sábado, 12 de junho de 2021

Balé no Brasil



A primeira-bailarina do Municipal do Rio, Madeleine Rosay, ilustrando propaganda em 1942.

 

Acredita-se que o primeiro balé feito no Brasil foi dirigido por Lacombe e apresentado no Real Teatro de São João, Rio de Janeiro, em 1813. Um século depois, a atuação da companhia de Diaghilev (com Nijinski, Massine, Tamara Karsavina e Lidia Lepokova), no Teatro Municipal do Rio de Janeiro, seguida da visita da Companhia de Ana Pavlova, deu início a um permanente interesse pelo balé no Brasil.

A escola de dança do Teatro Municipal foi fundada em 1927 por Maria Oleneva, e ali se formaram Madeleine Rosay, Leda Yuqui, Berta Rosanova, Carlos Leite, Marília Gremo e outros.[1] Foram criados outros corpos de baile por Vaslav Veltcheck em São Paulo, onde avultam os nomes dos bailarinos Alexander Yolas, Juliana Yanakieva e Yuco Lindberg; por Aurélio Milloss, denominado balé do IV Centenário, com Raul Severo, Edith Pudelko e Addy Ador; por Carlos Leite e Sansão Castelo Branco, denominado Balé da Juventude, em que surgem Tamara Capeller e Ilma Lemos Cunha; e por Tatiana Leskova, Nina Verchinina, Dalal Achcar, com o Balé do Rio de Janeiro.

Entre os bailarinos brasileiros da modernidade, cumpre citar Davi Dupré, Aldo Lotufo, Marcia Haydée, Marcos Veniciu, Beatriz Consuelo, Sandra Dicken, Dennis Gray, Alice Colino, Ana Botafogo, e Noêmia Wainer. Quantos aos compositores que contribuíram com partituras originais, temos Villa-Lobos, Lorenzo Fernande, Luís Cosme, Alberto Nepomuceno, Heckel Tavares, Cláudio Santoro.

Na cenografia, destacam-se os nomes de Di Cavalcanti, Burle Marx, Nilson Penna, Belá Paes Leme, Darci Penteado e Fernando Pamplona. Outros autores, e até poetas,(- parei aqui) como Manuel Bandeira e Vinicius de Moraes, apesar de não serem associados ao balé, em determinado momento contribuíram com libretos em português. As obras mais estimadas do balé brasileiro são UirapuruZuimaalútiO GaratujaO Descobrimento do BrasilMaracatu de Chico Rei e Salamanca do Jarau.


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segunda-feira, 7 de junho de 2021

Cirque du Soleil Entertainment Group anuncia a volta aos palcos


Montreal, 21 de Abril de 2.021

 Cirque du Soleil Entertainment Group ("Cirque du Soleil"), produtora e líder mundial de entretenimento ao vivo, marca um momento importante na história.

O sol do Cirque du Soleil está nascendo e a empresa orgulhosamente anuncia a reabertura de quatro de seus shows mais icônicos, depois de ficar fechado por mais de um ano devido à pandemia. “O” no Bellagio e Mystère na Ilha do Tesouro vai reabrir no verão Norte Americano,  em Las Vegas. E também haverá shows itinerantes, KOOZA será apresentado em Punta Cana, República Dominicana, a partir de novembro de 2021, enquanto LUZIA será reaberta no Royal Albert Hall de Londres em janeiro de 2022. Além disso, o show afiliado do Grupo Blue Man Group retornará ao Luxor Hotel and Casino em Las Vegas.




“Este é o momento que todos esperávamos”, disse Daniel Lamarre, presidente e CEO do Cirque du Soleil Entertainment Group. “Quase 400 dias se passaram desde que tivemos que fazer um hiato temporário, e estávamos aguardando ansiosamente nosso retorno aos palcos. Estou muito orgulhoso da resiliência de nossos artistas e funcionários que perseveraram durante os momentos mais desafiadores com palcos escuros ao redor do mundo por tanto tempo. Mal posso esperar para ver as luzes se acenderem. ”

O intervalo acabou!

O Cirque du Soleil trouxe admiração e alegria a mais de 365 milhões de espectadores em mais de 90 países desde seu início em 1984. Hoje, o Cirque du Soleil surge para continuar sua missão de cultivar a criatividade e compartilhar a esperança e a alegria que o entretenimento ao vivo traz.

Mystère retornará ao seu palco na Ilha do Tesouro em 28 de junho de 2021, e “O” marcará sua primeira apresentação em 1º de julho de 2021. Os ingressos estão disponíveis a partir das 12:00 h PT de hoje.

LUZIA retornará com um noivado no Royal Albert Hall em Londres a partir de 12 de janeiro de 2022, enquanto KOOZA será apresentado sob o icônico Big Top em Punta Cana, República Dominicana a partir de 25 de novembro.


Também retornando a Las Vegas está o Blue Man Group com apresentações a partir de 24 de junho de 2021. Os ingressos estarão à venda em 29 de abril.


Os ingressos podem ser comprados online em:

www.cirquedusoleil.com/o

www.cirquedusoleil.com/mystere

www.blueman.com/las-vegas/buy-tickets


Além disso, o Cirque du Soleil Events and Experiences, o fornecedor internacional de soluções de conteúdo artístico e criativo totalmente integrado da empresa está aumentando suas operações. Por quase 20 anos, o Cirque du Soleil Events + Experiences criou e produziu projetos únicos para alguns dos eventos mais prestigiosos do mundo, com clientes nos setores público e privado em todo o mundo.

"Este é apenas o começo e estamos ansiosos para compartilhar mais notícias empolgantes nas próximas semanas ”, acrescentou Daniel Lamarre.

Para obter mais informações sobre os horários atuais dos shows, informações sobre ingressos, bem como nossas medidas de saúde e segurança, visite cirquedusoleil.com. Junte-se ao Cirque Club em cirqueclub.com para receber acesso antecipado aos melhores lugares, promoções de parceiros e informações privilegiadas sobre o mundo do Cirque du Soleil. Para obter informações sobre o Blue Man Group, visite blueman.com.

O Cirque du Soleil gostaria de enviar um agradecimento especial aos seus parceiros Air Canada, Mastercard, Realtor.com, SAP e Sun Life Global Investments por seu apoio contínuo e por ajudar a modelar um presente inspirador e um futuro ainda mais brilhante juntos.


Sobre o Cirque du Soleil Entertainment Group

O Cirque du Soleil Entertainment Group é líder mundial em entretenimento ao vivo. Além de produzir shows de artes circenses de renome mundial, a organização canadense traz sua abordagem criativa para uma grande variedade de formas de entretenimento, como produções multimídia, experiências imersivas, parques temáticos e eventos especiais. Indo além de suas várias criações, o Cirque du Soleil Entertainment Group tem como objetivo causar um impacto positivo nas pessoas, comunidades e no planeta com suas ferramentas mais importantes: criatividade e arte. Para obter mais informações sobre o Cirque du Soleil Entertainment Group, visite CDSentertainmentgroup.com.



Fonte: Caroline Couillard -Chefe global de Relações Públicas, Relações Públicas e CSR

Grupo de entretenimento do Cirque du Soleil

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segunda-feira, 31 de maio de 2021

Usando a física para explicar "posicionamento centrado" e como isso pode afetar sua longevidade na dança


Será que a ciência da dança pode ajudar a prolongar sua carreira artística?

E se dissessem a você que algumas mudanças no seu alinhamento e, especificamente, um uso mais direcionado dos isquiotibiais, poderia fazer uma grande diferença? E que essa mudança pode fortalecer sua dança e impactar na longevidade. 

Os músculos estão mais disponíveis para serem solicitados para disparar a energia e  conservar a mesma  ao executar o movimento (assim a resistência é aumentada) e a consistência nos equilíbrios, voltas, saltos e linhas podem ser alcançada mais facilmente.

Com o físico da dança Dr. Kenneth Laws o trabalho foi focado principalmente no alinhamento e colocação do peso. Usando uma barra eletrônica (que usa o peso da mão para medir várias forças), descobrimos que a distribuição uniforme do peso sobre um eixo vertical (a perna de apoio) resultou em um centro mais estável, o que se traduziu em dançarinos com maior liberdade de movimento. O alinhamento partindo desse posicionamento centralizado significava que o corpo geralmente era unido por músculos opostos.

Depois de 25 anos usando o estúdio de balé como um laboratório, testando e apurando o conceito de "posicionamento centralizado" que não era uma ideia,  no entanto, a combinação da ciência com o balé dá ao conceito uma nova vida e significado, e é a base desse alinhamento. 

Mas qual  exatamente o significado do "posicionamento centralizado"?

Quando se usa a palavra "centrado", quer dizer estar verticalmente próximo a um eixo centralizado (seja em um ou dois pés), o que implica trabalhar com a gravidade. Lembre-se de que a força da gravidade puxa o corpo verticalmente em direção à terra; se o peso estiver centralizado, haverá menos pressão sobre os ossos e músculos.

Primeiro,  como ? Basicamente, é um processo de duas etapas. Lembre-se de que queremos atingir a verticalidade com todo o corpo.

Imagine-se na quinta posição de frente para o espelho, as pernas estão em linhas diagonais e a força da gravidade passa por uma linha reta vertical imaginária que passa pelo centro do corpo, da cabeça aos pés.

Da quinta posição, faça um battement tendu à la seconde. Tendo em mente que a gravidade corre verticalmente para baixo.

Como fazemos isso com a perna de apoio?

Simplificando, a fim de criar equilíbrio e estabilização, você deve deslocar seu peso para o meio do pé de apoio (onde o tornozelo e o pé se encontram), em oposição à planta do pé. Ao fazer isso, você naturalmente ativa seus tendões e adutores, e os quadríceps não precisam fazer todo o trabalho para evitar que o corpo tombe. A sensação é de que o peso está no calcanhar.

O corpo funciona com mais eficiência quando mais próximo de um esqueleto anatômico neutro (vertical). Ficar em pé sobre uma perna diagonal com todo o peso no ante pé não garante isso. Quando os músculos estão mais próximos de sua posição de repouso, eles são muito mais capazes de se contrair. Na diagonal, os isquiotibiais são alongados, o joelho é empurrado para trás e os músculos de desvio não estão sendo usados ​​ao máximo.








Centralização da frente para trás

O posicionamento centralizado é bidimensional. Você acabou de experimentar o deslocamento de seu peso lateralmente da quinta posição para uma postura mais vertical de uma perna diagonal. Essa é a etapa um, centralização lado a lado. A etapa dois envolve a centralização da frente para trás, vista de uma perspectiva de perfil.

Ao passar da quinta posição para uma perna, seu peso não só precisa se deslocar para os lados, mas também para cima e para frente. Isso significa que você realmente precisa usar os isquiotibiais (parte posterior das pernas), adutores (músculos da parte interna da coxa, para estabilizar) e músculos de desvio (rotadores externos). Os quadríceps (músculos da frente da coxa) devem ser contraídos para levantar a rótula. A cintura escapular fica diretamente sobre a cintura pélvica.

Volte para a sua quinta posição, desta vez se vendo de perfil. Ambos os quadris devem estar perpendiculares à barra. As nádegas não são dobradas para baixo, o que mantém a curva lombar natural.

Coloque o corpo em uma quinta posição, "parecendo" que o peso do corpo está localizado no centro. Minha aposta é que a perna de trás está suportando uma boa porcentagem do peso. Faça um tendu lateral: o peso na perna de apoio provavelmente se desloca para trás, o joelho é travado para trás, a pelve e a parte superior do corpo inclinam-se para a frente e os quadríceps se unem para manter o equilíbrio.

A solução: para começar, desloque seu peso para a frente na quinta posição para que ambas as pernas possam virar para fora. As nádegas da parte de trás parecerão uniformes e a parte interna do quadril não será empurrada para trás.

Estendendo a perna para a frente, para o lado ou para trás, os isquiotibiais precisam trabalhar com os rotadores para manter o peso "para cima e para frente" enquanto se deslocam lateralmente em direção a meia ponta.  Dessa forma, a perna de apoio não se torce, protegendo joelhos, quadris e tornozelos. A verticalidade é mantida!



A obtenção desse alinhamento centralizado promove o uso eficiente dos músculos, traduzindo-se em um equilíbrio, rotação externa, rotação e salto mais bem-sucedidos. E o grande bônus é que reduzirá o risco de lesões e promoverá a longevidade da dança nos próximos anos.


Fonte: https://www.pointemagazine.com


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quinta-feira, 27 de maio de 2021

História da Dança




A dança é uma das três principais artes cênicas da antiguidade, ao lado do teatro e da música. No antigo Egito já se realizavam as chamadas danças astro-teológicas em homenagem a Osíris. Na Grécia, a dança era frequentemente vinculada aos jogos, em especial aos olímpicos. A dança caracteriza-se pelo uso do corpo seguindo movimentos previamente estabelecidos (coreografia) ou improvisados (dança livre). Na maior parte dos casos, a dança, com passos ritmados ao som e compasso de música e envolve a expressão de sentimentos potenciados por ela.

A dança pode existir como manifestação artística ou como forma de divertimento ou cerimonia. Atualmente, a dança manifesta-se nas ruas, em eventos como videoclipe ou em qualquer outro ambiente em que for contextualizado o propósito artístico.

No dia 29 de abril comemora-se o Dia Internacional da Dança.

O surgimento da dança, se deu ainda na Pré-História, quando os homens batiam os pés no chão e com o passar do tempo, foram dando mais intensidade aos sons, descobrindo que seriam capazes de criar outros ritmos, conciliando os passos com as mãos, através das palmas.

A história da dança cênica representa uma mudança de significação dos propósitos artísticos através do tempo.

Com o Balé Clássico, as narrativas e ambientes ilusórios é que guiavam a cena. Com as transformações sociais da época moderna, começou-se a questionar certos virtuosismos presentes no balé e começaram a aparecer diferentes movimentos de Dança Moderna. É importante notar que nesse momento, o contexto social inferia muito nas realizações artísticas, fazendo com que então a Dança Moderna Americana acabasse por se tornar bem diferente da Dança Moderna Europeia, mesmo que tendo alguns elementos em comum.

A dança contemporânea como nova manifestação artística, sofrendo influências tanto de todos os movimentos passados, como das novas possibilidades tecnológicas (vídeo, instalações). Foi essa também muito influenciada pelas novas condições sociais - individualismo crescente, urbanização, propagação e importâncias da mídia, fazendo surgir novas propostas de arte, provocando também fusões com outras áreas artísticas como o teatro por exemplo.



Dança e Saúde

Dançar pode auxiliar no tratamento de doenças como diabetes, síndrome do pânico, transtorno bipolar, depressão. A dança pode ser considerada um remédio que melhora a saúde física e mental.


Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Dan%C3%A7a


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terça-feira, 18 de maio de 2021

Teatro La Scala Ballet

 

A Companhia de ballet do Teatro alla Scala tem um passado glorioso que remonta aos séculos anteriores à inauguração em 1778 do teatro musical mais famoso do mundo, que ainda é sua casa hoje. Mesmo antes da fundação da Academia Real Imperial de Ballet do Scala em 1813, coreógrafos eminentes como Gasparo Angiolini e Salvatore Viganò tiveram grande influência no ballet europeu. Em seguida, o ilustre professor e teórico, Carlo Blasis, introduziu o ballet no ambiente romântico, contribuindo assim para a inovação técnica de seu estilo. Enrico Cecchetti levou o estilo italiano de ensino de técnica acadêmica para a Rússia, de onde evoluiu ao redor do mundo graças aos Ballets Russes de Sergei Diaghilev, ao qual ingressou antes de encerrar sua carreira no La Scala.

E assim, a companhia de ballet La Scala entrou no século XX, graças também a notáveis ​​coreógrafos da companhia de Diaghilev, como Mikhail Fokin e Léonide Massine. Novos nomes chegaram dos mundos da dança livre e expressionista da Europa Central, nomes como Aurel Milloss, a quem Arturo Toscanini encarregou-se de reconstruir a Companhia após a Segunda Guerra Mundial. Para seu repertório, Milloss convidou grandes músicos e consagrados cenógrafos e pintores, além de ilustres convidados como George Balanchine. Nas décadas de 1950 e 1960, o La Scala tornou-se um palco aberto às estrelas do mundo do balé. Os coreógrafos Roland Petit e Maurice Béjart estrearam em 1963 e 1971 respectivamente, enquanto os étoiles incluíam Carla Fracci, Liliana Cosi, Luciana Savignano, Paolo Bortoluzzi. As participações especiais foram feitas por Margot Fonteyn e Yvette Chauviré, bem como Rudolf Nureyev, que se tornou estreitamente associado ao La Scala a partir de 1965, assim como Alessandra Ferri nos anos 1990.

Mais recentemente, a Ballet Company of La Scala ganhou visibilidade internacional, apresentando-se na Opéra de Paris, nos Estados Unidos, no Bolshoi em Moscou e no Teatro Mariinsky-Kirov em São Petersburgo, na Alemanha, Turquia, Brasil, Espanha, México e China. O apelo expressivo e técnico é garantido por nomes de três estrelas: Svetlana Zakharova, Roberto Bolle e Massimo Murru. Mas até mesmo alguns jovens bailarinos principais, solistas e membros do corpo de ballet foram incluídos em papéis principais, inicialmente pela amada Elisabetta Terabust, ex-diretora do La Scala (de 1993 a 1997, e novamente em 2007-2008) que faleceu recentemente, e depois por Makhar Vaziev (de 2009 a 2015), que também optou por convidados internacionalmente muito procurados. Na convicção de que, sobretudo, uma companhia deve primar pelo rigor e pela versatilidade, grandes maestros foram chamados ao pódio para o ballet, mais um atrativo do Teatro e central na vida musical internacional. O italiano Mauro Bigonzetti alternou com Vaziev, ainda que por apenas uma temporada. A partir de outubro de 2016, a direção da Companhia de Ballet voltou a ser confiada a Frédéric Olivieri, anteriormente diretor entre 2002 e 2007. Com energia renovada, ampliou a hierarquia e, hoje, entre os principais bailarinos encontram-se Nicoletta Manni, Claudio Coviello, Virna Toppi, Martina Arduino e Timofej Andrijashenko, enquanto alguns dos solistas incluem nomes como Massimo Garon, Marco Agostino, Vittoria Valerio, Federico Fresi, Alessandra Vassallo, Christian Fagetti, Nicola Del Freo e Maria Celeste Losa. Das fileiras do corpo de balé, estão surgindo jovens dançarinos, treinados na Escola de Balé, que é a - mas não só - principal fonte de novos membros da Companhia, enquanto também entradas de destaque são frequentemente reservadas para "dançarinos adicionais". Olivieri está trabalhando para complementar o repertório acadêmico com criações dedicadas à Companhia de Ballet de La Scala: de fato, uma grande Companhia se distingue pelo cuidado e atenção que dedica aos seus jovens talentos e por sua capacidade de se projetar para o ballet que reflete nossos tempos .

Fonte: https://www.teatroallascala.org/en/la-scala/theatre/ballet-company/history.html

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quarta-feira, 12 de maio de 2021

American Ballet Theatre





O American Ballet Theatre é considerado uma das maiores companhias de dança do mundo, reverenciado como um tesouro nacional vivo desde sua fundação em 1939. Poucas companhias de balé rivalizam com a ABT em tamanho, escopo e alcance. Embora localizada na cidade de Nova York, a ABT apresenta-se para 300.000 pessoas anualmente - e é a única grande instituição cultural a fazê-lo. A empresa fez mais de 30 turnês internacionais em 45 países para compartilhar o balé americano com o mundo, e em muitos desses compromissos a ABT recebeu patrocínio do Departamento de Estado do Governo dos Estados Unidos.

No outono de 1939, a ABT foi lançada com a missão de desenvolver um repertório dos melhores balés do passado e criar novas obras de talentosos coreógrafos, onde quer que estivessem. Sob a direção de Lucia Chase e Oliver Smith (1945 - 1980), a companhia mais do que cumpriu essa missão. 

Talvez sem igual na história do balé, o repertório do ABT inclui clássicos completos do século XIX: Lago dos Cisnes, A Bela Adormecida e Giselle; as melhores obras do início do século XX: Apollo, Les Sylphides, Jardin aux Lilas e Rodeo; e aclamadas obras-primas contemporâneas, incluindo Airs, Push Comes to Shove e Duets. Ao longo da curadoria desse repertório requintado, a ABT encomendou obras de gênios coreográficos do século XX: George Balanchine, Antony Tudor, Jerome Robbins, Agnes de Mille e Twyla Tharp, entre outros.

Mikhail Baryshnikov tornou-se Diretor Artístico do American Ballet Theatre em 1980, sucedendo Lucia Chase e Oliver Smith. Sob sua liderança, inúmeros balés clássicos foram encenados, refeitos e remodelados e a ABT fortaleceu e refinou a tradição clássica. Em 1990, Jane Hermann e Oliver Smith sucederam Baryshnikov e estabeleceram uma agenda dedicada a manter as grandes tradições do passado enquanto perseguia agressivamente um futuro vital e inovador. 

Em outubro de 1992, o ex-dançarino principal do American Ballet Theatre Kevin McKenzie foi nomeado Diretor Artístico e atua como tal hoje. McKenzie, firme em sua visão da ABT como “americana”, está empenhado em manter o vasto repertório da Companhia e levar a arte da dança teatral aos grandes palcos do mundo. Ao cumprir essa missão, a empresa teve compromissos de sucesso em Abu Dhabi, Brisbane, Havana, Hong Kong, Paris, Cingapura e Pequim.

Em 27 de abril de 2006, por um ato do Congresso, o American Ballet Theatre foi designada America’s National Ballet Company®.


https://www.abt.org/the-company/about/#history


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sábado, 8 de maio de 2021

Opera Nacional de Paris


Foi em 1713 que Luís XIV (Patrono) promulgou o decreto criando oficialmente o "Conservatoire de danse", reservado aos dançarinos da Real Academia de Música. Esta estrutura institucionaliza a existência de cursos para profissionais, comparáveis ​​aos hoje usufruídos pelo corpo de ballet porque, inicialmente, os cursos não se destinavam as crianças, mesmo que alguns dos filhos ou filhas de artistas tivessem um lugar.

Em 1780 aconteceu o primeiro regulamento que atestou uma escola inteiramente devotada a eles, confirmando o uso que surgira com o tempo e que se tornara necessário esclarecer os pontos essenciais: cursos gratuitos como o de Luís XIV eram necessário ser feita uma seleção para o ingresso, honorários e salários, o enquadramento profissional para aprendizagem.

 Da Revolução à Terceira República

Em 1784, um segundo decreto de Luís XVI prolongou a duração das aulas e criou uma classe específica para crianças menores de 12 anos. Na verdade, é preferível recrutar alunos muito jovens, desprovidos de qualquer formação e, por conseguinte, de qualquer defeito a corrigir. Posteriormente, a Revolução e o Império não questionaram a escola e refinaram seu funcionamento por meio de uma série de regulamentações sucessivas. Em particular, por uma questão de imparcialidade e para evitar possíveis proteções, um júri é formado a partir da tropa, soberana durante o exame da passagem de uma classe para outra, bem como para o compromisso dentro do grupo. 'Ópera.

A educação, então, ocorre em três etapas, uma classe elementar até os treze anos, a classe alta até os dezesseis anos, então, para alguns, a "classe particular a ser aperfeiçoada", prenunciando o "Aula de aperfeiçoamento" que Marie Taglioni conseguirá criar na Terceira República. Os alunos não podem permanecer na classe superior por mais de um ano, e não mais do que dois na classe "particular" antes de sua estreia. Não devem permanecer na escola além dos dezoito anos, quando devem iniciar sua carreira o mais tardar; podem ser excluídos, sendo os professores obrigados a usar esta medida para "manter (entre os alunos) mais zelo e emulação", dois dos valores caros a Napoleão. Pelas mesmas razões, introduzimos também os rankings, ainda em vigor até hoje, bem como o limite de idade da Premier League, ainda fixado em dezoito, e as bancas examinadoras.


Personalidades incomuns

Embora essa escola tenha sido um modelo para a Europa, no final do período romântico, ela definhou. Se ela sobrevive, é graças a personalidades de fé inabalável, Marie Taglioni, Sra. Dominique, Rosita Mauri, Carlotta Zambelli e Albert Aveline entre outras. Geração após geração, apesar do descuido das sucessivas direções da Ópera, apesar do abandono financeiro do poder público, todos buscarão preservar a alma deste estilo, que remonta à fundação da Real Academia de Dança por Luís XIV em 1661.

Inicialmente localizada na rue Saint-Nicaise, depois no Palais Garnier, a Escola agora está localizada em Nanterre.

Esta mudança tornou-se necessária quando a duração da escolaridade obrigatória foi fixada em 16 anos, mudando implicitamente os "ratinhos" do estatuto de aprendiz para o de aluno. A partir da década de 1960, começamos a pensar nas soluções necessárias. Sob a direção de Claude Bessy, em 1987, a Escola assumiu o prédio Christian de Portzamparc, onde crianças, como todas as de sua geração, puderam cursar o bacharelado paralelamente à formação profissional.



Escola hoje

A Hoje Escola de Dança nasceu com Claude Bessy, director de 1972 a 2004, que lhe deu autonomia pedagógica com a sua instalação em Nanterre. Enquanto mantinha o que havia construído, combinando tradição talentosa e visão para o futuro, Elisabeth Platel acrescentou sua marca, enfatizando o virtuosismo estilístico. A Escola deve recrutar artistas com habilidades físicas excepcionais, tentando respirar a vida comum e preservar as individualidades. Em 2004, foi realizado acompanhamento médico específico garantindo a preparação física e o futuro dos futuros bailarinos. Por mais de 300 anos, a formação artística na Ópera favoreceu a transmissão direta do mestre para os alunos, da Escola Francesa de Dança, e garantindo a longevidade do Ballet. A Escola - que há pouco se chamava Escola de Ópera de Ballet - está intimamente ligada a ela não só por sua própria estrutura, mas também por sua programação. Ao mesmo tempo, a Escola de Ballet da Ópera de Paris deve cumprir as exigências do Ministério da Educação Nacional e os vínculos com a equipe de educação geral, hospedada na própria Escola desde 1987, têm sido fortalecidos por meio de projetos educacionais conjuntos entre a formação artística e intelectual . No final dos estudos na Escola, os alunos possuem o Diploma Nacional Superior Profissional de Dançarino e muitos obtêm o bacharelado em literatura.


https://www.operadeparis.fr/artistes/ecole-de-danse/histoire

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