As marcas mais utilizadas das sapatilhas de ponta.

Oi Gente

O  post de hoje  e para falar  das sapatilhas de ponta e as marcas mais utilizadas pelos bailarinos profissionais e amadores.




Toe Box: o "copo" que engloba os dedos dos pés até a bola da sola do pé
Elastic - Elástico: da segurança aos pés do dançarino.
Plataform - Plataforma: o fundo da caixa onde ficam os dedos do pé em que o dançarino fica na ponta.
Ribbon - Fitas: material  feito de cetim que mantém a sapatilha mais segura no pé do dançarino.
Shank - Arco do pé: a palmilha rígida que fornece suporte sob o arco.
Garganta: a abertura do sapato.
Vamp - Gaspéa: a seção do sapato que cobre o topo dos dedos dos pés.

De que são feitos os sapatos de ponta?
Em calçados tradicionais, a caixa do dedo do pé é feita de camadas bem embaladas de papel, papelão, serapilheira e / ou tecido mantidos juntos por cola. O material é comprimido em um gabinete (caixa de dedo) que envolve os dedos dos dançarinos para que seu peso repousa na plataforma. A haste é geralmente feita de papelão, couro ou uma combinação. O material externo é um pano macio chamado cetim de espartilho. Os materiais e os métodos de construção não mudaram muito nos últimos 100 anos.

Os sapatos Gaynor Minden são diferentes do resto. Os sapatos Gaynor Minden possuem materiais elastoméricos (material que é capaz de retomar a forma original quando uma força de deformação é removida) para as suas canas e caixas em vez dos materiais tradicionais de papelão e papel, mantidos juntos pela cola.

Quais são as principais marcas de sapatilhas de ponta?
Um ótimo site Pointeshoebrands tem uma lista de cerca de 85 marcas de calçados de ponta em todo o mundo e tem links para sites da empresa. No entanto, o mercado é dominado pelas empresas de calçados listadas abaixo. Eu não tenho informações de compartilhamento de mercado, mas a maioria dos dançarinos que você vê no palco usam uma das marcas abaixo.

Por que os dançarinos usam uma determinada marca? Em algumas companhias de balé, a preponderância de dançarinas usar uma marca em particular. A maioria das dançarinas de balé NYCB e Miami City usam Freed of London enquanto dançarinas no Australian Ballet usam sapatos Bloch. Em outras empresas como a ABT, as preferências do dançarino abrangem a lista de empresas abaixo. Em empresas sem afiliações com empresas de calçados, os dançarinos provavelmente selecionam sapatos com base em recomendações de dançarinos, avaliando dançar endossos em publicidade e na tentativa de erro de acerto, num esforço para encontrar o sapato perfeito.

Bloch
Bloch é uma empresa australiana fundada em 1932 por Jacob Bloch, um sapateiro que imigrou para a Austrália da Europa Oriental em 1931. Jacob amava música e dança; Percebendo uma jovem que lutava para ficar na ponta dopé, ele prometeu a ela que faria o  melhor par de sapatos de ponta. Ele começou a fazer sapatos em 1932 em Paddington, Sydney e sua reputação de sapatos de alta qualidade cresceu, já que muitas empresas de balé visitaram a Austrália durante a década de 1930, particularmente as empresas russas. Hoje, a Bloch está sediada em Sydney, Austrália, com um escritório europeu em Londres.

Capezio
Salvatore Capezio abriu sua loja perto da antiga Metropolitan Opera House, em Nova York, em 1887. Ele tinha apenas 17 anos de idade e seu negócio original era consertar sapatos de teatro para o Metropolitan Opera. No final da década de 1890, ele voltou sua atenção para fazer sapatilhas de ponta. Sua reputação cresceu; Anna Pavlova adquiriu sapatilhas de ponta para si e para toda a sua companhia em 1910, ajudando os negócios da Salvatore. Seu sucesso se espalhou e, na década de 1930, suas sapatilhas foram usadas ​​em muitos musicais da Broadway e no Ziegfeld Follies.

Freed of London
Frederick Freed fundou a empresa em 1929; Antes de iniciar sua empresa, Freed e sua esposa faziam sapatos de balé em Gamba. Depois de iniciar o Freed, eles trabalharam  num porão na seção de Covent Garden em Londres, o mesmo local onde a loja principal da marca se encontra agora. Hoje, Freed of London é uma empresa irmã da empresa japonesa Dancewear Chacott; Ambas as empresas são de propriedade da empresa de vestuário japonês Onward Holdings. Freed of  Lodon vende em mais de 50 mercados internacionais através de parceiros de negócios e distribuidores diretos.

Gaynor Minden
Eliza e John Minden abriram sua primeira loja na seção Chelsea de Manhattan em 1993. Eliza é a Diretora de Design da Gaynor Minden, tendo passado quase uma década pesquisando, desenvolvendo e testando uma centenas de protótipo de sapatilha. Uma ex-dançarina amadora testemunhou a introdução de materiais de alta tecnologia de equipamentos atléticos e acreditava que as sapatilhas de ponta também poderiam ser melhorados com o uso de materiais modernos. Gaynor Minden usa elastômeros para suas patas e caixas em vez de colar e usar papelão em sapatos tradicionais.

Grishko
Nikolay Grishko, um empresário com paixão pelo balé, fundou Grishko em 1988, pouco depois que o presidente Mikhail Gorbachev promoveu o desenvolvimento da empresa privada na URSS. Na época, as sapatilhas russas feitas à mão não estavam disponíveis para os dançarinos fora da Rússia. Nikolay capitalizou a demanda por sapatilhas russas para criar um negócio global na fabricação e a distribuição de sapatilhas de ponta e outros equipamentos de balé. Em 1989, a empresa apresentou as sapatilhas Grishko ao mercado de balé dos EUA.

Sansha
Franck Raoul-Duval, um francês de 25 anos de idade, com paixão pela dança e pela história russa, fundou a Sanscha em 1982. Desenvolveu um novo tipo de sapatilha de balé, o sistema "Point System" com uma haste removível no solado possibilitando a mundança da dureza para flexível. 
Sansha agora fabrica uma variedade de sapatos de dança de balé, jazz, hip-hop ao flamenco e salão de baile para tocar.

Fonte http://balletfocus.com/pointe-shoes-part/

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As bailarinas quebram as suas sapatilhas de muitas maneiras!

Oi Gente !

No post de hoje tem um vídeo bem interessante do Australian Ballet, onde quatro bailarinas  mostram o processo da quebra da sapatilha, e isso inclui o uso de facas, fósforos e goma-laca.

O vídeo esta em inglês, mas e possível entender o processo.

Divirtam-se!




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Por que ainda não somos bons em abordar a saúde mental dos dançarinos?

                               

Oi Gente !

Esse post de hoje foi escrito por  Kathleen McGuire  da Revista Dance, espero que vocês gostem!

"Então, por que você desistiu?"

É uma pergunta que é repetida várias vezes desde que parei de dançar há mais de uma década. A minha resposta mudou ao longo dos anos, pois a minha própria compreensão sobre o que me levou a afastar do maior amor da minha vida tornou-se mais clara.

"Eu tive algumas feridas", eu murmuro nervosamente durante os primeiros anos. Essa era a reposta que as pessoas compreendiam. Então, tornou-se: "Eu não estava muito feliz". Finalmente, quando passei para os meus 30 anos, comecei a contar a verdade: "Eu parei de dançar por causa de uma depressão não tratada".

Faz sentido que as pessoas me perguntem "por quê?" Eu era uma estudante promissora. Deixei minha família no norte de Nova York aos  14 anos para treinar no mais alto nível do Teatro de Ballet de Pittsburgh e depois na Escola de Balé San Francisco. Passei meus verões na Escola de Ballet americano e no programa do festival Chautauqua. Posso dizer agora o que eu era incapaz de ver que eu era uma boa dançarina.

Mas nunca fui um dançarina confiante. Eu confiei no louvor dos meus professores para ter  auto-estima. E ao longo do tempo, as micro-falhas que todos os dançarinos devem superar a cada dia, para mim não era possível de admitir. No meu último ano no SFBS, eu rotineiramente chorava no estúdio. Uma piruette perdida ou uma aula onde eu me sentia invisível para o professor me desmontaria completamente. Os professores interessados ​​me parariam no corredor com palavras de apoio, mas eu estava  me perdendo na minha insegurança.

Ao lidar com fraturas por  estresse de movimentos repetidos, fui forçada a me sentar em todas as aulas que perdi durante oito semanas e observar  meus colegas me superarem. O terapeuta de dança do Sage, Dr. Bonnie Robson, recentemente me disse que, apesar do fato de que a lesão é a razão mais comum para o início da depressão em dançarinos,  os bailarinos mais feridos verão médicos, fisioterapeutas e instrutores de Pilates,  mas nunca consultam um profissional de saúde mental.

A três mil milhas de meus pais e sem um mentor, eu aprendi meus mecanismos de enfrentamento de meus colegas. Eu pensei que ser magra me faria feliz, então eu tentei todas as técnicas de dieta mal-aconselhadas e pílulas de efedrina ainda legais. Eu comecei a me auto-medicar aos 18 anos. Lembro-me de soluçar no telefone com minha mãe : "Amo a dança, mas a dança não me ama". Nos piores dias, pensei que seria menos um fardo para as pessoas que amei se eu fosse embora. Seria melhor do que não dançar.

Nos anos seguintes, tive o privilégio de realizar centenas de entrevistas para artigos que escrevi na revista Dance e outras publicações da Dance Media. Eu tenho uma lista de grandes terapeutas de dança do  país  nas chamadas recentes do meu celular . Minhas conversas com eles e outras dançarinas e profissionais que dão suporte a dança, que combinadas com minha própria experiência, me levaram a uma verdade inevitável: acredito que as instituições de dança estão falhando com seus dançarinos com a falta de apoio à saúde mental.

Em uma entrevista recente, o Dr. Brian Goonan, que trabalha com dançarinos na Houston Ballet Academy, me disse que a mesma tentativa de sucesso que faz grandes estudantes de balé também pode predispor a depressão. E, no entanto, como escritora de dança, quando invoco muitas das grandes instituições de treinamento deste país para pedir uma entrevista com o psicólogo que eles encaminham seus dançarinos, eles não tem nenhum. No Houston Ballet Academy é a única escola que conheço que faz horários regulares com um profissional de saúde mental disponível para seus alunos no estúdio.

Mas acredito que com pequenos passos podemos melhorar. Com base nas inúmeras entrevistas que fiz com profissionais de saúde mental dos dançarinos.

Aqui tem algumas considerações que eu gostaria que dançarinos, pais e diretores tivessem em mente , segue abaixo:

Conselhos para dançarinos
>Períodos de insegurança virão quando tiver um desafio, e isso é normal. Procurar ajuda para seu bem estar mental não faz você de um  fraco, da mesma forma que não o faz de você um fraco para ir a fisioterapia ou nutricionista.
>Se um amigo ou professor lhe disser que estão preocupados com o seu bem estar  mental, ouça. Eu sei que é difícil para eles falarem sobre isso, entenda que isso é um ato de amor, não uma crítica a sua pessoa.
>Peça ajuda quando você precisar, não é normal sentir-se triste todos os dias durante duas semanas ou mais.
>Compreenda que o momento mais difícil em seu treinamento também é o tempo em que você provavelmente experimente a depressão. O Dr. Robson diz que as pessoas são mais propensas a experimentar a sua primeira depressão no final da adolescência e no início da vida adulta.
>Se tiver algum sintoma comum da depressão, de acordo com o Dr. Goonan, isso não significa necessariamente que você vai, ou deve parar de dançar.

Conselhos aos pais
>Quando o seu filho se matricula numa nova escola, pergunte que se houver algum problema de saúde mental se tem algum médico especializado. Se tiver peça o nome e o número dessa pessoa,  e se for o caso  a possibilidade de conhecer. Se não houver um médico especializado, isso não significa que seu filho não possa frequentar a escola, mas é interessante conversar com os coordenadores da escola da importância de um especialista.
>Ajude seu filho a estabelecer metas razoáveis.
>Evite a conversa em reuniões  de amigos ou festa de família sobre  "minha menina será principal bailarina"; Sua filha sentirá isso como uma pressão. E lembre-se de que as críticas a suas danças só devem vir de seus professores.
>Converse  com seus filhos, não apenas do que está acontecendo no estúdio, mas pergunte-lhes como eles estão se sentindo, e se eles estão gostando algo fora da dança.

Conselhos para Professores e Diretores
>Ensine aos seus alunos a tratar bem a sua saúde mental,  com o mesmo cuidado que fazem no seu bem-estar físico.
>Romper o estigma: compartilhe suas próprias experiências e dê permissão através de sua aceitação para procurar ajuda.
>Não restrinja as chamadas profissionais de saúde mental para casos que envolvam distúrbios alimentares. Há uma série de questões que um dançarino pode encarar que são tão devastadoras para sua saúde.
>Se você é uma instituição para a qual os dançarinos se afastam de casa para treinar, você é responsável pelo seu bem-estar. Construa um relacionamento próximo com um psicólogo que passou algum tempo no estúdio, os dançarinos devem saber quem é essa pessoa e como encontrá-la.
>Mesmo se você é uma pequena escola, faça alguma pesquisa sobre as ofertas de saúde mental em sua área. Conheça os psicólogos e explique os desafios específicos que enfrentam os dançarinos.
>Se um estudante, uma vez dirigido parece que está tentando dançar, pulando aulas ou agindo com preguiça na aula, são sinais de que algo está errado, mas não desista dele.

Quando eu parei de dançar, não me sentia bem,  sentia que estava completamente fora do meu controle. Em uma retrospectiva, vejo que, com a devida atenção aos desafios de saúde mental que enfrentava, poderia ter feito alguma coisa para melhorar.
Tive a sorte de compartilhar o estúdio com muitos grandes dançarinos nos meus anos de treinamento - muitos dos quais já estiveram na capa desta revista. A característica constante que vejo entre os dançarinos que "criaram"a resiliência. Não é sempre que uma  garota com os pés perfeitos acaba com a carreira dos sonhos. O talento a levará longe, mas a força emocional a levará mais longe.

Fiquei espantada e emocionada ao ver o quanto o mundo da dança mudou desde que eu deixei. Discussões nutricionais estão passando de baixo teor de gordura para comer alimentos integrais. O treinamento cruzado é a norma e novos estilos de movimento e os tipos de corpo estão lentamente encontrando seu lugar. Mas esse tabu permanece, e é muito importante ignorar.

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Livros do seminário do Festival de Joinville

Os Seminários de Dança são realizados há onze anos ininterruptos, lutando por espaço, buscando ser ouvido e estimulando reflexões sobre os diversos caminhos da dança na contemporaneidade.

Como consequência desses encontros, nasce a cada edição o livro do Seminário, uma compilação de toda a produção de conteúdo e dentro dela os trabalhos acadêmicos apresentados. 

Com o objetivo de promover um maior alcance, todos os livros impressos de edições anteriores estão aqui disponibilizados em dois formatos, podendo ser baixados sem nenhum custo.

E-PUB	PDF
Livro 1 - História em Movimento: biografias e registros em dança	Livro 1 - História em Movimento: biografias e registros em dança
Livro 2 - O que quer e o que pode ser [ess]a técnica?	Livro 2 - O que quer e o que pode ser [ess]a técnica?
Livro 3 - Algumas Perguntas sobre Dança e Educação	Livro 3 - Algumas Perguntas sobre Dança e Educação
Livro 4 - O Avesso do Avesso do Corpo	Livro 4 - O Avesso do Avesso do Corpo
Livro 5 – Criação, ética, pa..ra..rá pa..ra..rá	Livro 5 – Criação, ética, pa..ra..rá pa..ra..rá
Livro 6 - E por falar em…CORPO PERFORMÁTICO	Livro 6 - E por falar em…CORPO PERFORMÁTICO
Livro 7 – Dança Clássica: dobras e extensões	Livro 7 – Dança Clássica: dobras e extensões
Livro 8 – Deixa a Rua me Levar!	Livro 8 – Deixa a Rua me Levar!
Livro 9 – Graduações em Dança no Brasil	Livro 9 – Graduações em Dança no Brasil
Livro 10 – Dança não é (só) coreografia Fonte: http://www.festivaldedanca.com.br Novo whats app: (11) 9.9329.7223 Loja virtual: http://www.modaballet.com.br Instagram: moda_ballet Facebook: facebook.com.br/modaballet.com.br Tel.: (11) 3530.3024 Loja física: Rua Paulo Eiró, 156 – Centro de Ofertas – Santo Amaro – São Paulo

Ansiedade ?

Oi Gente ! 

                                     

Deitada e ainda acordada na cama do hotel em Washington, DC, na noite anterior a sua audição, a bailarina de ballet de Richmond Valerie Tellmann-Henning foi atormentada com  a ansiedade. Aos 31 anos, ela estava confortável em sua carreira. Tão confortável que ela decidiu buscar novos desafios artísticos. Com o apoio de seu diretor, ela decidiu fazer uma audição para The Suzanne Farrell Ballet com a esperança de fazer malabarismos com dois contratos. A única coisa que estava entre ela e seu objetivo era a ansiedade. "Eu senti como se eu estivesse com 19 anos de novo,  tentando conseguir meu primeiro emprego", lembra ela. "Isso me fez adivinhar muitas coisas sobre mim: Suzanne vai gostar do meu tipo de corpo? Será que minhas pernas serão suficientemente altas?" O sentimento de ansiedade causou irritabilidade a Tellmann-Henning, e ela até prendeu a respiração dela durante a turma de audição, enquanto uma corrente de inseguranças passava por sua mente.

A ansiedade é um sentimento de medo irracional que combina perfeitamente com o perfeccionismo. A maioria, se não todos, os dançarinos de balé sentirão ansiedade de vez em quando. Na verdade, os psicólogos com os quais falamos disseram que é uma das razões mais comuns pelas quais os dançarinos recebem tratamento. A ansiedade pode adicionar eletricidade ao seu desempenho no palco.

A ansiedade pode matar sua confiança e até mesmo limitar a sua capacidade de viver a sua vida normalmente se não for controlada. Em um campo cheio de situações estressantes - como o elenco, o nervosismo da audição, as renovações de contratos, as contas de montagem e o medo do palco - é importante aprender a identificar a ansiedade, avaliar a seriedade e tomar medidas para lidar com isso antes que isso detenha você a se desenvolver na dança.

Criando equilíbrio

Felizmente, uma vez que seu bem-estar mental e físico estão interligados, existem soluções concretas e tangíveis para ajudar a gerenciar a ansiedade. Porque ser dançarino é inerentemente estressante, diz Goonan, é importante manter o seu "pool de recursos" mental e físico. Isso significa dormir corretamente, comer bem para alimentar seu corpo e ter "boa higiene emocional", como manter passatempos fora  dança e  tempo para relaxar com os amigos.

Na verdade, se você estiver esgotado fisicamente, sua mente alocará mais esforços para sustentar seu corpo. Como resultado, você será menos psicologicamente capaz de lidar com coisas que o deixam ansioso. "Você não pode puxar de um pool de recursos que está drenado", aconselha Goonan, que diz que os dançarinos são mais propensos a experimentar ansiedade quando se sentem degradados.

Os passatempos criativos e atléticos realmente têm efeitos terapêuticos e podem ser instrumentos na gestão da ansiedade. Mas desde que a dança caia em ambas as categorias, ela não pode servir como sua única saída emocional do seu trabalho. Goonan encoraja os dançarinos a encontrar coisas criativas ou atléticas - como cozinhar, arte ou yoga - onde a pressão da avaliação está desligada. "Desenhe, escreva em um jornal ou vá ao boliche nos sábados a noite com seus amigos", ele diz. "Você consegue descobrir a sutil nuance sobre quais queijos vai adicionar no macarrão caseiro?" Talvez você goste de nadar, costurar ou aprender a tocar violão.

Lidar com o Momento -  e depois

Antes de uma grande apresentação você sente a ansiedade nos bastidores, use as técnicas de respiração ou de visualização - podem ajudar a você a se manter calmo. "Imagine a situação ansioso e depois imagine-se se sentindo bem", diz Kaslow. As respirações profundas também diminuirão sua freqüência cardíaca.

Se a sua ansiedade é persistente durante um longo período de tempo, pode valer a pena avaliar se você está na companhia  certa ou se o programa de treinamento é para você e sua saúde. "Você sempre é o melhor dançarino no lugar que mais gosta", diz Krutzkamp. Às vezes, a grama do vizinho parece ser mais verde, então não tenha medo de estar aberto para mudar para um lugar onde você pode controlar a pressão e ainda esforça-se para melhorar. "Você não está apenas mudando a cor da grama, você está mudando de diretor", diz ele. "As companhias são diferente uma das outras".

Quando procurar a ajuda.

Kaslow assegura que uma certa quantidade de ansiedade é normal. "Algumas pessoas tendem a estar mais ansiosas do que outras e estão bem", diz ela. Por exemplo, se você se sentir ansioso antes da noite de abertura, Goonan diz que é razoável. Mas se você estiver vomitando antes da apresentação, e a ansiedade não diminuir em apresentações subsequentes ou então experimenta ataques de pânico debilitantes, ele adverte que você pode ter uma doença que precisa ser tratada.

Pergunte a si mesmo: com que frequência os sintomas aparecem? Quanto tempo eles ficam? E quão intensos são os momentos de ansiedade quando acontecem? Mais especificamente, você é capaz de realizar, participar de audições e tomar aula regularmente, ou você se encontra passando oportunidades devido a ataques de pânico ou uma sensação de preocupação irresistível? Infelizmente, não há parâmetros de referência universais para dizer o que a freqüência, o comprimento ou a intensidade da ansiedade são "normais". Mas, se isso está ficando no caminho da sua vida ou da sua dança, você precisa ser avaliado por um profissional.

Se você entrar em tratamento, Kaslow diz que suas primeiras reuniões irão girar em torno do psicólogo para conhecer você e sua situação antes de ensinar-lhe mecanismos específicos para enfrentar seu problema. "Se pensar em medicamentos, pense bem, pois os  medicamentos tradicionais são altamente viciantes, por isso são  evitados ao máximo.

No caso de Tellmann-Henning, ela sentiu que sua ansiedade estava enraizada em suas deficiências. Então ela trabalhou mentalmente seus pensamentos sobre seus pontos fortes antes -, e durante a audição. Funcionou: ela conseguiu o emprego com The Suzanne Farrell Ballet, onde agora dança quando não está atuando no Richmond Ballet.

"Ser dançarino e ser confiante no que você pode produzir", diz ela, mas isso nem sempre é fácil, especialmente quando a ansiedade entra em jogo. Em retrospectiva, Tellmann-Henning diz que sua ansiedade realmente revigorou seu amor pelo que ela faz. "Eu acho que se você não tiver momentos como esse", ela diz, "então talvez seu coração não esteja mais em sua carreira".

Fonte: Kathleen McGuire é uma ex-dançarina e escritora contribuinte da revista Dance.

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Por que todos os aspirantes a coreógrafos precisam saber sobre Tech Theatre

Oi Gente!

Embora o teatro técnico seja um aspecto integral da maioria das obras de dança, muitos artistas não o estudam em profundidade. Mas uma familiaridade com todos os elementos que fazem uma peça se juntar, desde o design de fantasia, luz, jogo e som ao gerenciamento de palco até o trabalho da tripulação, pode dar aos dançarinos da faculdade uma nova perspectiva criativa e um impulso de currículo inestimável.

Os coreógrafos estudantis que tomaram as aulas de design "conhecem as perguntas para questionar os designers em vez de serem controlados por eles", diz Adam Chamberlin, professor associado de iluminação e design de som na Universidade do Norte do Texas.

Respeite seus colaboradores. 

"É importante saber o que você está pedindo para que outras pessoas façam", diz Shawn Hove, professor assistente de dança no Connecticut College. "Você pode ser capaz de conseguir as coisas porque respeita o trabalho que está fazendo". Para Don Borsh, presidente do departamento de dança de SUNY Potsdam, "é humilhante e dá essa perspectiva de, Wow, eles trabalham muito para me fazer parecer bom. Enfatiza sobre os artistas que fazem parte do cenário".

Espaço. 

"Quando eu imagino uma parte do palco, e vejo que não está completo sem a iluminação", diz Alexis DiBartolomeo, um especialista em dança e história da arte em SUNY Potsdam. "Isso me ajuda a dividir o espaço e colocar meus dançarinos".

Cortando os custos. 

Para estudantes que estão produzindo seu próprio trabalho ou vão fazê-lo no futuro, ter habilidades técnicas pode economizar, como por exemplo no custo de contratação de designers externos ou membros da equipe.

Fonte: http://www.dancemagazine.com

Estamos com problemas no número do Whats app, a possibilidade dele ter sido clonado.

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E se o Festival de Dança não fosse competitivo?

Os anúncios mais esperados de um Festival  não são de nomes de companhias internacionais ou de bailarinos famosos, mas aquelas palavrinhas que, ditas tarde da noite na Feira da Sapatilha, emocionam e fazem vibrar. Estar entre os três primeiros colocados da Mostra Competitiva do Festival de Dança. 

Isso depois de já terem enfrentado uma seletiva rigorosa para estarem entre as centenas coreografias que conquistam o direito de subir ao palco central. Mas será que focar na competição é saudável para os jovens que vivem a ansiedade de esperar pela nota para os minutos que apresentaram em frente aos jurados?

— Acho que isso vai muito de como a escola prepara seus alunos para este momento. Quando há uma competição, ela tem que ser sadia, para que atue na formação de caráter. Ela deve ser clara e não pode ser tendenciosa — avalia o diretor executivo da Cia Adriana Assaf, de São Paulo, Robson Luna, que tem uma longa trajetória de premiações em Joinville.

A diretora do Grupo Corpo Livre, Glauscia Pisciotta, defende a competição desde que ela não seja a prioridade do grupo que se inscreve para concorrer a uma vaga. Para ela, estar entre os escolhidos para a grande arena já deveria ser uma vitória.

— Os trabalhos apresentados no Festival são muito bons, então a premiação deve ser apenas uma consequência. E a competição é importante também, já que é um desafio que ajuda a promover a superação dos bailarinos — afirma.

Questão de maturidade

Em 2012, a dançarina e coreógrafa Luana Espíndola, 29 anos, recebeu com surpresa o prêmio de melhor bailarina do 30º Festival de Dança de Joinville. Apesar dos consecutivos primeiros lugares na categoria, ser escolhida para o prêmio máximo na categoria feminina, que geralmente fica com as participantes do clássico, elevou o nome da jovem diretora do Instituto de Orientação Artística (IOA), de Jundiaí, ao dos grandes talentos nacionais.

— Ter recebido o prêmio de melhor bailarina transformou a minha carreira. Os convites para trabalhos aumentaram muito, como bailarina e como coreógrafa. E colocou não só a minha escola mas também a minha cidade em destaque. — disse Luana. 

Por exemplo, se um dos maiores Festivais de dança como o de Joinville, de repente, cancelasse a competição e se transformasse apenas em mostra de dança, no entanto, ela afirma que seus colegas não deixariam de se inscrever. Ainda que sem tanto frio na barriga, o Festival sobreviveria assim como seus outros eventos continuam, com os palcos abertos e a mostra contemporânea de dança.

O coreógrafo Ricardo Scheir, que participou da primeira edição como bailarino, recebeu prêmios de melhor coreógrafo em 2000 e 2004 e seu grupo, o Pavilhão D, tem um histórico de vitórias na Mostra Competitiva, concorda com a jovem bailarina. 

—  O que interessa no Festival de Joinville é a estrutura oferecida. É dançar para 4 mil pessoas numa noite, é a semana de convivência com outros grupos. Mas acho que é questão de maturidade: o meu grupo viria de qualquer jeito, mas acho que a molecada nova precisa da motivação que a competição oferece.

Confira também das opiniões de Lucas David e Marcela Benvegnu

Sou a favor do palco, independente dele ser uma competição ou não. Hoje, no Brasil, as escolas tem poucos palcos para dançar e os festivais minimizam essa carência de pautas em teatros ou oportunidades de se levar uma ou outra coreografia para a cena. A competição é saudável pois te coloca em estado de atenção para ver que tipo de produção, linguagem, técnica e tendência estão sendo apresentadas. Seria falso dizer que não se gosta de ganhar, todo mundo gosta, todo mundo quer. É o reconhecimento do trabalho do diretor, coreógrafo, bailarino. 

Ao mesmo tempo, acho que mostras são interessantes quando se propõe a uma reflexão, uma conversa, uma troca. Se ela não te trouxer um feedback, não funciona. É preciso refletir sobre o seu trabalho, caso contrário, temos apenas uma apresentação atrás da outra.

"Marcela Benvegnu é jornalista. Participou do Festival de Joinville como bailarina e atuou como crítica em 2006 e 2007 no caderno AN Festival, de A Notícia. Este ano, é jurada de jazz.

Eu acredito que a arte é um dom divino, talvez uma das maneiras mais preciosas de expressão do ser humano, a necessidade de ser criativo e ter auto estima pra ser um ser crítico e construtivo. Sendo assim, penso que quanto menos criarmos competições, e sim intercâmbios para trocas e mostras de arte, sem alimentar o ego de alguns, e ao mesmo tempo, rebaixar outros, pois a arte não é atletismo (aliás, toda competição é em si uma batalha de guerra) e, sim, poesia que alimenta a alma, devemos incentivar e alimentar as várias formas de recriar a vida, as artes, todas essas expressões. Toda maneira de expressar sua verdade deve ser um passo pra um mundo de igualdades e respeito ao próximo.

Lucas David é professor e diretor de dança. Trabalhou na organização do 2º Festival de Dança, em 1984, e seus alunos participaram do evento nos anos 1980 e 90. 

Fonte:http://anoticia.clicrbs.com.br

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A Bela Adormecida - solo da Princesa Aurora

Hyltin em Aurora's Act I solo (foto de Paul Kolnik)

Oi Gente !

O Ato I o solo da princesa Aurora da "A Bela Adormecida" capta a exuberância juvenil da jovem princesa. Mas do ponto de vista técnico, seus quatro longos minutos tem múltiplas variações. New York  City Ballet  a bailarina principal Sterling Hyltin diz como dominar o estado de espirito e os tempos.

Fique calma
Na maioria das produções, o solo de Aurora acompanha o Rose Adagio - um dos momentos mais estressantes do ballet clássico. Não deixe que a ansiedade te domine . "É bom que o início da variação seja lento e controlado", diz Hyltin. "Eu uso a primeira série de balanços em arabesco para me recompor. Você também pode canalizar a energia restante do Rose Adagio - ela pode ajudá-la a projetar o espírito e a energia jovem da Aurora. "

Torne-se  parte do palco
A variação é mais fácil de obter se você interagir com os outros dançarinos no palco. "Eu gosto de imaginar que estou socializando na minha festa de aniversário", diz Hyltin. "Em teoria, o solo é sobre a Aurora, mas eu tento envolver os outros também. Você está cercado por pretendentes, e eles estão todos se divertindo, contando suas pequenas histórias. Identifique  cada um deles e use sua energia para mantê-los na sua história ".

Envolva-se na música
Criar uma ligação com a pontuação de Tchaikovsky é especialmente útil durante os arabescos de abertura. "Você pode brincar com a subida ou a descida de cada arabesco", diz Hyltin. "Quando você está focada na sua perna, você pode alterar a expressão quando estiver na ponta. Quando as coisas não funcionam tão bem, você pode se divertir no tombé depois. "

Deixe a parte superior do corpo contar a história
Sem port de bras eficaz, a série saltos em pointe na diagonal pode ter a sensação de ser muito longo. "O trabalho com os pés são simples,  nesse momento você pode usar mais a parte superior do corpo," Hyltin diz. "Tente gesticular para cada um de seus pretendentes, ou levantando um primeiro braço, em seguida, o outro braço e, finalmente, ambos a quinta. "Cada movimento deve ser elegante e régio. Você quer mostrar que a Aurora será uma rainha maravilhosa algum dia. "

Fique no topo do manège
A variação termina com um desafiante manège de rápidos coupés jetés e giros de piqué, uma expressão de alegria e energia desenfreadas - que pode se sentir como um choque após o ritmo vagaroso das seções precedentes. "Não fique atrás da música!", Diz Hyltin. "É difícil, porque você está exausto, mas se você está tentando pegar a última seqüência de piqué, você ficará muito tonto. Tente ficar um pouco à frente da batida nos coupés jetés. "E quando você terminar, respire fundo. "Depois deste solo, você via ter a sensação de ter terminando a apresentação", diz Hyltin, rindo. "Algumas das partes mais difíceis estão bem na frente,  relaxe e aproveite. "

Fonte: http://pointemagazine.com

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Bailarina e mãe: podemos ser ambos?

Oi Gente!

Charlotte Vincent do teatro da dança de Vincent trabalha com bailarinas  que enfrentam a questão da maternidade.

Como praticante feminista, ela tenta rejeitar os estereótipos de gênero e dança no trabalho que ela faz: "Sempre estou interessada em ver atrizes/bailarinas fortes e que são fisicamente poderosas e emocionalmente expressivas.

Como uma diretora artística que trabalhei nas artes por duas décadas eu enfrento atualmente alguns questionamentos desafiadoras dentro da companhia com os bailarinos que querem criar famílias assim como um novo trabalho. Estou descobrindo que as questões sobre gravidez, maternidade e dança são tão complicadas, complexas e emocionalmente exigentes como o processo de fazer o trabalho em si.

Bebês e ter uma carreira criativa
As bailarinas geralmente dedicam 100% de seu tempo e energia ao processo criativo e às demandas de um estilo de vida em turnê. Ter um estilo de vida transitório torna-se normal e as expectativas em torno da família e parceiros são limitadas, isso é consequência pelo estilo de vida que escolhemos como artistas.

À medida que amadurecemos o relógio biológico entra em ação, algumas bailarinas percebem que deixaram a maternidade tarde demais e algumas decidem que não querem filhos, preferindo a vida na estrada.

Mas o que acontece com aqueles que optam por fazer as duas coisas? Como a dança pode apoiar esses dois atos criativos como uma tandem (bicicleta com dois lugares, onde as pessoas podem pedalar juntas) - fazendo bebês e trabalhando?

A bailarina é geralmente uma pessoa que se preocupa com seu corpo e a função dele para toda vida adulta. O processo de  engravidar para quem já teve o histórico de transtornos alimentares, baixo peso e trabalhos exaustivos,  pode ser frustrante, debilitante e doloroso.

A questão de engravidar enquanto ainda está realizando um trabalho, pode causar um aborto espontâneo. O resultado é do excesso de esforço, especialmente em mães mais velhas. O tipo de trabalho que os bailarinos se envolvem irá também determinar a sua decisão de continuar com ele ou não.

Saltando sobre 120 cadeiras ou caindo sobre um piso de ardósia, você pode pensar duas vezes sobre colocar você e a saúde do seu bebê em risco.

As mulheres que trabalham como bailarinas freelancer têm decisões difíceis a fazer em engravidar. Se pararem de dançar, elas param de ganhar dinheiro - algumas mulheres que não tem relacionamentos estáveis ​​podem optar por não continuar com a gravidez nessas circunstâncias.

Alguns freelancers com parceiros capazes de suportar a aventura da maternidade podem tornar-se financeiramente dependentes pela primeira vez em suas vidas - um ajuste emocional e psicológico difícil para feministas!

Se trabalhar PAYE, as bailarinas recebem uma ajuda de custo para maternidade. No entanto, empregos de dança contemporânea em tempo integral com todos os benefícios não estão amplamente disponíveis na cena de dança experimental do Reino Unido, é limitado dentro da cena contemporânea .

Estamos trabalhando menos do que o habitual por causa das visitas semanais dos parceiros das bailarinas e de seus bebês ao estúdio. Emocionalmente, o dançarino está descobrindo que o sono das noites quebradas com um bebê na época dentição inibe seu tempo de recuperação das noites de sono perdidas, o que pode levar ao cansaço acumulado.

Como precaução, a VDT empregou um sub-estudo totalmente pago para aprender seu papel, pela primeira vez na história da empresa. Arts Council England apoiou este modelo.

Para evitar a perda de nossas melhores bailarinas maduras para  maternidade, devemos fornecer apoio consistente e apropriado para encorajar as mulheres de volta ao trabalho ou vamos criar um ambiente de dança britânica dominada por homens e artistas femininas mais jovens, cujo trabalho é válido, mas talvez carece de profundidade emocional. As muitas maneiras práticas de fazer isso podem ser consideradas e projetadas para cada empresa / indivíduo envolvido, mas podem se beneficiar da política ACE.

Juntamente com estas responsabilidades organizacionais, no entanto, são as considerações do indivíduo e como ela gerencia a mudança psicológica e emocional de artista para mãe e vice-versa. Disseram-me que depois de ter um filho, você muda a sua visão do mundo.

Fonte: https://www.theguardian.com

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