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segunda-feira, 3 de janeiro de 2022

Homens nas sapatilhas de pontas.




Dançar nas pontas dos pés faz parte da mística de uma bailarina, mas os bailarinos dedicados à técnica das pontas querem ser levados mais a sério

“Sempre fui atraído por sapatilhas de ponta, eles são mágicos! Eu me perguntei: por que só as meninas podem usá-las? ”Iván Félix é um bailarino mexicano de 24 anos que dança em pontas há três. “Acho que muitas pessoas desprezam os homens que dançam com sapatilhas de ponta porque acham que é muito fácil, ou fazemos isso porque não podemos dançar como um homem da maneira tradicional”, acrescenta Félix, que dança para Les Ballets Eloelle em New York, uma companhia em que todos os papéis, muitas vezes cômicos, são interpretados por homens.

Desde que a arte nas pontas foi popularizada em 1823 por Amalia Brugnoli, se tornou parte da mística da bailarina, enquanto os homens fazem a dança no solo e executam saltos e movimentos atléticos incríveis. Quando os dançarinos do sexo masculino se apresentavam nas pontas no passado era para efeito cômico, não para mostrar habilidade. Por exemplo, os homens que retratam Bottom no "Sonho de uma noite de verão" precisam colocar uma cabeça de burro gigante e dançar com movimentos semelhantes a cascos em sapatilhas de ponta.

Kadeem Hosein, 25, diz: “Estudei balé por cerca de três anos antes de começar na ponta. Eu sabia que isso ajudaria a fortalecer meus pés, gostei de usar sapatilhas pontas, e então me perguntei "por que não?" ” Ele agora mora em Londres e, embora não seja um bailarino profissional, ainda treina na ponta. “Acho que seria interessante ver performances em que os papéis pudessem ser desempenhados tanto por mulheres como por homens”, acrescenta ele, “não pela força, mas pela própria escolha dos dançarinos”.

Rosine Bena-Porter, professora de balé de Nevada, ensina a arte da dança há 50 anos. Ela conta que sua mãe, com quem ela aprendeu a dançar, sempre foi uma instrutora inovadora e começou a ensinar trabalho nas pontas para homens porque “estava cansada de tentar corrigir os dançarinos do sexo masculino em trabalho com a parceira”. Ela esperava que se os homens pudessem entender os movimentos por trás do trabalho nas pontas, eles seriam melhores parceirs, e percebemos que os homens sabiam aproveitar os ensinamentos, embora, reclamassem da dor”. As sapatilhas de ponta podem ser extremamente desgastantes para os pés. Eu mesma dancei na ponta, e reconheço a agonia que os dançarinos disfarçam no palco para fazer seus movimentos que parecerem não fazer esforço.
Hoje, Bena-Porter exige que todos os seus dançarinos aprendam o trabalho de pontas, independentemente do sexo. No entanto, ela exige que seus alunos do sexo masculino estudem por apenas um ano. Depois disso, eles podem continuar sem pontas ou voltar ao trabalho das pontas.

O valor é uma barreira, porque as sapatilhas de ponta se desgastam rapidamente.
O bailarino Brian Syms, dos Estados Unidos, acrescenta: “O dimensionamento tem sido um problema para mim. Comecei a entender que a maneira como um homem que dança na ponta deve cuidar de seus pés difere ligeiramente de uma mulher. O meu peso parece sempre ser um fator para a dor, as minhas sapatilhas se desgastam muito rápido devido a uma mistura de peso e suor. Infelizmente, não existe um manual para os homens que usam pontas, então eu tive que me juntar o que as meninas sabem e descobrir como isso se aplica ao meu tamanho. ”

Syms continua: “Como um negro gay, isso começou a se tornar importante para mim ser representante no balé. Comecei a ter outro anseio, desta vez pelas histórias do balé, que passei a amar muito, para refletir o mundo em que vivemos atualmente. Um belo mundo colorido e cheio de indivíduos complexos. Eu queria ver isso no palco, e tinha que começar comigo. Eu sabia há algum tempo que me sentia melhor representado como pessoa e artista quando dançava esses papéis femininos na privacidade de estúdios vazios ou em meu quarto ”.

Em Oakland, Califórnia, a companhia de dança Ballet22 foi fundada no ano passado para “expandir os limites do que é possível no balé, quebrando estereótipos normativos de gênero, especificamente por meio do uso sem gênero de sapatilhas de ponta”. Quando perguntei ao Royal Ballet se eles estavam pensando em treinar homens na ponta, um porta-voz respondeu que: “A maior parte do repertório não exige que os bailarinos estejam na ponta”. Eles explicaram que “há alguns papéis que exigem isso” e “quando o balé entra na temporada, os dançarinos são treinados para o trabalho nas pontas para o personagem”. Pode demorar um pouco até que a opção se torne comum, mas certamente estamos nos movendo na direção certa. Falando sobre o futuro, Syms me diz: “Espero que o movimento dos homens na ponta nos obrigue a olhar para a representação ... O mundo é muito mais do que papéis de gênero hoje em dia, os indivíduos são tão coloridos e diversos, é uma pena não ver isso no balé ”.


Fonte: https://www.theguardian.com


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quarta-feira, 24 de novembro de 2021

Beba água !



Como bailarina, você sabe que deve beber muita água, mas sabe por quê?  A água mantém quase todos  os sistemas do corpo em funcionamento. E se eles não estiverem funcionando corretamente, sua dança pode ser prejudicada.

O corpo usa água para ajudá-lo a regular sua temperatura central por meio da transpiração. Quando você está repetindo variações consecutivas no ensaio, a água evita que você aqueça demais. O suor é uma coisa boa.

Quer uma battements tendus melhor? Todas as articulações, incluindo quadris, joelhos e tornozelos, precisam de água para se manterem lubrificadas. Beba água para usar toda a sua amplitude no movimento.

Sem fôlego? O sangue - que é cerca de 80% de água - transporta oxigênio e nutrientes vitais através do sistema circulatório até as células. Além disso, a água umedece o ar que você respira.

Se você estiver desidratado, seu equilíbrio provavelmente será prejudicado. Isso ocorre porque o ouvido interno precisa manter um equilíbrio de fluidos para funcionar corretamente.

Sentindo-se dolorido? A desidratação pode ser a culpada. Beber água suficiente pode reduzir a dor muscular e acelerar o tempo de recuperação.

Sem água suficiente, a dieta saudável de uma bailarina seria em vão. H2O ajuda a dissolver os minerais dos alimentos para que o corpo possa usá-los

Vencer o calor

Se você está dançando em altas temperaturas, como em um festival de verão ao ar livre, um estúdio sem ar-condicionado ou sob as luzes de palco escaldantes, é ainda mais importante conseguir água suficiente, já que aumenta o risco de desidratação e doenças causadas pelo calor. Não espere até sentir sede para beber líquidos - isso é um sinal de que você já pode estar desidratado. Cãibras musculares, tontura, temperatura corporal elevada, náuseas, pele pegajosa e sede extrema são sintomas de doenças causadas pelo calor - uma série de condições que vão desde erupções de calor, causadas por suor excessivo, até ataques de calor com risco de vida. Se você estiver experimentando esses sintomas, a Força-Tarefa de Saúde do Dançarino da Dance / EUA recomenda a aplicação de uma bolsa de gelo na axila e na virilha para resfriar a temperatura corporal do corpo.

Para se manter hidratado, limpar o organismo e evitar complicações de saúde, não basta beber água apenas quando temos sede e compensar tomando grandes quantidades, pois isso pode sobrecarregar o corpo. "A água deve ser ingerida, principalmente no verão, de 2 em 2 horas, no mínimo 2 litros por dia.

 E no dia da apresentação?

Bom, é claro que as refei­ções deve­rão ser ajus­ta­das de acordo com os horá­rios das apre­sen­ta­ções, porém, é impor­tante sem­pre levar em con­si­de­ra­ção as carac­te­rís­ti­cas gas­trin­tes­ti­nais de cada  bai­la­rino, lem­brando que o indi­ví­duo deve estar acos­tu­mado a se ali­men­tar daquela forma durante o período de trei­na­mento, evi­tando tes­tar ali­men­tos e suple­men­tos novos nos dias de apresentação.

O prin­ci­pal obje­tivo de uma refei­ção pré-apresentação é man­ter o bailarina com ener­gia sufi­ci­ente para o momento, mas tam­bém, con­for­tá­vel, ou seja, da mesma forma que o jejum não é indi­cado, tam­bém não é neces­sá­rio ini­ciar a ati­vi­dade física com o estô­mago muito cheio, pesado. Além disso, a ali­men­ta­ção evita hipo­gli­ce­mia, a fome antes ou durante o espe­tá­culo, melhora o desem­pe­nho e for­nece líqui­dos para uma boa hidratação.

Fonte: https://pointemagazine.com/hydration-for-dancers/

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sexta-feira, 1 de outubro de 2021

Save the date !




O Dia Mundial do Ballet!  

No dia 19 de Outubro haverá a transmissão ao vivo e gratuita com as companhias de balé de todo o mundo

O evento deste ano, organizado pelo The Australian Ballet, Bolshoi Ballet e The Royal Ballet, levará os espectadores aos estúdios de quase 50 organizações de dança dos seis continentes. As transmissões ao vivo ofereceram acesso raro as aulas das companhias, ensaios, entrevistas com dançarinos famosos e muito mais. Além de sintonizar nos canais do YouTube e do Facebook das companhias de dança o participante este ano também poderá assistir as filmagens exclusivas pelo TikTok (dica: o site do WBD oferece links para os canais de todas as companhias no YouTube para ajudar a tornar a visualização mais centralizada.)

Você também pode ter chance de se apresenta durante o WBD participando do desafio Jump for Joy. Tudo o que você precisa fazer é compartilhar um vídeo de você mesmo apresentando seu passo de dança comemorativo nas redes sociais, usando a hashtag #WorldBalletDay. Nenhuma experiência de dança é necessária. Para maiores informações para participar o  diretor do Royal Ballet, Marcelino Sambé fez um video explicativo no Youtube - WorldBalletDay 2021 challenge: Jump for Joy!

A transmissão ao vivo de 24 horas começa com o The Australian Ballet às 12h AEDT - na América do Norte, às 22h EST / 19h PST do dia 18 de outubro. A lista abaixo é o que o WBD anunciou até agora. Visite worldballetday.com para obter mais informações.

Abaixo lista dos participantes:

Asia

  • Bangkok City Ballet
  • Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan
  • Hong Kong Ballet
  • Korean National Ballet
  • The National Ballet of Japan
  • Singapore Dance Theatre

Africa

  • Cape Town City Ballet
  • Joburg Ballet

Europe

  • Ballet de l’Opéra de Paris
  • Barcelona Ballet
  • Bayerisches Staatsballett
  • Birmingham Royal Ballet
  • Bolshoi Ballet
  • Dutch National Ballet
  • English National Ballet
  • Estonian National Ballet
  • Finnish National Ballet
  • Imperial Society of Teachers of Dancing
  • La Scala Ballet
  • Mariinsky Theatre
  • Norwegian National Ballet
  • Opera Sofia
  • Perm Tchaikovsky Opera and Ballet Theatre
  • Polish National Ballet
  • Northern Ballet
  • Royal Academy of Dance
  • The Royal Ballet
  • Scottish Ballet
  • Staatsballet Berlin
  • Stuttgart Ballet
  • The Mikhailovsky Theatre
  • The Royal Danish Ballet
  • Ural Opera Ballet Theatre
  • Vienna State Ballet

Oceania

  • The Australian Ballet
  • Queensland Ballet
  • Royal New Zealand Ballet
  • West Australian Ballet

North America

  • Acosta Danza
  • Alvin Ailey American Dance Theater
  • American Ballet Theatre
  • Ballet Concierto de Puerto Rico
  • Ballet de Monterrey
  • Ballet Nacional de Cuba
  • Boston Ballet
  • Les Grands Ballets Canadiens de Montréal

South America

  • São Paulo Dance Company
Fonte: pointemagazine.com

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quinta-feira, 26 de agosto de 2021

Breakdance nas Olimpíadas 2024



Breakdance (também conhecido como breaking ou b-boying em alguns lugares) é um estilo de dança de rua, parte da cultura do hip hop criada por afro-americanos e latinos na década de 1970 em Nova Iorque, Estados Unidos, normalmente dançada ao som do hip-hop, funk ou breakbeat.

O breakdancer, breaker, b-boy, ou b-girl é o nome dado a pessoa dedicada ao breakdance e que pratica o mesmo. No inicio, o breakdance era utilizado como manifestação popular e alternativa de jovens para não entrar em gangues de rua, que tomavam Nova Iorque em meados da década de 1970. Atualmente, o breakdance é utilizado como meio de recreação ou competição no mundo.


O Comitê Olímpico Internacional (COI) confirmou  a inclusão do breaking (ou breakdance) na Olimpíada de Paris (França), em 2024. A modalidade será disputada pela primeira vez e é uma das quatro adicionais às 28 tradicionais. As outras adicionais três são surfe, skate e escalada, que já integram o programa de Tóquio (Japão) 2021.

"De alguns anos para cá, o breaking vem evoluindo muito. Desde dançarinos que praticam e se dedicam muito até a galera que organiza eventos e workshops, além das empresas que investem. Isso pode melhorar ainda mais, agora, com a entrada nos Jogos", comentou Pelezinho, um dos principais nomes brasileiros da modalidade, em comunicado à imprensa.

"As pessoas que não têm total conhecimento do que é a dança terão acesso a mais informações sobre o estilo e os movimentos. A visibilidade vai agregar em muitas coisas no futuro. O Brasil tem muita chance de medalhas, mas vai depender de como será formado o comitê e o sistema de disputas", completou o b-boy - como são conhecidos os praticantes de breaking.

Fonte: Wikipedia, https://agenciabrasil.ebc.com.br/

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quarta-feira, 18 de agosto de 2021

Envolvimento do músculo sem enrijecer







Quando você pensa em tensão, pode pensar em uma mandíbula cerrada ou na sensação geral de tensão. Como a resposta do corpo aos estressores físicos e psicológicos, os músculos podem permanecer em um estado parcialmente contraído por longos períodos de tempo, geralmente levando a fadiga e desconforto físico mais rápidos.

No entanto, alguma tensão muscular não é apenas necessária, mas é útil. Seja uma escolha coreográfica ou simplesmente o requisito físico para completar um movimento específico, a tensão - se usada corretamente - pode ser sua aliada. O truque está em encontrar o equilíbrio ideal entre o envolvimento muscular adequado e o uso excessivo.

Identifique sua tensão

Saber quando e como cultivar um bom envolvimento muscular e liberar a tensão inútil começa com o reconhecimento de onde você realmente mantém a tensão em seu corpo. A analista de movimento de Nova York, Deborah Vogel, recomenda o uso de um rolo de espuma para avaliar o que é macio. “Quando você tem tensão crônica, seu corpo começa a desligar o feedback neurológico para que você não sinta tanto”, diz ela. "A massagem com rolo de espuma pode abrir sua consciência somática para ver o que está acontecendo."

Depois de entender onde você tende a ficar tenso, priorize a respiração nesses locais e se mova com eficiência. Aproveite o ímpeto quando apropriado e tire momentos de descanso quando puder. "Mesmo que todo o corpo esteja tenso, sempre há momentos para respirar", diz a professora de balé de Nova York e instrutora de Pilates Sharon Milanese. "Explore constantemente como encontrar comprimento, volume e largura no corpo." 

Mova-se com eficiência

Frequentemente, o excesso de tensão assume a forma de musculação por meio de movimentos que não exigem tanto esforço. “Quando falamos de má tensão, estamos falando de muito envolvimento muscular para a tarefa à nossa frente ou algo que está sendo mantido por muito tempo”, diz Vogel.

Vogel usa o exemplo da correção comum "Puxe os joelhos para cima". Isso pode fazer com que os dançarinos se agarrem nos quadríceps continuamente, o que Vogel equivale a fazer uma rosca bíceps e mantê-lo por uma hora. "Eu os incentivo a pensar em empilhar os ossos", diz ela. Essa forma de pensar sobre o alinhamento - a orelha sobre o meio da articulação do ombro, que fica sobre o meio das articulações do quadril, joelho e tornozelo - requer envolvimento muscular mínimo para se sustentar em pé.

Da mesma forma, Milanese instrui os alunos a moverem-se de sua respiração e seus ossos. “Penso na tensão como uma pressão para baixo ou compressão”, diz ela. "Em vez disso, falo sobre expandir o volume do seu corpo."

Contração de equilíbrio e liberação

Encontrar a quantidade apropriada de engajamento muscular para uma ação específica é uma exploração constante do equilíbrio entre a contração e a liberação de grupos musculares recíprocos. É preciso tentativa e erro. “Quando os músculos estão sendo solicitados a fazer algo, eles devem ligar. Quando não, eles devem desligar”, diz Vogel. Trabalhe para envolver os grupos musculares corretos à medida que aprimora sua técnica.

Quando é uma escolha artística

A tensão muscular pode ser uma ferramenta poderosa para a expressão artística. Isso pode se manifestar por meio de gestos, expressão facial, parceria ou qualquer número de tarefas coreográficas. Mas só porque o movimento tem uma estética de tensão pelo drama ou pela pontuação, não significa que você realmente deva manter um excesso de tensão no corpo. Para o professor de dança e especialista em travas Dennis Danehy, o relaxamento é essencial para dar a impressão de que as articulações estão travando no lugar. “Se você ficar tenso, a energia não se moverá”, diz ele. "Você tem que ser capaz de ficar relaxado." Como outros estilos de rua, como voguing e krumping, o locking utiliza breves momentos de quietude para criar uma estética que dá a ilusão de tensão sem qualquer tensionamento desnecessário. "Você deveria ser capaz de dançar a noite toda", diz Danehy.

Abrace os momentos de tensão e saiba quando deixá-los ir. “Se a coreografia pede tensão, há vai haver tendência para um envolvimento muscular intenso em certos lugares ", diz Milanese, aconselhando os dançarinos a tentarem encontrar uma sensação de musculosidade nos braços e pernas enquanto mantêm uma sensação de respiração ao longo da linha média." Nem tudo tem que estar tenso. Tempo."

Fonte https://www.dancemagazine.com

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segunda-feira, 9 de agosto de 2021

Nado Sincronizado já foi chamado Ballet Aquático

 


A origem do nado sincronizado é um pouco incerta, acredita-se que ele tenha surgido de acrobacias simples na água e que com a evolução delas, teria originado o ballet aquático (um pequeno esboço do que hoje é chamado de nado sincronizado) essa modalidade dotada de extrema plasticidade de movimentos foi ganhando espaço, se aperfeiçoando, até se tornar um desporto oficial. O ballet aquático (como era chamado este desporto na época) era visto apenas nos intervalos de competições de natação.

Em 1891, o desporto começou a ser praticado por alemães durante uma disputa desportiva em Berlim.

A primeira vez que se ouviu o nome oficial como sendo nado sincronizado foi em 1933, durante a Feira Mundial de Chicago. Neste evento, após uma apresentação dos alunos de Katherine Curtis, o nadador medalhista de Norman Ross cunhou o termo "natação sincronizada".

Este desporto apareceu nas Olimpíadas pela primeira vez nos Jogos de 1952, sediados em Helsinque, como evento de demonstração (não ocorreram disputas de medalhas até 1968).O nado sincronizado passou a valer pódios na edição de 1984, celebrada em Los Angeles (fato este que ocorreu dois anos após o Comitê Olímpico Internacional ter inserido a modalidade no programa oficial).

Entretanto, foi nos Jogos Pan-Americanos de 1955 (celebrados na Cidade do México) que este desporto apareceu pela primeira vez em escala global. O nado sincronizado fez sua estreia no programa do Mundial de Desportos Aquáticos da FINA na edição de 1973, em Belgrado.

Extra-oficialmente, este desporto é também conhecido como "natação rítmica", "acrobacias aquáticas" e "natação sincronizada".


Prática no Brasil

Como no Brasil o número de atletas não é muito alto, a Confederação Brasileira de Desportos Aquáticos (CBDA) organizou que as atletas de último ano de uma categoria pode "pular" para a outra, possibilitando a atleta mais jovem de competir na categoria acima (propiciando amadurecimento na prática do desporto e confiança nas disputas em competições).



Fonte: Wikipédia


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quinta-feira, 27 de maio de 2021

História da Dança




A dança é uma das três principais artes cênicas da antiguidade, ao lado do teatro e da música. No antigo Egito já se realizavam as chamadas danças astro-teológicas em homenagem a Osíris. Na Grécia, a dança era frequentemente vinculada aos jogos, em especial aos olímpicos. A dança caracteriza-se pelo uso do corpo seguindo movimentos previamente estabelecidos (coreografia) ou improvisados (dança livre). Na maior parte dos casos, a dança, com passos ritmados ao som e compasso de música e envolve a expressão de sentimentos potenciados por ela.

A dança pode existir como manifestação artística ou como forma de divertimento ou cerimonia. Atualmente, a dança manifesta-se nas ruas, em eventos como videoclipe ou em qualquer outro ambiente em que for contextualizado o propósito artístico.

No dia 29 de abril comemora-se o Dia Internacional da Dança.

O surgimento da dança, se deu ainda na Pré-História, quando os homens batiam os pés no chão e com o passar do tempo, foram dando mais intensidade aos sons, descobrindo que seriam capazes de criar outros ritmos, conciliando os passos com as mãos, através das palmas.

A história da dança cênica representa uma mudança de significação dos propósitos artísticos através do tempo.

Com o Balé Clássico, as narrativas e ambientes ilusórios é que guiavam a cena. Com as transformações sociais da época moderna, começou-se a questionar certos virtuosismos presentes no balé e começaram a aparecer diferentes movimentos de Dança Moderna. É importante notar que nesse momento, o contexto social inferia muito nas realizações artísticas, fazendo com que então a Dança Moderna Americana acabasse por se tornar bem diferente da Dança Moderna Europeia, mesmo que tendo alguns elementos em comum.

A dança contemporânea como nova manifestação artística, sofrendo influências tanto de todos os movimentos passados, como das novas possibilidades tecnológicas (vídeo, instalações). Foi essa também muito influenciada pelas novas condições sociais - individualismo crescente, urbanização, propagação e importâncias da mídia, fazendo surgir novas propostas de arte, provocando também fusões com outras áreas artísticas como o teatro por exemplo.



Dança e Saúde

Dançar pode auxiliar no tratamento de doenças como diabetes, síndrome do pânico, transtorno bipolar, depressão. A dança pode ser considerada um remédio que melhora a saúde física e mental.


Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Dan%C3%A7a


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sexta-feira, 7 de maio de 2021

Academia de Ballet Bolshoi



Fundada há mais de 245 anos, a Bolshoi Ballet Academy tem uma rica história de treinamento de muitos dos maiores bailarinos, coreógrafos, educadores e acadêmicos do mundo. Seu currículo, baseado no método Vaganova, é respeitado internacionalmente por seu foco na musicalidade, força, pureza da técnica clássica e sua ênfase no progresso individual. Os ex-alunos da Academia incluem alguns dos dançarinos mais talentosos do século 20, incluindo Maya Plisetskaya, Vladimir Vasiliev, Ekaterina Maximova, às estrelas da geração atual, incluindo Vladimir Malakhov, Natalia Osipova, Alexei Ratmansky, Polina Semionova, Maria Kochetkova e muitos outros. Até hoje, a Academia e seus graduados continuam a receber as maiores honras e aclamações no mundo da dança internacional.

 A história da Academia de Balé Bolshoi remonta a 1773, quando as artes plásticas, incluindo a dança, foram adicionadas ao currículo da Casa dos Enjeitados de Moscou, fundada em 1763 pela Ordem da Imperatriz Catarina II da Rússia.

Filippo Beccari, um instrutor italiano, foi convidado pela primeira vez para ensinar a arte da dança a 26 meninas e 28 meninos. Com  aulas de quatro horas que eram ministradas quatro vezes por semana. Os talentosos órfãos russos rapidamente dominaram as sutilezas da arte estrangeira da dança e seis anos depois Leopold Paradis, outro estrangeiro famoso, formou seu primeiro grupo de graduados, seus alunos se juntaram à Petrovsky Theatre Company (hoje Bolshoi). A dança folclórica ou de personagens sempre foi tida em alta conta pela escola de Moscou; os estudos foram exaustivos e os dançarinos de personagens sempre foram procurados no Bolshoi. Houve também um rápido desenvolvimento no balé clássico. Foi a interpretação russa de La Sylphide que muitas testemunhas oculares deram preferência, vendo-a como a que representa a alma do balé russo.

No final da década de 1880, após a aprovação de um novo Estatuto pelo qual a Escola Imperial de Ballet de Moscou foi rebatizada de Escola de Ballet de Moscou, Jose Mendez começou a treinar seus alunos, incluindo Ekaterina Geltser, a futura primeira bailarina, nas novidades da virtuosa escola italiana. Ele nutriu técnicas de pirueta e dedão forte, bem como equilíbrio e senso de presença de palco, enquanto mantinha cuidadosamente a musicalidade geral da apresentação pela qual a escola de Moscou sempre foi famosa. 

Na década de 1930, as famosas figuras do mundo do balé de Petersburgo juntaram-se ao corpo docente da Escola: Elizaveta Gerdt, Aleksandr Chekrygin, Viktor Semyonov e Mariya Kozhukhova se mudaram para Moscou, onde seus esforços ajudaram a criar prematuramente uma galáxia de grandes bailarinas e excelentes dançarinos mais masculinos. Mais tarde, Marina Semyonova trabalhou na Escola. 

Em 1933, Olga Lepeshinskaya, a virtuose brilhante, se formou na Escola. Durante a Segunda Guerra Mundial, a Escola produziu duas estrelas graduadas: Maya Plisetskaya (1943) e Raisa Struchkova (1944). E no final dos anos 50 e início dos 60, as formandas da Moscow Ballet School, Ekaterina Maximova (1958) e Natalia Bessmertnova (1961), começaram suas carreiras. 

Em 1960 - 2001, Sophia Golovkina dirigiu e gerenciou a Escola de Ballet de Moscou. Desde 2002, a Academia de Ballet Bolshoi tem sido habilmente dirigida pela ex-principal performer do Bolshoi, Marina Leonova (Reitora, Artista Popular da Rússia, Professora). 

Existem artistas de balé mundialmente famosos entre os graduados da Academia de Balé Bolshoi: V. Malakhov, A. Uvarov, N. Tsiskaridze, S. Lunkina, N. Osipova.


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quarta-feira, 20 de dezembro de 2017

Bailarinos conquistam seu papel mais difícil: participando de corridas de rua de 5 km até uma maratona



Oi Gente!

Quando Erin Arbuckle chega na sala de aula de balé vestindo uma camisa de Maratona da Cidade de Nova York, os professores perguntam a ela: "Você realmente não fez isso, né?" Ela fez, e fez duas vezes, e ela está correndo de novo este ano no dia 5 de novembro.


Resultado de imagem para Erin Arbuckle ballet and run


Arbuckle, de 28 anos, formada pela School of American Ballet e uma dançarina autônoma que se apresentou com Ballet Next e Emery LeCrone Dance, entre outras, é uma bailarina rara que não só corre mas assumiu o desafio de uma maratona.

Os bailarinos aprendem a preservar seus corpos para a dança e evitar lesões de outras atividades. Embora o cross training de baixo impacto, como a natação, seja encorajado, a corrida geralmente é considerada de alto.

As cirurgias nos dois pés são de lesões de dança, apesar de não correr, o seu corpo está se mantendo bem, pois recomendaram aguardar o resultado da recuperação.

Marika Molnar, diretora de fisioterapia do New York City Ballet, geralmente aconselha os dançarinos a correrem apenas como um aquecimento. "Correr por 5 a 10 minutos antes da aula de balé ajuda a aquecer os músculos do corpo, que é muito importante", disse ela. "Além disso, você começa a ter riscos".

Dado ao estigma, não é surpreendente que muitas bailarinas querem correr uma maratona.



Emily Waters, de 35 anos, que dançou durante 10 anos com o Ballet da Pensilvânia e o Royal Danish Ballet, vai fazer sua primeira maratona este ano. Ela lutou toda a carreira com dor nas costas causada por escoliose e, finalmente, parou de dançar por causa disso. Ela está treinando para a maratona desde fevereiro e diz que isso não a incomodou.

O fisioterapeuta Prachi Bakarania, especialista em dor nas costas da ColumbiaDoctors, diz que a corrida pode ajudar como  tratamento da dor. "O impacto da corrida pode melhorar a densidade óssea, desde que o treinamento seja feito corretamente e aumentado ao longo do tempo", diz ela.

Apesar de Molnar concordar com isso, ela sustenta que a quilometragem de uma maratona pode fraturar ou causar fissuras nos ossos,  também não é necessário treinar  dançarinos para essa modalidade esportiva.

Waters, que agora trabalha na Fundação Andrew W. Mellon em concessão de artes e cultura e é estudante de pós-graduação em administração de artes na Universidade de Columbia, diz que o treinamento de maratona fornece o esforço físico que ela perdeu desde que se retirou do palco há sete anos.

"Quando você está dançando, você sempre está fazendo um balanço de seu corpo, percebendo suas dores e respondendo a elas. É tão bom ter isso novamente", diz ela.

Arbuckle encontra a satisfação da maratona semelhante ao desempenho. "Quando você está de pé na Ponte Verrazano, você sabe o que está por vir, é emocional", diz ela, comparando o início da maratona de NYC com a espera da apresentação.

Peter Boal, 52, diretor artístico do Pacific Northwest Ballet de Seattle e antigo bailarino principal do New York City Ballet, fez a  meia maratona com quase 50 anos, 10 anos depois de se aposentar do palco, e já correu três vezes.

Ele diz que seu corpo não permite que ele dance mais, mesmo que fosse divertido, a corrida ajudou a preencher o vazio. "Eu me sinto gracioso quando eu corro, eu não sentia mais isso", diz ele.

Boal explica que o apelo da meia maratona veio do perfeccionismo enraizado pelo balé. "Correr para a diversão foi bom, mas queria um objetivo para trabalhar, melhorar continuamente e medir meu progresso", diz ele.

Perguntado se ele recomendaria maratonas aos membros da empresa PNB, ele não tinha certeza se a temporada de balé permitiria assumir esse tipo de atividade. "Provavelmente recomendaria nadar ", diz ele.

Molnar concorda com ele. "O desgaste de treinamento necessários para uma temporada de apresentações, não consigo imaginar que você poderia manter uma carreira como dançarina e treinar para uma maratona", diz ela.


Waters está indecisa sobre treinamento para  maratona durante os ensaios. "Não é que teria sido ruim , mas eu simplesmente não tenho tempo", diz ela. Depois de uma pausa ela acrescenta: "Mas meu corpo se sente melhor do que nunca agora, então, quem sabe?"


Fonte: http://www.pointemagazine.com

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