segunda-feira, 20 de setembro de 2021

Aplicativos de contagem de calorias

 





Buscar controle sobre o incontrolável é um mecanismo de enfrentamento comum que todos usamos quando estamos estressados. Para dançarinos, isso pode se manifestar como uma tendência de analisar em excesso as refeições e monitorar obsessivamente a queima de calorias diárias: quando a ansiedade do peso e da imagem corporal espreita ao lado do infeliz incentivo desses comportamentos em nossa cultura, é fácil dizer: "Ei, deixe-me começar a rastrear minhas calorias para ter certeza de que não estou comendo muito. "

Mas contar com aplicativos para monitorar nosso equilíbrio de energia nos afasta ainda mais da construção de autoconfiança e confiança em nossos corpos - dois componentes principais para um desempenho ideal. Então, como você deve pensar em abastecer seu corpo?

1. Você perderá alimentos nutritivos

Apesar da velha mentalidade de que "uma caloria é uma caloria", nem todas as calorias são criadas da mesma forma. O rastreamento de calorias ou pontos pode influenciar na escolha de opções nutritivas, mas com grande densidade calórica, como nozes, homus e guacamole.

Uma ideia melhor: pare de ficar obcecado por números. Em vez disso, considere o equilíbrio e a variedade. Procure uma mistura de alimentos que forneçam grandes quantidades de proteínas, gorduras e carboidratos. Embora a consciência dos nutrientes possa ajudar a fornecer ao seu corpo as ferramentas de que ele precisa para o desempenho, você não precisa controlar cada grama.

2. Seu corpo é mais inteligente do que um aplicativo

Pode ser reconfortante, inicialmente, ter essa validação externa quando você está tentando controlar seus hábitos alimentares. Um aplicativo, no entanto, não pode medir com precisão sua produção de energia (também conhecida como sua queima diária de calorias), o que pode ser complicado por fatores como demandas metabólicas e necessidades de crescimento.

Uma ideia melhor: você é o seu melhor determinante de quanta energia seu corpo precisa para dançar bem. Em vez de tentar microgerenciá-lo, controle os pensamentos que o levam a buscar essa falsa sensação de conforto. O que você realmente precisa para reduzir sua ansiedade subjacente em relação à comida? Pode significar trabalhar com um terapeuta de saúde mental.

3. Você correrá o risco de esgotamento

De acordo com a pesquisa, aqueles que usam contadores de calorias e rastreadores de condicionamento físico têm um nível geral mais alto de preocupação com sua ingestão de alimentos e corpos. O maior escrutínio de seus hábitos geralmente alimenta sentimentos de fracasso e culpa, especialmente quando padrões irrealistas não são atendidos.

Uma ideia melhor: aprender a respeitar os sinais intuitivos de fome, saciedade e satisfação do seu corpo permite que você escolha alimentos que apoiem o seu bem-estar. Considere trabalhar com um profissional de saúde, como um nutricionista que entende de bailarinas , para construir um plano alimentar sustentável.

Uma ideia alternativa:

Se você está nervoso por deixar de lado as dicas externas de alimentação que um aplicativo fornece, considere trocar sua comida atual e / ou monitor de exercícios pelo Registro de Recuperação. O aplicativo permite que você registre sua comida, mas com um novo foco. Em vez de microgerenciar calorias ou macronutrientes, você deve considerar os aspectos da alimentação consciente: sintonizar-se com os sabores, texturas e aromas dos alimentos. Você também aprenderá a associar seus sentimentos atuais a seus hábitos alimentares.


Fonte: dancemagazine.com



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quarta-feira, 15 de setembro de 2021

Ballet tem outras formas corporais.

 




Em uma indústria com expectativas físicas rígidas, Colleen Werner está abrindo um caminho alternativo - uma experiência de dança adulta que celebra a diversidade corporal. Enquanto estudava para se tornar uma conselheira clínica de saúde mental em Nashville, ela simultaneamente dançava com o Black Sheep Ballet, uma companhia virtual que visa levar o balé a públicos mais diversos. Enquanto isso, no Instagram, ela acumulou mais de 65 mil seguidores por meio de suas postagens positivas sobre o corpo e se tornou uma embaixadora da Gaynor Minden e da Discount Dance Supply.

Por que ela que ser terapeuta:

"Comecei a lutar contra a imagem corporal por volta dos 8 anos, comecei a fazer dieta aos 10 e fui diagnosticado com um transtorno alimentar aos 16. Depois que comecei a recuperação aos 19, me tornei  psicóloga e mais tarde percebi que queria criar um programa de transtorno alimentar para bailarinas. Meus objetivos foram ampliados desde então, mas espero trabalhar principalmente com bailarinas. "

"A dança pode ser uma ótima ferramenta para superar a ansiedade e a depressão, mas também pode ser prejudicial, porque não é um espaço que representa diferentes tipos de corpos."

Como ela ganhou seguidores

"A primeira vez que falei publicamente sobre o balé foi no meu Instagram em 2017. Criei a hashtag #BopoBallerina [Body Positive Ballerina] e ela acabou me elevando de 2.000 para 10.000 seguidores em um mês.

"Comecei a postar mais fotos de dança e as pessoas comentavam que gostariam de ter alguém como eu para seguir quando eram jovens. Os pais me contaram que seus filhos não se encaixavam nas normas do balé, mas minhas fotos fizeram com que parecessem eles pertenciam. "

Como é ser uma embaixadora plus size

"Eu sou a primeira dançarina de tamanho grande a ser uma Gaynor Girl. Desde o início, eles foram muito francos, que tinham as sapatilhas de ponta e acessórios para meu treinamento, porém não tinham roupas de dança do meu tamanho. É ótimo estar em uma posição como essa, porque posso falar com eles sobre ter tamanhos diferentes e fazer roupas de dança mais inclusivas. "

Por que ela acredita que mais informação nas escolas pode fazer a diferença

"Muitos professores e empresas não sabem como a linguagem pode ser prejudicial, ou não percebem o valor de falar sobre a anatomia corretamente, por exemplo, dizer a alguém para 'usar seus músculos abdominais' em vez de 'sugar sua barriga', ou usar o palavra 'rotação' (ativo) versus 'participação' (estagnado - você tem ou não). Nunca seremos capazes de eliminar todos os problemas, mas por meio de terapia e educação, podemos fazer a diferença ."

 A trajetória na dança

"Próximo ao final de 2020, o bailarino do New England Ballet Theatre Brian Syms me contatou, pois estava criando uma companhia virtual para bailarinos que foram expulsos do mundo do balé. O Black Sheep Ballet tem bailarinos com experiências variadas e extremamente talentosos, mas que não encontraram seu lugar. Nossa primeira apresentação foi uma arrecadação de fundos pré-gravada em que dancei uma variação de Mother Goose.

"Eu costumava pensar que, se não me profissionalizasse em uma grande companhia de ballet, não teria valor ou não seria digna de dançar, pois isso não é verdade. A dança é apenas uma parte de quem eu sou."

Fonte: www.dancemagazine.com




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quinta-feira, 26 de agosto de 2021

Breakdance nas Olimpíadas 2024



Breakdance (também conhecido como breaking ou b-boying em alguns lugares) é um estilo de dança de rua, parte da cultura do hip hop criada por afro-americanos e latinos na década de 1970 em Nova Iorque, Estados Unidos, normalmente dançada ao som do hip-hop, funk ou breakbeat.

O breakdancer, breaker, b-boy, ou b-girl é o nome dado a pessoa dedicada ao breakdance e que pratica o mesmo. No inicio, o breakdance era utilizado como manifestação popular e alternativa de jovens para não entrar em gangues de rua, que tomavam Nova Iorque em meados da década de 1970. Atualmente, o breakdance é utilizado como meio de recreação ou competição no mundo.


O Comitê Olímpico Internacional (COI) confirmou  a inclusão do breaking (ou breakdance) na Olimpíada de Paris (França), em 2024. A modalidade será disputada pela primeira vez e é uma das quatro adicionais às 28 tradicionais. As outras adicionais três são surfe, skate e escalada, que já integram o programa de Tóquio (Japão) 2021.

"De alguns anos para cá, o breaking vem evoluindo muito. Desde dançarinos que praticam e se dedicam muito até a galera que organiza eventos e workshops, além das empresas que investem. Isso pode melhorar ainda mais, agora, com a entrada nos Jogos", comentou Pelezinho, um dos principais nomes brasileiros da modalidade, em comunicado à imprensa.

"As pessoas que não têm total conhecimento do que é a dança terão acesso a mais informações sobre o estilo e os movimentos. A visibilidade vai agregar em muitas coisas no futuro. O Brasil tem muita chance de medalhas, mas vai depender de como será formado o comitê e o sistema de disputas", completou o b-boy - como são conhecidos os praticantes de breaking.

Fonte: Wikipedia, https://agenciabrasil.ebc.com.br/

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quarta-feira, 18 de agosto de 2021

Envolvimento do músculo sem enrijecer







Quando você pensa em tensão, pode pensar em uma mandíbula cerrada ou na sensação geral de tensão. Como a resposta do corpo aos estressores físicos e psicológicos, os músculos podem permanecer em um estado parcialmente contraído por longos períodos de tempo, geralmente levando a fadiga e desconforto físico mais rápidos.

No entanto, alguma tensão muscular não é apenas necessária, mas é útil. Seja uma escolha coreográfica ou simplesmente o requisito físico para completar um movimento específico, a tensão - se usada corretamente - pode ser sua aliada. O truque está em encontrar o equilíbrio ideal entre o envolvimento muscular adequado e o uso excessivo.

Identifique sua tensão

Saber quando e como cultivar um bom envolvimento muscular e liberar a tensão inútil começa com o reconhecimento de onde você realmente mantém a tensão em seu corpo. A analista de movimento de Nova York, Deborah Vogel, recomenda o uso de um rolo de espuma para avaliar o que é macio. “Quando você tem tensão crônica, seu corpo começa a desligar o feedback neurológico para que você não sinta tanto”, diz ela. "A massagem com rolo de espuma pode abrir sua consciência somática para ver o que está acontecendo."

Depois de entender onde você tende a ficar tenso, priorize a respiração nesses locais e se mova com eficiência. Aproveite o ímpeto quando apropriado e tire momentos de descanso quando puder. "Mesmo que todo o corpo esteja tenso, sempre há momentos para respirar", diz a professora de balé de Nova York e instrutora de Pilates Sharon Milanese. "Explore constantemente como encontrar comprimento, volume e largura no corpo." 

Mova-se com eficiência

Frequentemente, o excesso de tensão assume a forma de musculação por meio de movimentos que não exigem tanto esforço. “Quando falamos de má tensão, estamos falando de muito envolvimento muscular para a tarefa à nossa frente ou algo que está sendo mantido por muito tempo”, diz Vogel.

Vogel usa o exemplo da correção comum "Puxe os joelhos para cima". Isso pode fazer com que os dançarinos se agarrem nos quadríceps continuamente, o que Vogel equivale a fazer uma rosca bíceps e mantê-lo por uma hora. "Eu os incentivo a pensar em empilhar os ossos", diz ela. Essa forma de pensar sobre o alinhamento - a orelha sobre o meio da articulação do ombro, que fica sobre o meio das articulações do quadril, joelho e tornozelo - requer envolvimento muscular mínimo para se sustentar em pé.

Da mesma forma, Milanese instrui os alunos a moverem-se de sua respiração e seus ossos. “Penso na tensão como uma pressão para baixo ou compressão”, diz ela. "Em vez disso, falo sobre expandir o volume do seu corpo."

Contração de equilíbrio e liberação

Encontrar a quantidade apropriada de engajamento muscular para uma ação específica é uma exploração constante do equilíbrio entre a contração e a liberação de grupos musculares recíprocos. É preciso tentativa e erro. “Quando os músculos estão sendo solicitados a fazer algo, eles devem ligar. Quando não, eles devem desligar”, diz Vogel. Trabalhe para envolver os grupos musculares corretos à medida que aprimora sua técnica.

Quando é uma escolha artística

A tensão muscular pode ser uma ferramenta poderosa para a expressão artística. Isso pode se manifestar por meio de gestos, expressão facial, parceria ou qualquer número de tarefas coreográficas. Mas só porque o movimento tem uma estética de tensão pelo drama ou pela pontuação, não significa que você realmente deva manter um excesso de tensão no corpo. Para o professor de dança e especialista em travas Dennis Danehy, o relaxamento é essencial para dar a impressão de que as articulações estão travando no lugar. “Se você ficar tenso, a energia não se moverá”, diz ele. "Você tem que ser capaz de ficar relaxado." Como outros estilos de rua, como voguing e krumping, o locking utiliza breves momentos de quietude para criar uma estética que dá a ilusão de tensão sem qualquer tensionamento desnecessário. "Você deveria ser capaz de dançar a noite toda", diz Danehy.

Abrace os momentos de tensão e saiba quando deixá-los ir. “Se a coreografia pede tensão, há vai haver tendência para um envolvimento muscular intenso em certos lugares ", diz Milanese, aconselhando os dançarinos a tentarem encontrar uma sensação de musculosidade nos braços e pernas enquanto mantêm uma sensação de respiração ao longo da linha média." Nem tudo tem que estar tenso. Tempo."

Fonte https://www.dancemagazine.com

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segunda-feira, 9 de agosto de 2021

Nado Sincronizado já foi chamado Ballet Aquático

 


A origem do nado sincronizado é um pouco incerta, acredita-se que ele tenha surgido de acrobacias simples na água e que com a evolução delas, teria originado o ballet aquático (um pequeno esboço do que hoje é chamado de nado sincronizado) essa modalidade dotada de extrema plasticidade de movimentos foi ganhando espaço, se aperfeiçoando, até se tornar um desporto oficial. O ballet aquático (como era chamado este desporto na época) era visto apenas nos intervalos de competições de natação.

Em 1891, o desporto começou a ser praticado por alemães durante uma disputa desportiva em Berlim.

A primeira vez que se ouviu o nome oficial como sendo nado sincronizado foi em 1933, durante a Feira Mundial de Chicago. Neste evento, após uma apresentação dos alunos de Katherine Curtis, o nadador medalhista de Norman Ross cunhou o termo "natação sincronizada".

Este desporto apareceu nas Olimpíadas pela primeira vez nos Jogos de 1952, sediados em Helsinque, como evento de demonstração (não ocorreram disputas de medalhas até 1968).O nado sincronizado passou a valer pódios na edição de 1984, celebrada em Los Angeles (fato este que ocorreu dois anos após o Comitê Olímpico Internacional ter inserido a modalidade no programa oficial).

Entretanto, foi nos Jogos Pan-Americanos de 1955 (celebrados na Cidade do México) que este desporto apareceu pela primeira vez em escala global. O nado sincronizado fez sua estreia no programa do Mundial de Desportos Aquáticos da FINA na edição de 1973, em Belgrado.

Extra-oficialmente, este desporto é também conhecido como "natação rítmica", "acrobacias aquáticas" e "natação sincronizada".


Prática no Brasil

Como no Brasil o número de atletas não é muito alto, a Confederação Brasileira de Desportos Aquáticos (CBDA) organizou que as atletas de último ano de uma categoria pode "pular" para a outra, possibilitando a atleta mais jovem de competir na categoria acima (propiciando amadurecimento na prática do desporto e confiança nas disputas em competições).



Fonte: Wikipédia


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quinta-feira, 8 de julho de 2021

O que é "sentir o chão", e o que realmente significa para dançarinos de ballet.

Essa matéria é da Pointe Magazine, e achei bem interessante o tema para ter aqui no blog!





“Você está sentindo o chão?” Se você ganhasse dinheiro cada vez que ouvisse um professor dizer isso, você poderia comprar um novo par de sapatilhas de ponta todos os dias para o resto da vida. 

Mas o que realmente significa “sentir o chão” no contexto do balé? Pointe Magazine perguntou aos especialistas  "como você pode sentir o chão", ou seja no palco, na escola, no estúdio ou em casa.

Como em qualquer relacionamento interpessoal, a sua dança interage com o solo, e dependerá da qualidade do solo para dar uma resposta positiva ou negativa.

Como disse Chrissy Ott, da Harlequin Floors, “Harlequin oferece várias opções de sistemas de piso com molas que diferem na construção, cada um criando uma sensação diferente para os dançarinos”. Pode-se esperar que cada superfície de vinil marley em que você dançará durante na sua carreira vai distinguir no amortecimento, durabilidade e "aderência" (tração). Bailarinos clássicos, especialmente as que usam ponta, tendem a preferir superfícies macias com alguma tração.

Isso quer dizer: que se você quiser sentir o chão, mesmo em um estúdio que lhe é familiar, você terá que prestar mais atenção. “Se o estúdio estúdio estiver mais quente, o chão fica mais pegajoso”, diz Jared Redick, reitor interino de dança da Escola de Artes da Universidade da Carolina do Norte em Winston-Salem, Carolina do Norte. “Quando fica mais frio, fica um pouco mais liso.”  No início do seu aquecimento, preste atenção ao nível de aderência e suporte do solo. Dessa forma, você saberá se deve colocar mais ou menos força em suas posturas e poderá avaliar como pode fazer o movimento parecer mais claro ou suave. 

Concentração sensorial

Como as bunheads (pessoa que se dedica ou dedicou a sua vida  ao balé) sabem que ao sentir o chão,  fica muito mais difícil depois calçar as botas. Shaye Firer do American Repertory Ballet em New Brunswick, New Jersey, acha que sentir o chão através das sapatilhas de ponta é realmente mais fácil quando em movimento. “Quando estou na ponta, posso sentir o chão com bastante facilidade através do box da sapatilha”, diz ela. “Quando estou de pé ou fazendo um tendu com a sapatilha de ponta, é muito mais difícil sentir o chão através das solas dos meus pés.” Se você estiver tentando se articular através das sapatilhas e sentir o chão abaixo de você, tente remover parte ou todo o acolchoamento da sapatilha de ponta. Ou siga a sugestão de Redick: dê a si mesmo exercícios extras de articulação dos pés para fazer antes do início da aula de pontas.

Estilo e Suporte

Por que os professores não param de apalpar o chão? Como Redick diz: “Quando julgo competições como o YAGP, posso ver  a diferença entre os dançarinos, os que têm o entendimento de como usar o chão e os que não têm. A falta de integração cinética e coesão realmente lhe dá um pouco de ansiedade - é como se fosse um gato no piso de gelo. ”

A segunda razão pela qual os bailarinos devem se concentrar no chão é simples: segurança. Firer diz que articular cada centímetro do pé no chão e fora dele ajuda a prevenir uma série de problemas, sejam imediatos (torcer o tornozelo) ou crônicos (problemas nos joelhos, tendinite de Aquiles). Sem mencionar que “você ganha mais força nos pés e tornozelos, o que significa que você está menos sujeito a lesões”.

À medida que você aprofunda a sua conexão com o chão, você se tornar mais criterioso sobre a superfície em que está dançando. Como diz Ott, “É um equívoco comum pensar que um piso para esportes atenderá às necessidades dos dançarinos”. Mas os pisos que não são especificamente projetados para a dança tendem a ser mais difíceis e escorregadios.

Como os calçados de dança não oferecem tanto suporte quanto um calçado atlético, os dançarinos precisam de um piso que amortece ativamente, protegendo as articulações e ligamentos. 


Fonte: https://pointemagazine.com


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terça-feira, 15 de junho de 2021

Máscaras de proteção para aula de dança.

 



De cabeças de rato do tema O Quebra-Nozes a máscaras de Jabbawockeez, a maioria dos dançarinos tem experiência em apresentações com roupas ou acessórios restritivos. Mas à medida que fazemos a transição de ter aulas em casa durante a pandemia de COVID-19 para compartilhar um estúdio com outras pessoas, as máscaras não são apenas um acessório de fantasia: elas são uma ferramenta de saúde necessária.

Embora as máscaras não substituam outras medidas de prevenção COVID-19 que temos seguido há meses, como o distanciamento social e a prática de higiene das mãos, os Centros de Controle e Prevenção de Doenças recomendam que as pessoas usem máscaras faciais ou coberturas faciais de tecido em qualquer ambiente público ou instância onde é difícil manter pelo menos um metro e oitenta de distância social - e isso inclui o estúdio de dança.

Conversamos com especialistas médicos e fabricantes de roupas de dança sobre o que procurar em uma máscara protetora para dança.

Por que as máscaras são obrigatórias

O COVID-19 se espalha principalmente por meio de gotículas respiratórias e aerossóis produzidos quando uma pessoa infectada fala, tosse ou espirra. Cobrir o nariz e a boca é uma das coisas mais fáceis que você pode fazer para prevenir a disseminação de COVID-19 e manter seus colegas dançarinos seguros, diz a Dra. Nita Bharti, especialista em doenças infecciosas do Center for Infectious Disease Dynamics em Penn State Universidade.

O objetivo de usar uma máscara é proteger outras pessoas de suas próprias gotículas respiratórias, diz a Dra. Charlotte Baker, professora assistente de epidemiologia da Virginia Tech. Todos no estúdio devem usar máscara, porque as pessoas podem carregar e espalhar o COVID-19 sem apresentar nenhum sintoma. “Quanto mais pessoas usam máscaras, mais seguros todos ficam”, diz ela.

As máscaras são particularmente importantes quando você está dentro de casa, porque há menos fluxo de ar para que as gotículas respiratórias se dispersem. Se você estiver em um estúdio de dança coberto fechado, por exemplo, suas gotas ficarão essencialmente confinadas a essa sala, diz Bharti. Sem mencionar que você tende a respirar mais pesado durante os exercícios físicos, o que significa que espalha ainda mais gotas, diz Baker.

Manter o nariz e a boca cobertos durante um dia de ensaios e aulas traz seus desafios, mas vale a pena para sua saúde a longo prazo. "Mesmo se você for jovem e saudável, esse vírus pode fazer coisas horríveis, com efeitos duradouros que podem realmente ter um resultado negativo em sua carreira de dança", diz Bharti.

Encontre o tecido certo

A sua máscara deve ser respirável para que você ainda possa se esforçar, mas espessa o suficiente para parar suas gotas respiratórias. Baker recomenda um teste de tecido simples: coloque a máscara, mantenha a mão de 15 a 25 centímetros do rosto e respire fundo. Se você pode sentir o ar em sua mão ao expirar, sua máscara não é espessa o suficiente, diz ela.

Já que sua máscara ficará próxima ao rosto por longos períodos de tempo, opte por tecidos naturais, como bambu e algodão, em vez de tecidos artificiais como o poliéster, diz Luis Guimarães, CEO e cofundador da empresa de dancewear Ballet Rosa. As máscaras Ballet Rosa são feitas de uma mistura de bambu e algodão elástico, que são tecidos naturais que funcionam bem na filtragem de partículas ao mesmo tempo que permitem a respirabilidade.

Foco no ajuste

De uma perspectiva prática, sua máscara precisa cobrir seu nariz, boca e queixo, sem lacunas por onde as gotas respiratórias possam escapar facilmente, diz Baker. “O mais importante é que você só quer ter certeza de que se encaixa no seu rosto”, diz ela.

Esses detalhes são importantes porque, depois de colocar sua máscara, você não deve mexer com ela ou removê-la. Tocar na parte externa da máscara pode causar contaminação.

Lave bem a sua máscara

Muitas máscaras de tecido destinadas a exercícios são tratadas com agentes antimicrobianos para afastar os germes do suor. A máscara facial B-Safe de Bloch, por exemplo, é feita de uma mistura de algodão-poliéster projetada para controlar o odor e manter o tecido fresco enquanto você dança, explica Cathy Radovan, COO da Bloch. A Under Armour Sportsmask, outra escolha popular para atletas, tem um forro de tecido interno que absorve o suor e impede o crescimento de bactérias na máscara.

Mesmo com essas características especiais, é importante lavar a máscara após cada uso ou quando ela ficar visivelmente suja. O CDC sugere lavar a máscara na máquina com sabão comum e água morna e secá-la na configuração de calor mais alta.

Mantenha sua máscara em um saco plástico ou de papel quando não estiver usando para evitar mais contaminação. Se você dança na maioria dos dias, convém ter mais de uma máscara, para que possa sempre ter uma máscara limpa pronta.

Faça um "ensaio geral"

Praticar exercícios com máscara exige prática, assim como tudo na dança, diz Baker. É totalmente seguro cobrir o nariz e a boca com um tecido enquanto dança ou se exercita, mas é de se esperar um pequeno desconforto, diz ela.

A pesquisa sugere que as máscaras e coberturas faciais podem aumentar o "esforço respiratório" durante o exercício, mas não a um grau que afete seu desempenho, explica o Dr. William O. Roberts, médico de família e medicina do esporte de atenção primária e professor da Universidade de Minnesota, que foi presidente do Conselho Americano de Medicina Esportiva. “Você não terá problemas com oxigenação, aumento de retenção de CO2 ou qualquer coisa assim”, diz ele.

Se você está tendo dificuldade para respirar, ou se sente falta de ar enquanto dança, isso é um sinal de que você precisa de uma máscara diferente, diz Baker. Você pode querer explorar um tecido mais respirável que ainda seja eficaz ou um ajuste alternativo que permite que você obtenha mais oxigênio, diz ela. (Lembre-se de que usar máscara ou cobertura facial pode ser perigoso para pessoas com problemas de saúde que afetam a respiração, como asma, diz ela. Converse com seu médico se não tiver certeza de qual é a melhor opção para você.)


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