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terça-feira, 4 de maio de 2021

RAD - Royal Academy of Dance

 





A RAD começou em 1920 em Londres como Associação de Professores de Dança Operatic na Grã-Bretanha.

A RAD nasceu de um encontro de importantes profissionais da dança organizado por Philip Richardson, ex-editor do Dancing Times. Com Adeline Genée escolhida entre seus pares como sua primeira presidente, a Associação lançou seu primeiro currículo no mesmo ano e realizou seus primeiros exames em 1921.

Em 1928 a Rainha Mary se tornou a primeira patrona da Associação, e em 1936 ela se tornou a Royal Academy of Dancing (RAD), após receber sua Carta Real do Rei George V. No ano seguinte, a RAD foi premiada com seu brasão pelo College of Arms.

A  RAD é uma banca examinadora especializada em educação e treinamento em dança, com ênfase em balé clássico. A Rainha Elizabeth II é a sua atual patrona,  e Darcey Bussell foi eleito presidente em 2012, sucedendo Antoinette Sibley, que foi presidente por 21 anos.

 A RAD foi criada com o objetivo de melhorar o padrão de ensino do balé no Reino Unido e, na prossecução desse objetivo, um novo método de ensino e técnica de dança foi concebido para a Academia por um grupo de eminentes bailarinos europeus. A RAD é uma das maiores organizações de dança do mundo, com mais de 14.000 membros em 79 países, incluindo cerca de 7.500 que possuem status de professores registrados. Existem atualmente cerca de 1.000 alunos em programas de treinamento de professores em tempo integral ou parcial com a RAD, e a cada ano cerca de 250.000 candidatos entram nos exames da RAD em todo o mundo.  

Os exames RAD são reconhecidos pelos reguladores de qualificações nacionais de todos os países do Reino Unido (Inglaterra, Escócia, País de Gales e Irlanda do Norte), com exames selecionados também carregando as UCAS para admissão na universidade. A RAD é também uma entidade adjudicante validada do Council for Dance Education and Training. A RAD trabalha em parceria com a International Dance Teachers 'Association. 


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segunda-feira, 3 de maio de 2021

A importância da hidratação.


Nosso corpo é constituído de cerca de 60% a 70% de água. Nosso sangue, músculos, pulmões e cérebro contém bastante água. Beber bastante líquido é vital para a nossa saúde.

 

Entre outras funções, a água:

-Transporta nutrientes e oxigênio através das células;

-Regula a temperatura do corpo;

-Protege nossos órgãos vitais e os ajuda a absorver melhor os nutrientes;

-Ajuda nosso metabolismo;

-Protege e hidrata nossas articulações e células.

 

Todas as células de nosso corpo necessitam de água. Nosso cérebro, por exemplo, consiste em 90% de água, portanto, se não suprimos corretamente a necessidade de água em nosso corpo, nosso cérebro pode não funcionar bem, causando dores de cabeça e enxaqueca.

Falta de água pode causar

-Cansaço;

-Cãibras musculares;

-Ressecamento da pele;

-Constipação;

-Pressão sanguínea irregular;

-Risco de morte, em casos mais graves.

 

A água é considerada o solvente universal e auxilia na liberação das toxinas filtradas pelo rim, através da urina. A escassez de água no organismo pode ser identificada através de alguns sintomas como:

-Mu​cosas secas;

-Pressão baixa;

-Ressecamento de pele;

-Maior concentração da urina, o que a torna mais escassa e mais escura.

 

Não existe consenso sobre a quantidade de água diária que precisamos beber todo dia. Mas sabe-se que pacientes com calculose renal, por exemplo, precisam beber mais água para auxiliar na dissolução dos sais presentes em nosso organismo.

Com a chegada da primavera e o aumento da temperatura, é importante também levar em consideração outras fontes de perda de líquido (como o suor) e beber sempre água o suficiente para sentir-se saciado.

Fonte: https://www.h9j.com.br/

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terça-feira, 16 de maio de 2017

A Bela Adormecida - solo da Princesa Aurora





Fit For a Princess
Hyltin em Aurora's Act I solo (foto de Paul Kolnik)


Oi Gente !

O Ato I o solo da princesa Aurora da "A Bela Adormecida" capta a exuberância juvenil da jovem princesa. Mas do ponto de vista técnico, seus quatro longos minutos tem múltiplas variações. New York  City Ballet  a bailarina principal Sterling Hyltin diz como dominar o estado de espirito e os tempos.

Fique calma
Na maioria das produções, o solo de Aurora acompanha o Rose Adagio - um dos momentos mais estressantes do ballet clássico. Não deixe que a ansiedade te domine . "É bom que o início da variação seja lento e controlado", diz Hyltin. "Eu uso a primeira série de balanços em arabesco para me recompor. Você também pode canalizar a energia restante do Rose Adagio - ela pode ajudá-la a projetar o espírito e a energia jovem da Aurora. "

Torne-se  parte do palco
A variação é mais fácil de obter se você interagir com os outros dançarinos no palco. "Eu gosto de imaginar que estou socializando na minha festa de aniversário", diz Hyltin. "Em teoria, o solo é sobre a Aurora, mas eu tento envolver os outros também. Você está cercado por pretendentes, e eles estão todos se divertindo, contando suas pequenas histórias. Identifique  cada um deles e use sua energia para mantê-los na sua história ".

Envolva-se na música
Criar uma ligação com a pontuação de Tchaikovsky é especialmente útil durante os arabescos de abertura. "Você pode brincar com a subida ou a descida de cada arabesco", diz Hyltin. "Quando você está focada na sua perna, você pode alterar a expressão quando estiver na ponta. Quando as coisas não funcionam tão bem, você pode se divertir no tombé depois. "

Deixe a parte superior do corpo contar a história
Sem port de bras eficaz, a série saltos em pointe na diagonal pode ter a sensação de ser muito longo. "O trabalho com os pés são simples,  nesse momento você pode usar mais a parte superior do corpo," Hyltin diz. "Tente gesticular para cada um de seus pretendentes, ou levantando um primeiro braço, em seguida, o outro braço e, finalmente, ambos a quinta. "Cada movimento deve ser elegante e régio. Você quer mostrar que a Aurora será uma rainha maravilhosa algum dia. "

Fique no topo do manège
A variação termina com um desafiante manège de rápidos coupés jetés e giros de piqué, uma expressão de alegria e energia desenfreadas - que pode se sentir como um choque após o ritmo vagaroso das seções precedentes. "Não fique atrás da música!", Diz Hyltin. "É difícil, porque você está exausto, mas se você está tentando pegar a última seqüência de piqué, você ficará muito tonto. Tente ficar um pouco à frente da batida nos coupés jetés. "E quando você terminar, respire fundo. "Depois deste solo, você via ter a sensação de ter terminando a apresentação", diz Hyltin, rindo. "Algumas das partes mais difíceis estão bem na frente,  relaxe e aproveite. "

Fonte: http://pointemagazine.com


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quinta-feira, 2 de março de 2017

Bailarinos super alongados


                            Imagem relacionada

É uma imagem rotineira no Instagram: Um dançarino casualmente em um oversplit, bebendo seu café da manhã. Um pé é apoiado em blocos (ou até mesmo uma cadeira) como suas pernas divididas bem além de 180 graus.

Nos últimos anos, extrema flexibilidade tornou-se o novo normal, com a mídia social inundada com imagens de dançarinos contorcendo-se em posições pretzel. A questão de se deve ser tão flexível para se conseguir uma carreira de dança profissional é uma questão de gosto, mas é claro que em competições, os penchés e os expansões circenses são recompensados com medalhas, bolsas de estudo e contratos. Mas pode esticar extremo causar lesões? Na verdade, pode ser seguro ou arriscado.

Por que é arriscado
De acordo com Marika Molnar, PT, LAc, que fundou a Westside Dance Physical Therapy e dirige o programa de fisioterapia do New York City Ballet, os dançarinos devem evitar o estiramento estático (segurando por mais de 30 segundos) em posições extremas a todo custo. Além de soltar os ligamentos que protegem seus quadris e joelhos (que não voltam a ficar em forma uma vez esticados demais), Molnar diz, "em tal oversplit, você está realmente pressionando o osso do fêmur para a acetábula em um ângulo tão prejudicial e com tanta força que você pode ferir o lábrum, causando uma lesão na cartilagem de seu quadril. "

Dr. William Hamilton, um cirurgião ortopédico de Nova York que trabalha frequentemente com dançarinos, concorda, notando que a maioria dos dançarinos são bastante flexíveis para começar. "Dançarinas hiperbólicas podem levar a articulação através de mais do que é projetado para fazer", diz ele. "Qualquer pessoa moderadamente solta deve ser cuidadoso em tais posições." Além do labral e outras lesões, alongamento estático extremo pode causar desestabilização conjunta em indivíduos hipermóveis.

Flexibilidade vs. Função
No ballet a  necessidade de saltar e girar  é  igual a necessário de um battement alto, que exige a força centralizada. Molnar observa que "a menos que você esteja no circo, não é necessário manter posições extremas porque não é funcional para balé".
Na verdade, alongamento estático também pode ter um efeito negativo sobre a contração muscular, diminuindo a sua capacidade de entrar no ar durante saltos e interferindo com um pouso controlado ao chão. "Qualquer tipo de alongamento, extremo ou não, que é mantido por mais de 20 segundos pode causar uma redução na altura dos saltos", diz Molnar. "É importante que os dançarinos compreendam essa correlação direta."

Kee Juan Han, ex-diretor da Escola de Balé de Washington, tem um quiz para dançarinos que estão mais preocupados com a flexibilidade do que com a força e a fixação. "Eu pergunto a eles o que a palavra vai antes ballet", diz Han. "Em meu livro é" clássico ", e eu tento lembrar os alunos desse contexto."

Suor + Paciência = Flexibilidade
Felizmente, existe uma maneira mais segura de desenvolver flexibilidade. Para Slawomir Wozniak, diretor do Master Ballet Academy no Arizona, o aquecimento é uma regra não negociável para as classes de condicionamento semanal da escola. "Nós nunca entramos em alongamento sem primeiro pular a sala com os braços cruzados, fazendo agachamentos ou flexões de pelo menos dois minutos para aumentar o fluxo de sangue", diz Wozniak. Molnar concorda: "Alongar não é um aquecimento. Fazer uma leve corrida ao redor da sala, mesmo antes de uma aula de alongamento. Ou use seu músculo diafragma para fazer respiração rápida como "a cem" exercício em Pilates, alternando inalar e exalar. "

Uma vez aquecido, evite alongamentos por mais de 30 segundos. Se você realmente precisa ganhar mais flexibilidade, segure trechos por períodos mais curtos, mas repita mais vezes ao longo da semana, assim  você alonga os músculos com segurança. "Quanto mais lento você alongar,  melhor será para seu músculo", adverte Wozniak.

Verifique constantemente seu corpo,  se você sentir uma dor aguda ou pungente, ou se você não pode respirar fundo, pare. Extremamente flexível dançarinos muitas vezes têm um tempo difícil para sentir os seus limites e devem evitar o uso de quaisquer aparelhos, tais como macas de pé, que pode facilmente empurrar a articulação.

Tenha em mente, também, que a flexibilidade é apenas metade do quebra-cabeça necessário para levantar a perna. Han começa suas aulas de balé com condicionamento no chão para os músculos abdominais e traseiros. Uma vez que a parte central estiver aquecida, o alongamento será naturalmente desenvolvido ao longo da aula.

"Os alunos ficam tão fixados por algo no YouTube, mas para mim, trata-se de colocação", diz Han de sua abordagem às exigências cada vez mais ginásticas do ballet. "O centro do seu corpo (glúteo, abdômen e lombar)  é  o que vai segurar você e sua perna para cima."

Da mesma forma, Wozniak tem o cuidado de construir uma mistura de barra de chão, Pilates e yoga - juntamente com alguma ginástica - em suas aulas de condicionamento. "Esticar sem condicionar os músculos não ajuda muito", diz Wozniak. "Você tem que ser flexível e capaz."

Embora seja difícil não ter ciúmes do último post do Instagram, concentre-se na grande imagem. "Os dançarinos não são apenas mais flexíveis", diz Wozniak. "Eles estão ficando mais fortes, mais rápidos e mais coordenados."


fonte: http://pointemagazine.com

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quarta-feira, 1 de março de 2017

Se você acha que os exercícios de barra são difíceis, e porque você ainda não experimentou o bosu.

Oi Gente!
O Bosu é um acessório que tem a aparência de uma bola cortada ao meio e é bastante requerido pelos estúdios por ser de fácil uso e pela versatilidade dos exercícios – ele possibilita flexões de braço, abdominais, pulos e todos os exercícios.
Os exercícios praticados no bosu trabalham necessariamente com o alinhamento do eixo de gravidade para o equilíbrio. A conseqüência disto é a consciência corporal de quem pratica, além da melhora na coordenação, aumento da eficiência neuromuscular onde os músculos agonistas, antagonistas, neutralizadores e estabilizadores funcionam juntos durante a maioria dos movimentos.
O Bosu tem origem americana. Seu nome é uma sigla para “Both Sides Up” (Ambos Lados Para Cima). Ele pode ser usado tanto na parte plana quanto na parte oval. Daí a origem da sigla. De qualquer lado é preciso ter força para manter o equilíbrio durante o exercício.



                     


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sexta-feira, 10 de fevereiro de 2017

Desastre ou oportunidade?



Todos nós sofremos contratempos, mas você pode escolher o que fazer deles, escreve Michelle Dursun.
Os contratempos vêm em todas as formas e tamanhos. Eles podem ser o resultado de uma lesão; um desempenho que não foi tão bem como planejado ou talvez uma falha de audição. Os contratempos são difíceis de lidar. Pode ser difícil ter uma decepção, rejeição ou a frustração de uma lesão.

A realidade é que, para os artistas, os contratempos vão muito além, e o faz a diferença é como você lida com eles. Você poderia tratá-los como uma "catástrofe" - "o Fim do Mundo!" Ou um "desastre total"! Ou você poderia tratá-los como uma "oportunidade de aprendizagem", um "fortificante" ou um "construtor de resiliência". Você pode escolher o que lhe convém.

Sejamos francos: os contratempos não são divertidos. OK  você se sentir desapontado ou desiludido. Como diz Daniel Savetta, um artista do Washington Ballet nos EUA: "Estar chateado as vezes é bom, e até normal. De qualquer forma ninguém quer lidar com a adversidade. "Portanto, é importante sentir a decepção, mas é importante também perguntar a si mesmo," o que eu posso tirar disso? "Os contratempos podem ser vistos como oportunidades disfarçadas. Eles dão a você a chance de crescer e aprender.

Audição ou contratempo do desempenho
Os contratempos fazem parte da vida de um artista. Richard Causer, um dançarino da Expressions Dance Company em Brisbane, diz: "Você tem que estar preparado para experimentar algum tipo de falha e rejeição, se você tem uma carreira artística".

Causer, que passou quatro anos trabalhando como dançarino profissional em Londres antes de se juntar à Expressions, explica que teve a sorte de ter sempre trabalho. No entanto, "não aconteceu sem ser recusado em algumas audições". Ele acrescenta que chegou a um ponto onde ele teve que reformular a sua abordagem na audição "como um workshop para o meu desenvolvimento pessoal ". Ele tiraria o máximo da audição e aproveitaria a oportunidade de trabalhar com "coreógrafos e dançarinos incríveis, aprender repertório espetacular e fazer parte do processo criativo, uma oportunidade que raramente acontece fora de uma audição". Desta forma, a experiência o ajudou a crescer como artista, mesmo que não tivesse sucesso.

Gene Moyle, psicólogo, professor associado e chefe de dança na Universidade de Tecnologia de Queensland, explica que quando se trata de um retrocesso de desempenho pode ser um desafio para refletir sobre uma experiência ruim, porque "um contratempo geralmente está ligado a sentimentos negativos e emoções ". No entanto, ela aconselha que tirar um tempo para refletir sobre coisas que não são planejadas ou erros que você tenha feito é  "ser crítico para garantir que você entenda por que as coisas aconteceram dessa maneira, e o jeito que foram realizadas, o que permite que você coloque no lugar as suas metas  ". Concentrar-se nos aspectos positivos de um desempenho é tão importante quanto aprender com os negativos. "Mesmo quando não obtemos os resultados que queríamos, sempre haverá pelo menos uma coisa que fizemos bem".

Lesões
O resultado de uma lesão pode ter um impacto muito mais a longo prazo do que uma rejeição de audição ou de um mau desempenho. Para Benjamin Ella, primeiro artista do Royal Ballet em Londres, teve uma fratura de estresse em seu osso navicular do seu pé que aconteceu no pior momento. Acabaram de lhe oferecer um contrato com o Royal Ballet. Felizmente, diz ele: " Lady Monica Mason, que era diretora artística do Royal Ballet naquela época, manteve meu contrato e me deu tempo para me recuperar". No entanto, quando seu osso navicular começou a fraturar novamente após dois meses em Londres, ele teve que fazer uma cirurgia para implantar dois parafusos de titânio no osso, resultando em mais 12 meses de recuperação antes que ele pudesse voltar aos palcos.

Ella explica que um dos aspectos positivos do processo de lesão e reabilitação foi a oportunidade de avaliar o futuro e se perguntar: "Eu realmente quero isso?" Ele chegou à decisão de que aos 21 anos de idade, Não podia desistir da paixão pelo balé ". E afirma que todo o processo o tornou mais forte e mais resistente.

Savetta também enfrentou um sério contratempo em sua carreira com uma grave lesão na canela que exigiu cirurgia e longa reabilitação. Com o objetivo de voltar ao palco "o mais rápido possível", uma das lições que ele aprendeu foi como permanecer positivo através da frustração de não ser capaz de dançar. Ele descobriu que tinha que canalizar sua energia para algo explorando outras paixões. "Eu trabalhei quando estava em casa, conforme minha saúde permitiu, aprendi a usar a máquina de costura, fiz a bainha das calças e me ocupei com os tutus".

Ella, Savetta e Causer (que atualmente está lidando com um tendão de bíceps e lesão de cartilagem) todos tem como lição as suas lesões como uma oportunidade de refletir e de reavaliar sua abordagem para trabalhar. Ella aconselha, "você não pode ir a 110 por cento todos os dias, você iria quebrar." Uma das lições aprendidas por todos os três dançarinos foi como trabalhar de forma inteligente, com dureza, para manter o equilíbrio e cuidar de seus corpos.

Outra porta abre
Os contratempos também podem, por vezes, proporcionar uma oportunidade de avançar por um caminho diferente. Christine Denny, ex-dançarina profissional e fundadora de Tapatak Oz, diz que os contratempos e rejeições que enfrentou em sua carreira foram realmente uma "bênção disfarçada". Ela diz que o que parecia ser tão negativo na época era um "uma oportunidade de ouro, que me guiou em outra direção". Sem esses contratempos, "talvez nunca tenha descoberto minha paixão absoluta por ensinar e inspirar a próxima geração de professores e de bailarinos".

Como "enquadrar" um contratempo
Como enquadrar um contratempo é uma habilidade importante para qualquer um. Moyle explica que a resiliência é realmente "uma mentalidade, uma atitude". Lidar com a decepção pode ser uma oportunidade de crescimento, mas, para que assim seja, dançarinos devem "também reconhecer que esta experiência é apenas uma experiência" - não é útil transformá-lo em uma catástrofe. Em vez disso, a experiência deve ser vista no contexto.

Então, talvez você tenha tido um resultado que não é o que você queria e você está desapontado que as coisas não seguiram o seu caminho, mas é importante lembrar que as circunstâncias não são permanentes. Seja qual for o contrtempo, olhe para as oportunidades que está apresentando você. Pegue o que você pode aprender com ele e voltar para o jogo. Manter as coisas em perspectiva e seguir em frente, como Savetta aconselha, "é uma aprendizagem contínua e com positividade".


Conselhos para professores
Há algumas  estratégias que os  professores podem empregar para apoiar os alunos através de um contratempo:
1. Refletir sobre o desempenho e pesar as coisas que foram bem em conjunto com as áreas que requerem atenção, há sempre alguns aspectos positivos!
2. Estabeleça metas para lidar com áreas do desempenho que precisam ser melhoradas.
3. Mantenha as coisas em perspectiva. Wendy Mollee, ex-dançarina profissional e agora diretora da Dancefever na Gold Coast, diz: "Eu digo aos alunos - isso aqui não são os Jogos Olímpicos!"
4. Lembre aos alunos que eles estão em uma viagem que às vezes pode ser difícil, mas os desafios proporcionam-lhes uma oportunidade para melhorar e crescer.
5. Reformule o conceito de sucesso - não é o resultado de que tudo dá certo o tempo todo, e sim resultado de persistir através da adversidade
6. Lembre aos alunos que esta é uma situação temporária e para ser otimista sobre o futuro.

Fonte:http://www.danceaustralia.com.au

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quarta-feira, 18 de janeiro de 2017

Solista

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Muitas vezes, um grande solista de competição ganha todos os prêmios por um trabalho notável que eles dominaram completamente - mas depois ao tentar aprender qualquer outra coisa, não conseguem. Como você pode evitar que isso aconteça? Ao se aproximar da sua competição prepare-se estrategicamente para que possa melhorar o seu treinamento.

Dançar um personagem fora de sua zona de conforto.
Ao selecionar variações para seus alunos, Slawomir e Irena Wozniak na Master Ballet Academy no Arizona muitas vezes procura papéis que contrastem os temperamentos naturais dos dançarinos. "Para ser contratado, você deve mostrar a sua importância", diz Slawomir. "O príncipe feliz, cheio de amor, tem uma abordagem diferente para os mesmos passos como um Basílio arrogante de Dom Quixote,  aprender as distinções pode melhorar a sua arte.

Escolha as coreografias mais difíceis.
Kelly Burke, diretora artística da Academia de Dança de Westchester no estado de Nova York, vê os dançarinos melhorarem quando lhes dão algo para que possam se inspirar. "Sabendo que teremos uma sessão privada semanal para ensaiar o solo, dou coreografias para as dançarinas que são tecnicamente mais difíceis do que elas podem fazer", diz ela. "Claro, eu nunca deixaria que elas executassem isto até que ele seja feito corretamente." Se seu solo está bem feito, pergunte ao coreógrafo se você pode fazer uma volta extra ou uma outra mudança um pouco mais arriscada.

Analise cada passo.
Se você tem um professor que você tenha mais afinidade peça a ele para ajustar o seu desempenho."Veja todos os detalhes técnicos", diz Suzi Taylor, membro do corpo docente da New York City Dance Alliance. "Vá além de verificar o seu alinhamento,  analise se você está usando o apoio para seus braços para um alinhamento global. A sua perna de apoio está totalmente finalizada? "Esses detalhes ajudam a você melhorar a sua performance".

Estude suas transições.
Burke acha que quando ela passa uma sessão de coaching inteiro sobre a especificidade nos momentos entre as etapas, seus dançarinos acabam fazendo vários trabalhos técnicos como apoio para o  resto da dança. Observe sua apresentação, como sair do solo ou identificar onde está seu peso quando você for sair de uma vez do solo.

Construa sua força com musicalidade.
Combinar a música pode ampliar seus limites. Tome uma abordagem para extrair  um développé quando a música se intensifica, por exemplo, e com o tempo você está certo de se sentir mais forte em sua perna de apoio e na extensão. "A maneira como você se aproxima de seu port de bras no solo pode trazer alguma clareza para o seu outro movimento", diz Taylor. "Isso pode melhorar o seu procedimento, assim,  a sua imagem estará completa."

Preencha seus próprios espaços.
Use seu solo de competição para ir mais fundo. Se você está tendo dificuldade com seu solo, preste atenção na sala de aula. Ou treine seu cérebro, execute uma variação começando pela perna oposta. Faça uma analise para estabelecer uma conexão emocional com o trabalho. "Talvez você precise ler sobre a história francesa ou dançarinos que vieram antes de você", diz Wozniak. Poderia fazer a diferença na frente dos juízes e em sua compreensão geral do movimento.

Fonte: http://dancemagazine.com
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quinta-feira, 10 de novembro de 2016

Balé funcional


EuAtleta-balet-Fitness_690 (Foto: Eu Atleta | Arte | foto: Renata Domingues)

Oi Gente!

No post de hoje vamos falar sobre balé funcional,  e uma sessão de 50 minutos que une técnicas de dança clássica com exercícios aeróbicos, de pilates e musculação, aumentando o tônus muscular e gerando melhora de postura. Este texto e do site globoesporte.com.


Cabelo arrumado, collant, meia calça impecável, sapatilha de ponta. O balé talvez faça parte do imaginário de nove entre 10 meninas. Mas os anos vão passando, o corpo mudando, e, na maioria dos casos, o sonho não chega a virar realidade. Não chegava. Porque agora qualquer menina, mulher, senhora - e homem, também, claro -, pode virar bailarina. E não precisa nem de roupas clássicas, coque ou sapatilha. Basta ter disposição para o chamado balé funcional, modalidade que trabalha a parte aeróbica, postura, condicionamento físico, tônus muscular, flexibilidade, equilíbrio, respiração e ainda deixa o corpo longilíneo. Tudo isso em 50 minutos de aula, duas vezes por semana.

- É uma aula que está sendo a festa da mulherada. Ela tem vários benefícios, além do prazer e da satisfação pessoal, porque muitas não tiveram a oportunidade de praticar balé na infância. Tem um resultado excelente,  apesar de não trabalhar com peso nenhum, só com repetição e peso do corpo. É um trabalho aeróbico também, e une todas as coisas que a mulher procura. Trabalha seu corpo todo de uma maneira diferente. É uma alternativa de se trabalhar o corpo. A aula de balé funcional visa o corpo, enrijecimento, condicionamento físico, postura, força. Esses princípios do balé clássico a gente traz para dentro da aula de uma maneira que trabalhe a musculatura. A gente faz muita repetição, o que deixa as meninas cansadas - explicou Bianca Iglesias, professora de educação física que trabalha com balé há 15 anos. 

Criado há cerca de 13 anos pela paulista Betina Dantas - que também idealizou o jazz fitness - com a patente Ballet Fitness, a aula ganhou nomes diferentes e se espalhou pelo país, chegando a Nova York e também Paris. O segredo do sucesso é fácil de ser explicado. Além do gasto energético de uma aula ser de cerca de 800 quilocalorias (kcal), o balé funcional reúne passos e a postura do balé clássico, mas quebra aquela rigidez das aulas que visam formar profissionais. Nesses 50 minutos, a aluna é transportada para outro universo, onde ela pode ser quem quiser, brincar, se divertir, sem se preocupar muito se está fazendo tudo de maneira perfeita.

- É uma aula de balé bem mais descontraída que uma aula tradicional. Já começa pela roupa. Elas podem vir vestidas de bailarinas se quiserem, mas costumam usar roupa normal de malhar com uma meinha antiderrapante ou sapatilha. Não precisa ter conhecimento do balé clássico. A técnica é ensinada a cada aula. Até porque não temos o objetivo de formar bailarinos. Você não precisa saber a técnica para realizar os exercícios. E conforme elas vêm às aulas, você vai notando uma melhora corporal. É para qualquer idade. Em casos isolados, a gente faz uma diferenciada nos exercícios para quem tem problema de coluna, por exemplo. Mas é uma aula que não tem restrição. Temos várias senhoras que fazem. Ainda não tivemos um homem, mas eles são bem-vindos. É uma aula para qualquer pessoa - afirmou Bianca. 

E as diferenças para uma aula tradicional já começam pelo som. Os primeiros passos são dados com música clássica. Mas, em determinado momento, os pliés, développés e dégagés ganham batidas, animando ainda mais a aula, que é recheada de agachamentos, flexões, exercícios de isometria e abdominais, às vezes com barra de apoio, outras sem, mas sempre com atenção à postura, costas retas e mãos e pés de bailarina esticadinhos. O som do Teatro Municipal volta a ganhar força apenas no fim, na hora dos alongamentos. 

- A gente trabalha com a música clássica e vários outros ritmos. Isso tem o objetivo de deixar a aula diferente, quebrar aquela tradição quadradinha do balé clássico e tirar aquele tabu de que balé não é para qualquer um, é só para meninas mais novas. E quando você une a técnica do balé com exercícios de musculação e pilates tira aquele medo que o balé clássico traz. Essas músicas ajudam a animar também a aula - contou a professora.

E na turma que reúne entre 20 e 30 alunas em uma academia na Tijuca, há meninas e senhoras com objetivos distintos e a mesma aprovação. A aula tem feito tanto sucesso, que a academia precisou readequar sua grade de horários para encaixá-la também no turno da noite. 

- Já fiz balé há muitos anos. Foram oito anos de balé clássico, moderno, jazz, afro... Parei para casar, ter filhos e falei que o dia em que eu me aposentasse, iria voltar para o balé. Tive o privilégio de encontrar essa professora maravilhosa e já faço balé há dois anos com ela. Melhora nosso tônus muscular, o equilíbrio, ainda mais para mim que tenho 60 anos, o balé é essencial. Tenho colegas de 7, 8, 14, 70, 80 anos. Faço aula com meninas, e é uma aula maravilhosa, flui bem, consigo pegar e estou indo até o dia que Deus quiser - disse a professora de educação física aposentada Eliana Gomes, exibindo um corpão aos 60 anos. 
E os resultados não demoram a aparecer. A psicóloga Juliane Lages iniciou a prática do balé funcional há apenas um mês e já se sente outra pessoa. 

- Comecei a fazer essa aula para diversificar um pouco e estou amando. Embora seja uma aula muito pesada, sem nenhum peso, a gente sai morta como se tivesse carregado uma tonelada. O corpo vai ficando mais rígido, vai melhorando nossa elasticidade, fora a animação, melhora nosso ânimo, nossa disposição. Já estou sentindo diferença na postura e no modo de andar - garantiu. 

Assim, se você não gosta de musculação, não tem muita disposição para correr, mas quer tentar ficar com corpão de bailarina, vale a pena testar o balé funcional. A aula que trabalha o corpo inteiro, aumenta o ganho de força, sem perder a leveza. Não é à toa que famosas como Taís Araújo, Flávia Alessandra, Danielle Winits e Ingrid Guimarães estão entre as adeptas.