivelmente exigentes e incluem muitos movimentos não presentes no balé (mais sobre isso abaixo).

A "Form" é um sistema de numerosos movimentos e posturas claramente chinesas. Mas talvez a parte mais importante do treinamento seja de "apoio", ou em Chinese-yun (o mesmo Yun em Shen Yun). Yun é o sentimento interior por trás de um movimento. Está profundamente ligado à respiração do dançarino e ao estado de espírito, e reflete unicamente a personalidade de um artista.

Terceira diferença: Física
A nível profissional, os bailarinos de dança de balé e clássicos são incrivelmente aptos, magros e têm flexibilidade aparentemente desumana e controle muscular. Mas os dois estilos de treinamento também levam a diferenças físicas dos dançarinos.

Simplificando, ballet e dança chinesa clássica usam músculos de forma diferente. Ballet baseia-se na anatomia humana existente para desenvolver os músculos de uma nova maneira específica para as necessidades do balé.

A dança clássica chinesa, no entanto, usa os mesmos músculos que usamos diariamente e não exige que eles sejam especificamente desenvolvidos. Os músculos que um dançarino usa ao andar, correr ou jogar basquete são os mesmos músculos utilizados na dança chinesa clássica.

Então, se você ver uma dançarina chinesa clássica caminhando pela rua, você pode notar apenas uma pessoa apta com uma ótima postura e uma marcha suave e graciosa.

Quarta diferença: técnicas
O balé moderno incorporou técnicas de diferentes formas de arte, incluindo a dança chinesa clássica. Mas ao comparar o ballet tradicional e a dança chinesa clássica, uma das coisas que a platéia geralmente observa é o alcance e o grau de dificuldade das técnicas clássicas da dança chinesa.

As rotações, por exemplo, são realizadas de forma diferente. No balé, eles são realizados verticalmente, com o corpo em um eixo perfeitamente perpendicular. Na dança chinesa clássica, essas técnicas são realizadas com a parte superior do corpo inclinada para a frente, inclinando-se para cima ou torcendo para trás e, como resultado, as rotações podem ocorrer em vários planos. Dançarinos clássicos chineses podem até girar com uma perna elevada acima de suas cabeças.

Outro exemplo são os flips (fanteng) da dança chinesa clássica, que não existem no balé. Nas apresentações de Shen Yun, essas voltas geralmente atraem suspiros da platéia.

As pessoas às vezes chamam erroneamente esses movimentos "acrobacias" ou "ginástica", mas na verdade é que é o contrário. Esses flips difíceis realmente se originaram da dança chinesa clássica e têm uma história de milhares de anos.

Algumas décadas atrás, as ginastas chinesas começaram a emprestar esses movimentos da dança clássica chinesa e os apresentaram nas Olimpíadas. Foi assim que a maioria das pessoas no Ocidente aprendeu sobre elas, e é por isso que não é conhecido de onde elas realmente vieram

Quinta diferença: conexão às artes marciais
 A dança clássica chinesa tem um relacionamento especial com artes marciais que não existe no balé. A dança clássica chinesa e as artes marciais chinesas podem ser ditas como irmãos com talentos semelhantes que escolheram caminhos diferentes.

Na China antiga, durante as grandes festas no palácio imperial, os generais se apresentariam frente ao imperador. Os mesmos movimentos de artes marciais que eles usam no campo de batalha tornaram-se uma forma de arte, dança.

O movimento de evitar uma lança, por exemplo, tornou-se parte da dança como um backflip; Defender um ataque simultâneo de todos os lados tornou-se na dança um sao tang, ou "varrendo a rotação do salão".

Não foi assim que evoluiu para o outro. Em vez disso, a mesma técnica usada para combater é artes marciais e usada civilmente é dança. A língua chinesa ainda tem uma pista sobre isso: o wu em wu shu (artes marciais) e o wu in wu dao (dança) são escritos de forma diferente, mas pronunciados exatamente o mesmo.

Sexta Diferença: Influência Cultural
O Ballet, do Oeste, e a dança chinesa clássica, do Oriente, são fundadas em heranças culturais distintas. Essa diferença é intangível, mas talvez um exemplo possa ajudar a ilustrar isso.

Na cultura ocidental, quando você se aproxima de alguém com quem deseja falar, você geralmente caminhou até essa pessoa em linha reta. Na cultura oriental tradicional, você abordaria essa pessoa de forma indireta, através de uma trajetória circular.

Esta diferença pode ser vista em como o ballet enfatiza movimento linear, distinto e dança chinesa clássica enfatiza movimentos que são redondos e contínuos, sem pausas. O balé também tem movimentos e posturas perfeitamente redondos, mas na circularidade clássica da dança chinesa é um atributo básico que permeia todos os movimentos.

O "círculo da figura oito" (ba zi yuan), por exemplo, é um movimento que se assemelha a uma fita de arco. Para avançar, o movimento começa para trás, e para ir para a esquerda, ele fica bem primeiro, formando uma figura oito. Este movimento pode ser um pequeno gesto de mão ou uma grande rotação aberta de todo o corpo, adicionando camadas de complexidade até mesmo os movimentos minúsculos da dança chinesa clássica.

Sétima diferença: Ladies 'Footwork
Uma diferença final que é imediatamente fácil de detectar é a forma como as dançarinas femininas se movem através do palco. No balé, o movimento é freqüentemente na ponta, com uma perna perfeitamente reta estendendo todo o caminho até as pontas dos dedos dos pés. Às vezes, um bailarino de sexo feminino também se moverá em grandes passos dramáticos que enfatizam a abertura.

Na dança chinesa clássica, a menos que estejam executando uma técnica, as dançarinas se movem com um mini-passo rápido para o calcanhar. Parece que elas não estão caminhando tanto quanto estão deslizando pelo palco. O movimento é tão rápido e suave que faz com que os dançarinos parecem estar flutuando em uma nuvem.

Tesouro universal
Uma dança é mais conhecida que a outra, apesar de ser muito antiga. Apesar de suas diferenças,  tanto o balé quanto a dança chinesa clássica têm a capacidade de contar histórias vividamente e nos mover através de sua arte bonita.

Aqui estão alguns recursos para conhecer a dança chinesa clássica. Não há nada, no entanto, como experimentá-lo ao vivo.

fonte: https://www.shenyun.com

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Cinco dicas para melhorar sua apresentação no espetáculo quando há cenas de luta.

Em alguns espetáculos o combate intenso é uma etapa crucial, desde as lutas de espadas em Romeu e Julieta até os ganchos de esquerda do musical Rockway da Broadway. Mas para desempenhá-los bem requer uma consciência cuidadosa do corpo, confiança e um compromisso total com a segurança. Abaixo seguem algumas dicas de especialistas que podem ajudá-lo a tornar suas cenas de luta mais convincentes, atraentes e seguras.

1. Porque fazer Curso Básico....
Quando Luke Ingham foi representar o Tybalt no Romeu & Julieta do Ballet de San Francisco, ele passou um mês inteiro praticando as posições básicas do corpo para a esgrima, o footwork e o impulso. "Você precisa realmente saber  onde estão seus os pés e deixá-los firmes, ", diz Ingham.

Quando ele conseguiu assimilar os fundamentos da esgrima, ele começou a ensaiar a coreografia do segundo ato onde acontece uma luta espada. "Por causa do tempo que nós tivemos para aperfeiçoar os movimentos, e quão confiante ficamos com a coreografia, isso nos permiti a expressar livremente nossos personagens sem nos preocupar com 'O que vou fazendo agora?' "diz Ingham.

2. Conseguir fazer close up

O combate do corpo-a-corpo,  um empurrão,ou como puxar os cabelos como acontece no espetáculo da  Cinderela - onde uma das meia-irmãs puxa o cabelo dela. É mais seguro e mais crível para os dançarinos fiquem há uma distância de um metro um do outro, em vez de ter os braços retos e os cotovelos bloqueados.

"Você precisa estar tão perto do seu parceiro quanto possível, de modo que você possa comunicar de forma não verbal o que você precisa", explica Jared Kirby, um coordenador de luta baseado em Nova York, que treinou pessoas para fazerem acrobacias na TV e atores de Shakespeare que recentemente ajudaram os coreógrafos Rick e Jeff Kuperman a se prepararem para a produção de The Count of Monte Cristo. "A vítima está sempre no controle. E o público obtém essa incrível e visceral experiência, porque quanto mais perto estiver, mais realista parece", diz ele.

3. Conheça seu alvo

Ingham passou horas ensaiando com o ex-diretor SFB Pascal Molat, que retratou seu oponente, Mercutio. "É importante manter essa continuidade com o mesmo parceiro", diz ele, para que você possa dominar o tempo, o impulso e a posição de cada movimento. "Algumas pessoas são baixas, outras são altas. E você precisa ter uma compreensão precisa de que ponto no corpo você está apontando". As espadas e as facas prontas para o palco são falsas, porém não são inofensivas, e  se acidentalmente você for atingido "não será agradável".

4. Combater de forma cooperativa

Mesmo quando os personagens são inimigos jurados, os dançarinos que os retratam precisam ser parceiros harmoniosos. "O trabalho de luta é 100% de energia cooperativa para mostrar conflito", diz Kirby. Lembre-se de que o seu trabalho mais importante é proteger uns aos outros. "Se vocês dois abraçam isso, vocês trabalharão juntos para promover a coreografia para o próximo nível", diz ele.

5. Converse

Se um coreógrafo ou um diretor de luta pede que você faça algo que não seja seguro. "É uma posição muito infeliz, mas acontece", diz Favia.  ela nunca pede aos dançarinos para tentar truques perigosos apenas fazer alguma coisa que de  efeito. "Se estiver coreografado corretamente, a mensagem sempre será retratada, mesmo sendo em uma versão" segura ", diz ela.

Se você não pode resolver a situação no ensaio, vá para o diretor, o proprietário do estúdio ou o representante do grupo. "Você precisa confiar em seus instintos e se expressar", diz Kirby. "Uma comunicação respeitosa é a chave".

Fonte: http://www.dancemagazine.com

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Sapatilhas de ponta: eles vão doer sempre que eu usar?

Você aguardou por muito tempo e, fez a quantidade de aulas necessária, trabalhou muito duro na sua técnica de balé e finalmente foi aprovada pelo seu professor para usar a sapatilha de ponta. Parabéns! Você pode até sonhar em ser a primeira bailarina,  vestindo suas lindas sapatilhas de ponta de cetim com elegância e beleza. Mas então ... aí. Embora a emoção de ter seu primeiro par de sapatilhas de ponta, e é nesse momento que você descobre que elas não são as coisas mais confortáveis que você já colocou nos seus pés. Mas, as sapatilhas de ponta sempre doem? A dança na sapatilha de ponta pode ser feita dor?
Aqui seguem algumas dicas de Mary Carpenter de Nova York, ela é especialista de sapatilhas de ponta, para falar sobre se a dor da sapatilha é normal, se é gerencíavel e como você pode superar a transição desconfortável.

"Estou com medo de começar a ponta porque vai doer!"

Alguns jovens dançarinos podem ter medo de começar o trabalho de ponta porque temem a "dor" que pode vir quando usar a sapatilha de ponta. Carpenter assegura, no entanto, que se você tem um core (lombar, glúteo e abdômen) bem alinhado, uma boa higiene dos pés, treinamento adequado e correspondente ao seu nível e as habilidades necessárias para entrar em ponta, então a "dor", ou "desconforto", serão  gerenciáveis.

"Eu sempre sentirei dor, toda vez que eu for dançar? Por quanto tempo será doloroso? "
A dor inicial pode ser controlada, dançar com sapatilha de ponta não é tão confortável como os chinelos da sua casa.
"Não há nada parecido com a dor das sapatilhas de ponta", diz Carpenter. "Os seres humanos não nasceram para a ponta, e eles não saem do útero com os quadris obtidos 180 graus. Você tem que aceitar que isso é uma coisa incomum para o corpo humano empreender, como andar na corda bamba, patinação no gelo e etc. Dito isto, quanto mais forte você ter o core,  pernas,  pés e na técnica geral, será mais fácil para o seu corpo ajustar as demandas dessa rotação externa,  com essa linha vertical sobre os dedos dos pés  (na ponta) ".

"Como posso tornar a ponta menos dolorosa?"

Claro, o pointework pode ser desconfortável. Afinal, apontou Carpenter, o próprio balé é uma coisa incomum para o corpo experimentar. "O balé é uma coisa incomum, pense por um momento: você  coloca todo o seu peso nos dedos dos seus pés em um sapato duro projetado para suportar todo o seu corpo alinhado sobre uma pequena área de superfície".

Mas se você mudar sua perspectiva, isso pode ajudar. Em vez de se concentrar na dor ou em ter medo de dançar na ponta, tente saborear no sentido da realização de que finalmente obteve suas sapatilha de ponta! Um pensamento positivo pode ajudar o seu o corpo.

Há outras coisas que você pode fazer também. Carpenter encoraja aos dançarinos a ouvir seus professores. Tire nota e tente aplicar todas as correções que seus professores lhe dão em todas as suas aulas. Tome a iniciativa e faça exercícios extras para fortalecer seu core - abdômen, lombar, glúteos, cintura escapular. (Pergunte aos seus professores se você precisa de mais alguns exercícios.) Trabalhe duro nas suas aulas de técnica de balé, com foco em uma alta demi-pointe e a articulation tendus.

E, claro, certifique-se que suas sapatilhas de ponta sejam feita por um profissional; não escolha apenas um par na prateleira. "Certifique-se de que suas sapatilhas de ponta se encaixem muito bem nos seus pés, e que também não sejam tão apertados que seus metatarsais sejam esmagados", avisa Carpenter. 

Uma dica é ter um podólogo e um ortopedista, se houver algum problema de desalinhamento com seus tornozelos e pés. Carpenter diz: "O médico pode dar-lhe exercícios de terapia, técnicas  e dicas com cuidados com os pés. Por exemplo, se você  tiver pés chatos, pergunte ao médico se há um método de massagem ou alguns exercícios que você pode fazer para ajudar você".

"Como eu cuido dos meus pés?"

A higiene adequada dos pés certamente pode ajudar com o desconforto que as sapatilhas de ponta podem trazer. Carpenter pede aos dançarinos que não deixem que as unhas dos pés sejam muito longas e também não as cortem demais. Além disso, você pode querer evitar pedicures, que cavam as cutículas e eliminam calos, e você sabe que eles protegem os seus pés contra a infecções, explica Carpenter.

"Comece imediatamente a ter rotina nos cuidados com os pés", acrescenta. "Sempre tenha o que eu chamo de" spray de ballet mágico "na sua bolsa de dança. Pegue uma pequena garrafa de spritzer, encha-a com ¾ de álcool, ¼ de água e algumas gotas de qualquer óleo essencial que você gosta. Eu gosto de lavanda, então é o que eu uso, mas você também pode usar o óleo chá verde, limão, sálvia, ou qualquer outro. Pulverize seus pés depois de terminar de dançar durante o dia. O spray mata odores, se livra das bactérias (pé de atleta), deixa a  pele dos pés secos, assim,  ajudando a desenvolver calos, além disso é barato de fazer. Uma dica: não pulverize diretamente sobre uma ferida aberta. Use uma pedra-pomes em seus calos após um banho, mas não tente se livrar deles completamente. Você precisa que sua pele se endureça para proteger da sapatilha ".

Além disso, Carpenter diz: deixe suas suas sapatilhas de ponta secar depois de cada classe ou ensaio. E lave sempre os pés depois da aula! Não só eles cheiram, mas muitas vezes podem ser o lar de bactérias que podem causar infecções nos pés ou nas unhas.

"E se ainda for doloroso, mesmo depois de seguir todas essas dicas?"

O desconforto pode vir  na dança usando a ponta, mas se for uma dor intensa, isso pode significar que algo está errado,  diz Carpenter.

"Consulte o seu professor, um profissional que fabrica as sapatilhas ou um podólogo, e seja específico sobre o que você está sentindo", encoraja Carpenter. "Se você disser a um profissional que dói, isso não é útil. Seja pró-ativo, tente melhorar sua técnica, troque a ponteira, troque a marca da sapatilha de ponta. A fita adesiva ou a fita de esportes funcionam melhor para você? Você realmente precisa de uma palmilha de gel?  Por que você está tentando usar a mesma modelo sapatilha da sua amiga quando ela tem pés completamente diferentes? Você está realmente fazendo todos os dias seus exercícios com a TheraBand, que aumenta lentamente o seu demi-pointe, ou você está apenas olhando as fotos do Instagram de outras bailarinas que estão na ponta, e esperando fazer a mesma coisa um dia? Você deve ser a única a fazer que isso aconteça, ninguém pode fazer isso por você. Professores, profissionais que fabricam as sapatilhas, terapeutas e médicos podem orientá-lo, mas é você que tem que trabalhar duro. Sua recompensa é saber que você fez isso sozinho, se superando constantemente!"

Fonte: http://dancemagazine.com.au

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