O que é "sentir o chão", e o que realmente significa para dançarinos de ballet.

Essa matéria é da Pointe Magazine, e achei bem interessante o tema para ter aqui no blog!

“Você está sentindo o chão?” Se você ganhasse dinheiro cada vez que ouvisse um professor dizer isso, você poderia comprar um novo par de sapatilhas de ponta todos os dias para o resto da vida. 

Mas o que realmente significa “sentir o chão” no contexto do balé? Pointe Magazine perguntou aos especialistas  "como você pode sentir o chão", ou seja no palco, na escola, no estúdio ou em casa.

Como em qualquer relacionamento interpessoal, a sua dança interage com o solo, e dependerá da qualidade do solo para dar uma resposta positiva ou negativa.

Como disse Chrissy Ott, da Harlequin Floors, “Harlequin oferece várias opções de sistemas de piso com molas que diferem na construção, cada um criando uma sensação diferente para os dançarinos”. Pode-se esperar que cada superfície de vinil marley em que você dançará durante na sua carreira vai distinguir no amortecimento, durabilidade e "aderência" (tração). Bailarinos clássicos, especialmente as que usam ponta, tendem a preferir superfícies macias com alguma tração.

Isso quer dizer: que se você quiser sentir o chão, mesmo em um estúdio que lhe é familiar, você terá que prestar mais atenção. “Se o estúdio estúdio estiver mais quente, o chão fica mais pegajoso”, diz Jared Redick, reitor interino de dança da Escola de Artes da Universidade da Carolina do Norte em Winston-Salem, Carolina do Norte. “Quando fica mais frio, fica um pouco mais liso.”  No início do seu aquecimento, preste atenção ao nível de aderência e suporte do solo. Dessa forma, você saberá se deve colocar mais ou menos força em suas posturas e poderá avaliar como pode fazer o movimento parecer mais claro ou suave. 

Concentração sensorial

Como as bunheads (pessoa que se dedica ou dedicou a sua vida  ao balé) sabem que ao sentir o chão,  fica muito mais difícil depois calçar as botas. Shaye Firer do American Repertory Ballet em New Brunswick, New Jersey, acha que sentir o chão através das sapatilhas de ponta é realmente mais fácil quando em movimento. “Quando estou na ponta, posso sentir o chão com bastante facilidade através do box da sapatilha”, diz ela. “Quando estou de pé ou fazendo um tendu com a sapatilha de ponta, é muito mais difícil sentir o chão através das solas dos meus pés.” Se você estiver tentando se articular através das sapatilhas e sentir o chão abaixo de você, tente remover parte ou todo o acolchoamento da sapatilha de ponta. Ou siga a sugestão de Redick: dê a si mesmo exercícios extras de articulação dos pés para fazer antes do início da aula de pontas.

Estilo e Suporte

Por que os professores não param de apalpar o chão? Como Redick diz: “Quando julgo competições como o YAGP, posso ver  a diferença entre os dançarinos, os que têm o entendimento de como usar o chão e os que não têm. A falta de integração cinética e coesão realmente lhe dá um pouco de ansiedade - é como se fosse um gato no piso de gelo. ”

A segunda razão pela qual os bailarinos devem se concentrar no chão é simples: segurança. Firer diz que articular cada centímetro do pé no chão e fora dele ajuda a prevenir uma série de problemas, sejam imediatos (torcer o tornozelo) ou crônicos (problemas nos joelhos, tendinite de Aquiles). Sem mencionar que “você ganha mais força nos pés e tornozelos, o que significa que você está menos sujeito a lesões”.

À medida que você aprofunda a sua conexão com o chão, você se tornar mais criterioso sobre a superfície em que está dançando. Como diz Ott, “É um equívoco comum pensar que um piso para esportes atenderá às necessidades dos dançarinos”. Mas os pisos que não são especificamente projetados para a dança tendem a ser mais difíceis e escorregadios.

Como os calçados de dança não oferecem tanto suporte quanto um calçado atlético, os dançarinos precisam de um piso que amortece ativamente, protegendo as articulações e ligamentos. 

Fonte: https://pointemagazine.com

Whats app: (11) 9.9134.8006

Loja virtual: http://www.modaballet.com.br

Instagram:  moda_ballet

Facebook: facebook.com.br/modaballet.com.br

Loja física: Rua Paulo Eiró, 156 – Centro de Ofertas – Santo Amaro – São Paulo

Máscaras de proteção para aula de dança.

 

De cabeças de rato do tema O Quebra-Nozes a máscaras de Jabbawockeez, a maioria dos dançarinos tem experiência em apresentações com roupas ou acessórios restritivos. Mas à medida que fazemos a transição de ter aulas em casa durante a pandemia de COVID-19 para compartilhar um estúdio com outras pessoas, as máscaras não são apenas um acessório de fantasia: elas são uma ferramenta de saúde necessária.

Embora as máscaras não substituam outras medidas de prevenção COVID-19 que temos seguido há meses, como o distanciamento social e a prática de higiene das mãos, os Centros de Controle e Prevenção de Doenças recomendam que as pessoas usem máscaras faciais ou coberturas faciais de tecido em qualquer ambiente público ou instância onde é difícil manter pelo menos um metro e oitenta de distância social - e isso inclui o estúdio de dança.

Conversamos com especialistas médicos e fabricantes de roupas de dança sobre o que procurar em uma máscara protetora para dança.

Por que as máscaras são obrigatórias

O COVID-19 se espalha principalmente por meio de gotículas respiratórias e aerossóis produzidos quando uma pessoa infectada fala, tosse ou espirra. Cobrir o nariz e a boca é uma das coisas mais fáceis que você pode fazer para prevenir a disseminação de COVID-19 e manter seus colegas dançarinos seguros, diz a Dra. Nita Bharti, especialista em doenças infecciosas do Center for Infectious Disease Dynamics em Penn State Universidade.

O objetivo de usar uma máscara é proteger outras pessoas de suas próprias gotículas respiratórias, diz a Dra. Charlotte Baker, professora assistente de epidemiologia da Virginia Tech. Todos no estúdio devem usar máscara, porque as pessoas podem carregar e espalhar o COVID-19 sem apresentar nenhum sintoma. “Quanto mais pessoas usam máscaras, mais seguros todos ficam”, diz ela.

As máscaras são particularmente importantes quando você está dentro de casa, porque há menos fluxo de ar para que as gotículas respiratórias se dispersem. Se você estiver em um estúdio de dança coberto fechado, por exemplo, suas gotas ficarão essencialmente confinadas a essa sala, diz Bharti. Sem mencionar que você tende a respirar mais pesado durante os exercícios físicos, o que significa que espalha ainda mais gotas, diz Baker.

Manter o nariz e a boca cobertos durante um dia de ensaios e aulas traz seus desafios, mas vale a pena para sua saúde a longo prazo. "Mesmo se você for jovem e saudável, esse vírus pode fazer coisas horríveis, com efeitos duradouros que podem realmente ter um resultado negativo em sua carreira de dança", diz Bharti.

Encontre o tecido certo

A sua máscara deve ser respirável para que você ainda possa se esforçar, mas espessa o suficiente para parar suas gotas respiratórias. Baker recomenda um teste de tecido simples: coloque a máscara, mantenha a mão de 15 a 25 centímetros do rosto e respire fundo. Se você pode sentir o ar em sua mão ao expirar, sua máscara não é espessa o suficiente, diz ela.

Já que sua máscara ficará próxima ao rosto por longos períodos de tempo, opte por tecidos naturais, como bambu e algodão, em vez de tecidos artificiais como o poliéster, diz Luis Guimarães, CEO e cofundador da empresa de dancewear Ballet Rosa. As máscaras Ballet Rosa são feitas de uma mistura de bambu e algodão elástico, que são tecidos naturais que funcionam bem na filtragem de partículas ao mesmo tempo que permitem a respirabilidade.

Foco no ajuste

De uma perspectiva prática, sua máscara precisa cobrir seu nariz, boca e queixo, sem lacunas por onde as gotas respiratórias possam escapar facilmente, diz Baker. “O mais importante é que você só quer ter certeza de que se encaixa no seu rosto”, diz ela.

Esses detalhes são importantes porque, depois de colocar sua máscara, você não deve mexer com ela ou removê-la. Tocar na parte externa da máscara pode causar contaminação.

Lave bem a sua máscara

Muitas máscaras de tecido destinadas a exercícios são tratadas com agentes antimicrobianos para afastar os germes do suor. A máscara facial B-Safe de Bloch, por exemplo, é feita de uma mistura de algodão-poliéster projetada para controlar o odor e manter o tecido fresco enquanto você dança, explica Cathy Radovan, COO da Bloch. A Under Armour Sportsmask, outra escolha popular para atletas, tem um forro de tecido interno que absorve o suor e impede o crescimento de bactérias na máscara.

Mesmo com essas características especiais, é importante lavar a máscara após cada uso ou quando ela ficar visivelmente suja. O CDC sugere lavar a máscara na máquina com sabão comum e água morna e secá-la na configuração de calor mais alta.

Mantenha sua máscara em um saco plástico ou de papel quando não estiver usando para evitar mais contaminação. Se você dança na maioria dos dias, convém ter mais de uma máscara, para que possa sempre ter uma máscara limpa pronta.

Faça um "ensaio geral"

Praticar exercícios com máscara exige prática, assim como tudo na dança, diz Baker. É totalmente seguro cobrir o nariz e a boca com um tecido enquanto dança ou se exercita, mas é de se esperar um pequeno desconforto, diz ela.

A pesquisa sugere que as máscaras e coberturas faciais podem aumentar o "esforço respiratório" durante o exercício, mas não a um grau que afete seu desempenho, explica o Dr. William O. Roberts, médico de família e medicina do esporte de atenção primária e professor da Universidade de Minnesota, que foi presidente do Conselho Americano de Medicina Esportiva. “Você não terá problemas com oxigenação, aumento de retenção de CO2 ou qualquer coisa assim”, diz ele.

Se você está tendo dificuldade para respirar, ou se sente falta de ar enquanto dança, isso é um sinal de que você precisa de uma máscara diferente, diz Baker. Você pode querer explorar um tecido mais respirável que ainda seja eficaz ou um ajuste alternativo que permite que você obtenha mais oxigênio, diz ela. (Lembre-se de que usar máscara ou cobertura facial pode ser perigoso para pessoas com problemas de saúde que afetam a respiração, como asma, diz ela. Converse com seu médico se não tiver certeza de qual é a melhor opção para você.)

Whats app: (11) 9.9134.8006

Loja virtual: http://www.modaballet.com.br

Instagram:  moda_ballet

Facebook: facebook.com.br/modaballet.com.br

Loja física: Rua Paulo Eiró, 156 – Centro de Ofertas – Santo Amaro – São Paulo

Balé no Brasil

A primeira-bailarina do Municipal do Rio, Madeleine Rosay, ilustrando propaganda em 1942.

 

Acredita-se que o primeiro balé feito no Brasil foi dirigido por Lacombe e apresentado no Real Teatro de São João, Rio de Janeiro, em 1813. Um século depois, a atuação da companhia de Diaghilev (com Nijinski, Massine, Tamara Karsavina e Lidia Lepokova), no Teatro Municipal do Rio de Janeiro, seguida da visita da Companhia de Ana Pavlova, deu início a um permanente interesse pelo balé no Brasil.

A escola de dança do Teatro Municipal foi fundada em 1927 por Maria Oleneva, e ali se formaram Madeleine Rosay, Leda Yuqui, Berta Rosanova, Carlos Leite, Marília Gremo e outros.^[1] Foram criados outros corpos de baile por Vaslav Veltcheck em São Paulo, onde avultam os nomes dos bailarinos Alexander Yolas, Juliana Yanakieva e Yuco Lindberg; por Aurélio Milloss, denominado balé do IV Centenário, com Raul Severo, Edith Pudelko e Addy Ador; por Carlos Leite e Sansão Castelo Branco, denominado Balé da Juventude, em que surgem Tamara Capeller e Ilma Lemos Cunha; e por Tatiana Leskova, Nina Verchinina, Dalal Achcar, com o Balé do Rio de Janeiro.

Entre os bailarinos brasileiros da modernidade, cumpre citar Davi Dupré, Aldo Lotufo, Marcia Haydée, Marcos Veniciu, Beatriz Consuelo, Sandra Dicken, Dennis Gray, Alice Colino, Ana Botafogo, e Noêmia Wainer. Quantos aos compositores que contribuíram com partituras originais, temos Villa-Lobos, Lorenzo Fernande, Luís Cosme, Alberto Nepomuceno, Heckel Tavares, Cláudio Santoro.

Na cenografia, destacam-se os nomes de Di Cavalcanti, Burle Marx, Nilson Penna, Belá Paes Leme, Darci Penteado e Fernando Pamplona. Outros autores, e até poetas,(- parei aqui) como Manuel Bandeira e Vinicius de Moraes, apesar de não serem associados ao balé, em determinado momento contribuíram com libretos em português. As obras mais estimadas do balé brasileiro são Uirapuru, Zuimaalúti, O Garatuja, O Descobrimento do Brasil, Maracatu de Chico Rei e Salamanca do Jarau.

Whats app: (11) 9.9134.8006

Loja virtual: http://www.modaballet.com.br

Instagram:  moda_ballet

Facebook: facebook.com.br/modaballet.com.br

Loja física: Rua Paulo Eiró, 156 – Centro de Ofertas – Santo Amaro – São Paulo

Cirque du Soleil Entertainment Group anuncia a volta aos palcos

Montreal, 21 de Abril de 2.021

 Cirque du Soleil Entertainment Group ("Cirque du Soleil"), produtora e líder mundial de entretenimento ao vivo, marca um momento importante na história.

O sol do Cirque du Soleil está nascendo e a empresa orgulhosamente anuncia a reabertura de quatro de seus shows mais icônicos, depois de ficar fechado por mais de um ano devido à pandemia. “O” no Bellagio e Mystère na Ilha do Tesouro vai reabrir no verão Norte Americano,  em Las Vegas. E também haverá shows itinerantes, KOOZA será apresentado em Punta Cana, República Dominicana, a partir de novembro de 2021, enquanto LUZIA será reaberta no Royal Albert Hall de Londres em janeiro de 2022. Além disso, o show afiliado do Grupo Blue Man Group retornará ao Luxor Hotel and Casino em Las Vegas.

“Este é o momento que todos esperávamos”, disse Daniel Lamarre, presidente e CEO do Cirque du Soleil Entertainment Group. “Quase 400 dias se passaram desde que tivemos que fazer um hiato temporário, e estávamos aguardando ansiosamente nosso retorno aos palcos. Estou muito orgulhoso da resiliência de nossos artistas e funcionários que perseveraram durante os momentos mais desafiadores com palcos escuros ao redor do mundo por tanto tempo. Mal posso esperar para ver as luzes se acenderem. ”

O intervalo acabou!

O Cirque du Soleil trouxe admiração e alegria a mais de 365 milhões de espectadores em mais de 90 países desde seu início em 1984. Hoje, o Cirque du Soleil surge para continuar sua missão de cultivar a criatividade e compartilhar a esperança e a alegria que o entretenimento ao vivo traz.

Mystère retornará ao seu palco na Ilha do Tesouro em 28 de junho de 2021, e “O” marcará sua primeira apresentação em 1º de julho de 2021. Os ingressos estão disponíveis a partir das 12:00 h PT de hoje.

LUZIA retornará com um noivado no Royal Albert Hall em Londres a partir de 12 de janeiro de 2022, enquanto KOOZA será apresentado sob o icônico Big Top em Punta Cana, República Dominicana a partir de 25 de novembro.

Também retornando a Las Vegas está o Blue Man Group com apresentações a partir de 24 de junho de 2021. Os ingressos estarão à venda em 29 de abril.

Os ingressos podem ser comprados online em:

www.cirquedusoleil.com/o

www.cirquedusoleil.com/mystere

www.blueman.com/las-vegas/buy-tickets

Além disso, o Cirque du Soleil Events and Experiences, o fornecedor internacional de soluções de conteúdo artístico e criativo totalmente integrado da empresa está aumentando suas operações. Por quase 20 anos, o Cirque du Soleil Events + Experiences criou e produziu projetos únicos para alguns dos eventos mais prestigiosos do mundo, com clientes nos setores público e privado em todo o mundo.

"Este é apenas o começo e estamos ansiosos para compartilhar mais notícias empolgantes nas próximas semanas ”, acrescentou Daniel Lamarre.

Para obter mais informações sobre os horários atuais dos shows, informações sobre ingressos, bem como nossas medidas de saúde e segurança, visite cirquedusoleil.com. Junte-se ao Cirque Club em cirqueclub.com para receber acesso antecipado aos melhores lugares, promoções de parceiros e informações privilegiadas sobre o mundo do Cirque du Soleil. Para obter informações sobre o Blue Man Group, visite blueman.com.

O Cirque du Soleil gostaria de enviar um agradecimento especial aos seus parceiros Air Canada, Mastercard, Realtor.com, SAP e Sun Life Global Investments por seu apoio contínuo e por ajudar a modelar um presente inspirador e um futuro ainda mais brilhante juntos.

Sobre o Cirque du Soleil Entertainment Group

O Cirque du Soleil Entertainment Group é líder mundial em entretenimento ao vivo. Além de produzir shows de artes circenses de renome mundial, a organização canadense traz sua abordagem criativa para uma grande variedade de formas de entretenimento, como produções multimídia, experiências imersivas, parques temáticos e eventos especiais. Indo além de suas várias criações, o Cirque du Soleil Entertainment Group tem como objetivo causar um impacto positivo nas pessoas, comunidades e no planeta com suas ferramentas mais importantes: criatividade e arte. Para obter mais informações sobre o Cirque du Soleil Entertainment Group, visite CDSentertainmentgroup.com.

Fonte: Caroline Couillard -Chefe global de Relações Públicas, Relações Públicas e CSR

Grupo de entretenimento do Cirque du Soleil

Whats app: (11) 9.9134.8006

Loja virtual: http://www.modaballet.com.br

Instagram:  moda_ballet

Facebook: facebook.com.br/modaballet.com.br

Loja física: Rua Paulo Eiró, 156 – Centro de Ofertas – Santo Amaro – São Paulo

Usando a física para explicar "posicionamento centrado" e como isso pode afetar sua longevidade na dança

Será que a ciência da dança pode ajudar a prolongar sua carreira artística?

E se dissessem a você que algumas mudanças no seu alinhamento e, especificamente, um uso mais direcionado dos isquiotibiais, poderia fazer uma grande diferença? E que essa mudança pode fortalecer sua dança e impactar na longevidade. 

Os músculos estão mais disponíveis para serem solicitados para disparar a energia e  conservar a mesma  ao executar o movimento (assim a resistência é aumentada) e a consistência nos equilíbrios, voltas, saltos e linhas podem ser alcançada mais facilmente.

Com o físico da dança Dr. Kenneth Laws o trabalho foi focado principalmente no alinhamento e colocação do peso. Usando uma barra eletrônica (que usa o peso da mão para medir várias forças), descobrimos que a distribuição uniforme do peso sobre um eixo vertical (a perna de apoio) resultou em um centro mais estável, o que se traduziu em dançarinos com maior liberdade de movimento. O alinhamento partindo desse posicionamento centralizado significava que o corpo geralmente era unido por músculos opostos.

Depois de 25 anos usando o estúdio de balé como um laboratório, testando e apurando o conceito de "posicionamento centralizado" que não era uma ideia,  no entanto, a combinação da ciência com o balé dá ao conceito uma nova vida e significado, e é a base desse alinhamento. 

Mas qual  exatamente o significado do "posicionamento centralizado"?

Quando se usa a palavra "centrado", quer dizer estar verticalmente próximo a um eixo centralizado (seja em um ou dois pés), o que implica trabalhar com a gravidade. Lembre-se de que a força da gravidade puxa o corpo verticalmente em direção à terra; se o peso estiver centralizado, haverá menos pressão sobre os ossos e músculos.

Primeiro,  como ? Basicamente, é um processo de duas etapas. Lembre-se de que queremos atingir a verticalidade com todo o corpo.

Imagine-se na quinta posição de frente para o espelho, as pernas estão em linhas diagonais e a força da gravidade passa por uma linha reta vertical imaginária que passa pelo centro do corpo, da cabeça aos pés.

Da quinta posição, faça um battement tendu à la seconde. Tendo em mente que a gravidade corre verticalmente para baixo.

Como fazemos isso com a perna de apoio?

Simplificando, a fim de criar equilíbrio e estabilização, você deve deslocar seu peso para o meio do pé de apoio (onde o tornozelo e o pé se encontram), em oposição à planta do pé. Ao fazer isso, você naturalmente ativa seus tendões e adutores, e os quadríceps não precisam fazer todo o trabalho para evitar que o corpo tombe. A sensação é de que o peso está no calcanhar.

O corpo funciona com mais eficiência quando mais próximo de um esqueleto anatômico neutro (vertical). Ficar em pé sobre uma perna diagonal com todo o peso no ante pé não garante isso. Quando os músculos estão mais próximos de sua posição de repouso, eles são muito mais capazes de se contrair. Na diagonal, os isquiotibiais são alongados, o joelho é empurrado para trás e os músculos de desvio não estão sendo usados ​​ao máximo.

Centralização da frente para trás

O posicionamento centralizado é bidimensional. Você acabou de experimentar o deslocamento de seu peso lateralmente da quinta posição para uma postura mais vertical de uma perna diagonal. Essa é a etapa um, centralização lado a lado. A etapa dois envolve a centralização da frente para trás, vista de uma perspectiva de perfil.

Ao passar da quinta posição para uma perna, seu peso não só precisa se deslocar para os lados, mas também para cima e para frente. Isso significa que você realmente precisa usar os isquiotibiais (parte posterior das pernas), adutores (músculos da parte interna da coxa, para estabilizar) e músculos de desvio (rotadores externos). Os quadríceps (músculos da frente da coxa) devem ser contraídos para levantar a rótula. A cintura escapular fica diretamente sobre a cintura pélvica.

Volte para a sua quinta posição, desta vez se vendo de perfil. Ambos os quadris devem estar perpendiculares à barra. As nádegas não são dobradas para baixo, o que mantém a curva lombar natural.

Coloque o corpo em uma quinta posição, "parecendo" que o peso do corpo está localizado no centro. Minha aposta é que a perna de trás está suportando uma boa porcentagem do peso. Faça um tendu lateral: o peso na perna de apoio provavelmente se desloca para trás, o joelho é travado para trás, a pelve e a parte superior do corpo inclinam-se para a frente e os quadríceps se unem para manter o equilíbrio.

A solução: para começar, desloque seu peso para a frente na quinta posição para que ambas as pernas possam virar para fora. As nádegas da parte de trás parecerão uniformes e a parte interna do quadril não será empurrada para trás.

Estendendo a perna para a frente, para o lado ou para trás, os isquiotibiais precisam trabalhar com os rotadores para manter o peso "para cima e para frente" enquanto se deslocam lateralmente em direção a meia ponta.  Dessa forma, a perna de apoio não se torce, protegendo joelhos, quadris e tornozelos. A verticalidade é mantida!

A obtenção desse alinhamento centralizado promove o uso eficiente dos músculos, traduzindo-se em um equilíbrio, rotação externa, rotação e salto mais bem-sucedidos. E o grande bônus é que reduzirá o risco de lesões e promoverá a longevidade da dança nos próximos anos.

Fonte: https://www.pointemagazine.com

Whats app: (11) 9.9134.8006

Loja virtual: http://www.modaballet.com.br

Instagram:  moda_ballet

Facebook: facebook.com.br/modaballet.com.br

Loja física: Rua Paulo Eiró, 156 – Centro de Ofertas – Santo Amaro – São Paulo

História da Dança

A dança é uma das três principais artes cênicas da antiguidade, ao lado do teatro e da música. No antigo Egito já se realizavam as chamadas danças astro-teológicas em homenagem a Osíris. Na Grécia, a dança era frequentemente vinculada aos jogos, em especial aos olímpicos. A dança caracteriza-se pelo uso do corpo seguindo movimentos previamente estabelecidos (coreografia) ou improvisados (dança livre). Na maior parte dos casos, a dança, com passos ritmados ao som e compasso de música e envolve a expressão de sentimentos potenciados por ela.

A dança pode existir como manifestação artística ou como forma de divertimento ou cerimonia. Atualmente, a dança manifesta-se nas ruas, em eventos como videoclipe ou em qualquer outro ambiente em que for contextualizado o propósito artístico.

No dia 29 de abril comemora-se o Dia Internacional da Dança.

O surgimento da dança, se deu ainda na Pré-História, quando os homens batiam os pés no chão e com o passar do tempo, foram dando mais intensidade aos sons, descobrindo que seriam capazes de criar outros ritmos, conciliando os passos com as mãos, através das palmas.

A história da dança cênica representa uma mudança de significação dos propósitos artísticos através do tempo.

Com o Balé Clássico, as narrativas e ambientes ilusórios é que guiavam a cena. Com as transformações sociais da época moderna, começou-se a questionar certos virtuosismos presentes no balé e começaram a aparecer diferentes movimentos de Dança Moderna. É importante notar que nesse momento, o contexto social inferia muito nas realizações artísticas, fazendo com que então a Dança Moderna Americana acabasse por se tornar bem diferente da Dança Moderna Europeia, mesmo que tendo alguns elementos em comum.

A dança contemporânea como nova manifestação artística, sofrendo influências tanto de todos os movimentos passados, como das novas possibilidades tecnológicas (vídeo, instalações). Foi essa também muito influenciada pelas novas condições sociais - individualismo crescente, urbanização, propagação e importâncias da mídia, fazendo surgir novas propostas de arte, provocando também fusões com outras áreas artísticas como o teatro por exemplo.

Dança e Saúde

Dançar pode auxiliar no tratamento de doenças como diabetes, síndrome do pânico, transtorno bipolar, depressão. A dança pode ser considerada um remédio que melhora a saúde física e mental.

Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Dan%C3%A7a

Whats app: (11) 9.9134.8006

Loja virtual: http://www.modaballet.com.br

Instagram:  moda_ballet

Facebook: facebook.com.br/modaballet.com.br

Loja física: Rua Paulo Eiró, 156 – Centro de Ofertas – Santo Amaro – São Paulo

Teatro La Scala Ballet

 

A Companhia de ballet do Teatro alla Scala tem um passado glorioso que remonta aos séculos anteriores à inauguração em 1778 do teatro musical mais famoso do mundo, que ainda é sua casa hoje. Mesmo antes da fundação da Academia Real Imperial de Ballet do Scala em 1813, coreógrafos eminentes como Gasparo Angiolini e Salvatore Viganò tiveram grande influência no ballet europeu. Em seguida, o ilustre professor e teórico, Carlo Blasis, introduziu o ballet no ambiente romântico, contribuindo assim para a inovação técnica de seu estilo. Enrico Cecchetti levou o estilo italiano de ensino de técnica acadêmica para a Rússia, de onde evoluiu ao redor do mundo graças aos Ballets Russes de Sergei Diaghilev, ao qual ingressou antes de encerrar sua carreira no La Scala.

E assim, a companhia de ballet La Scala entrou no século XX, graças também a notáveis ​​coreógrafos da companhia de Diaghilev, como Mikhail Fokin e Léonide Massine. Novos nomes chegaram dos mundos da dança livre e expressionista da Europa Central, nomes como Aurel Milloss, a quem Arturo Toscanini encarregou-se de reconstruir a Companhia após a Segunda Guerra Mundial. Para seu repertório, Milloss convidou grandes músicos e consagrados cenógrafos e pintores, além de ilustres convidados como George Balanchine. Nas décadas de 1950 e 1960, o La Scala tornou-se um palco aberto às estrelas do mundo do balé. Os coreógrafos Roland Petit e Maurice Béjart estrearam em 1963 e 1971 respectivamente, enquanto os étoiles incluíam Carla Fracci, Liliana Cosi, Luciana Savignano, Paolo Bortoluzzi. As participações especiais foram feitas por Margot Fonteyn e Yvette Chauviré, bem como Rudolf Nureyev, que se tornou estreitamente associado ao La Scala a partir de 1965, assim como Alessandra Ferri nos anos 1990.

Mais recentemente, a Ballet Company of La Scala ganhou visibilidade internacional, apresentando-se na Opéra de Paris, nos Estados Unidos, no Bolshoi em Moscou e no Teatro Mariinsky-Kirov em São Petersburgo, na Alemanha, Turquia, Brasil, Espanha, México e China. O apelo expressivo e técnico é garantido por nomes de três estrelas: Svetlana Zakharova, Roberto Bolle e Massimo Murru. Mas até mesmo alguns jovens bailarinos principais, solistas e membros do corpo de ballet foram incluídos em papéis principais, inicialmente pela amada Elisabetta Terabust, ex-diretora do La Scala (de 1993 a 1997, e novamente em 2007-2008) que faleceu recentemente, e depois por Makhar Vaziev (de 2009 a 2015), que também optou por convidados internacionalmente muito procurados. Na convicção de que, sobretudo, uma companhia deve primar pelo rigor e pela versatilidade, grandes maestros foram chamados ao pódio para o ballet, mais um atrativo do Teatro e central na vida musical internacional. O italiano Mauro Bigonzetti alternou com Vaziev, ainda que por apenas uma temporada. A partir de outubro de 2016, a direção da Companhia de Ballet voltou a ser confiada a Frédéric Olivieri, anteriormente diretor entre 2002 e 2007. Com energia renovada, ampliou a hierarquia e, hoje, entre os principais bailarinos encontram-se Nicoletta Manni, Claudio Coviello, Virna Toppi, Martina Arduino e Timofej Andrijashenko, enquanto alguns dos solistas incluem nomes como Massimo Garon, Marco Agostino, Vittoria Valerio, Federico Fresi, Alessandra Vassallo, Christian Fagetti, Nicola Del Freo e Maria Celeste Losa. Das fileiras do corpo de balé, estão surgindo jovens dançarinos, treinados na Escola de Balé, que é a - mas não só - principal fonte de novos membros da Companhia, enquanto também entradas de destaque são frequentemente reservadas para "dançarinos adicionais". Olivieri está trabalhando para complementar o repertório acadêmico com criações dedicadas à Companhia de Ballet de La Scala: de fato, uma grande Companhia se distingue pelo cuidado e atenção que dedica aos seus jovens talentos e por sua capacidade de se projetar para o ballet que reflete nossos tempos .

Fonte: https://www.teatroallascala.org/en/la-scala/theatre/ballet-company/history.html

Whats app: (11) 9.9134.8006

Loja virtual: http://www.modaballet.com.br

Instagram:  moda_ballet

Facebook: facebook.com.br/modaballet.com.br

Loja física: Rua Paulo Eiró, 156 – Centro de Ofertas – Santo Amaro – São Paulo